Francisco de Goya, Dona Maria Teresa de Vallabriga y Rozas (détail), 1783. Huile sur panneau de bois, 66,7x50,5cm. Gracieuseté de la collection Perez Simon / Fundacion Japs, Mexico. © Studio Sébert Photographes

(Communiqué) Québec, le 27 octobre 2010 – À l’occasion de l’exposition Du Greco à Dalí. Les grands maîtres espagnols de la collection Pérez Simón, le Musée national des beaux-arts du Québec présente la conférence De Goya à Dalí : l’art espagnol entre tradition et modernité.

L’arrivée de Goya dans le paysage culturel de l’Espagne de la fin du XVIIIe siècle marque un tournant sans précédent. Polyvalent, l’artiste est à la fois le portraitiste officiel de la cour royale et celui qui mène la peinture de son temps aux limites de la modernité la plus radicale.

Par quelques coups de projecteur sur les oeuvres les plus significatives de l’histoire de l’art espagnol, de Goya à Dalí en passant par Picasso, la conférence retrace quelques moments clés de cette production artistique en la rattachant aux grands mouvements historiques et intellectuels qui l’ont vue naître.

Par Françoise Lucbert, professeure en histoire de l’art, Département d’histoire, Université Laval
Mercredi 3 novembre, 19 h 30
Auditorium / Gratuit
RENSEIGNEMENTS (grand public) :
418 643-2150 ou 1 866 220-2150 / www.mnba.qc.ca

L’exposition Du Greco à Dalí. Les grands maîtres espagnols de la collection Pérez Simón est présentée au Musée national des beaux-arts du Québec jusqu’au 9 janvier 2011.

C'est le Groupe Financier Banque TD qui défraie partiellement les coûts de cette programmation culturelle.

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Vous avez un communiqué de presse en arts visuels/patrimoine à Québec?
Envoyez-le-moi: calendrier [À] marcgauthier [POINT] com

Église Saint-Norbert. Angle façade latérale droite et façade principale. Photographie © Fondation du patrimoine religieux du Québec

* Jean-Pierre Ferland et Ginette Reno ont donné un concert pour venir en aide à l’église Saint-Norbert dans Lanaudière. On visait une levée de fonds de 250 000 dollars.

* La première édition des Rencontres internationales de la photographie de la Gaspésie se déroulent jusqu’au 19 septembre.

* Le Soleil a visité le Symposium de Baie-Saint-Paul. Je devrais y aller demain.

* Sotheby’s est présentement en train de parcourir l’Île-du-Prince-Edouard à la recherche d’oeuvres d’art.

* Shirley Thomson, directrice du Musée des beaux-arts du Canada entre 1987 et 1997, est décédée à l’âge de 80 ans.

* L’architecte Philip Beesley va représenter le Canada à la 12e Biennale de Venise consacrée à l’architecture avec son projet Hylozoic Ground. CBC a une suite d’images sur l’installation. Ceux et celles qui ont visité le dernier Mois Multi au Complexe Méduse ont déjà pu se faire une idée du curieux objet.

* La ville de Florence et le gouvernement italien se battent au sujet de la propriété du David de Michel-Ange – et de ses 8 millions d’euros annuels en revenus touristiques. On rappellera que l’Italie cherche à rentabiliser ses trésors historiques et culturels. C’est l’ancien patron de McDonald’s-Italie qui met cette politique en oeuvre, lui qui considère les oeuvres de musées comme « un gisement de pétrole à coût zéro. »

Anish Kapoor, The ArcelorMittal Orbit. Source: ArcelorMittal.

* Report de la construction de la tour olympique conçue par Anish Kapoor pour les JO de Londres en 2012. Rappelons que cette tour est financée par ArcelorMittal, commanditaire des Jeux et propriétaire de la canadienne Dofasco.

* L’UNESCO continue d’inscrire des sites sur la liste du patrimoine mondial en péril.

* Le Musée d’art islamique du Caire a rouvert ses portes après une fermeture qui aura duré 8 ans. Les 25 galeries ne seront accessibles au public qu’en septembre.

* L’exposition sur Picasso remplit les salles du Met de New York : 703 256 visiteurs en 17 semaines.

[Vue extérieure de la Villa Bagatelle durant l'exposition]

Commençons d’abord par une confession: j’aime bien la Villa Bagatelle. Cette maison néo-gothique, abandonnée pendant une décennie, a été correctement restaurée et sert maintenant d’espace d’exposition. Cependant, comme il ne s’agit pas d’un musée, elle ne possède pas de collection. Les lieux sont prêtés à des expositions itinérantes. Selon moi, il s’agit d’un recyclage intéressant d’un bâtiment qui aurait pu être livré au pic des démolisseurs.

Voilà quelques mois, on y accueillait Mutineries tranquilles, des toiles provenant de la collection permanente du Musée du Bas-Saint-Laurent [en savoir plus]. Cet été, ce sont des photographies conservées au Musée national des beaux-arts du Canada qui sont exposées.

Le Maître de l’instant. La collection Cartier-Bresson du Musée des beaux-arts du Canada propose 27 épreuves à gélatine argentique du photographe Henri Cartier-Bresson. Le nom de cet artiste vous est peut-être inconnu, surtout si vous n’êtes pas familier avec le monde de la photographie.

Cependant, il faut savoir qu’il est l’inventeur du photo-journalisme tel qu’on le pratique encore aujourd’hui. Ce que cela signifie, c’est que ses clichés cherchent à capturer un moment, une émotion, un bref instant dans la vie. C’est ce qui explique le choix du titre de l’exposition. Mentionnons également qu’il s’agit d’un personnage complexe, toujours situé à la jonction du domaine artistique et du domaine commercial puisqu’il est l’un des fondateurs de l’agence de photographie Magnum, l’une des plus importantes au monde.

Dans son oeuvre, le fugitif est souvent présent. Il s’exprime par le biais d’un flou, d’une fugacité, d’une ombre. Il suffit d’observer la photographie choisie pour illustrer l’exposition pour s’en rendre compte. La plupart des oeuvres proposées à la Villa Bagatelle s’inscrivent dans cette veine.

Parfois, l’instant se manifeste d’une autre façon. Il peut s’agir d’un moment dans la vie d’une personne. Il s’agit de l’une des révélations de cette exposition qui propose des clichés d’artistes français croqués sur le vif. On retrouve Braque (1944), Matisse dans son atelier à Vence (1944), le photographe Alfred Stieglitz (avant 1946) et Rouault (Paris, 1946). Une photographie de Picasso, posant à côté du Chef-d’oeuvre inconnu de Balzac qu’il a illustré, est particulièrement frappante. D’autres personnalités comme le couple Joliot-Curie et Jean-Paul Sartre sont également capturées.

L’oeuvre la plus puissante de l’exposition est Cape Cod, Massachussetts (1947). Il s’agit du portrait d’une vieille femme devant une maison, le bras dénudé tendu vers le ciel, la main pointant un horizon lointain. Autour de son cou, comme une cape ramenée sur sa poitrine est déployé le drapeau américain. L’oeuvre de grand format respire le temps qui passe, tempus fugit. De plus, il s’agit du seul tirage signé par le photographe.

Pour satisfaire la curiosité des visiteurs, une dizaine de livres sont mis à leur disposition. De plus, des guides-animateurs présentent avec patience la démarche artistique du photographe.

Au second niveau de la Villa Bagatelle, le Club photo f:1 de Sainte-Foy propose Un air d’Europe, quelques clichés sympathiques du Vieux-Continent et de la Vieille-Capitale. Ne manquez pas Rue Buade, Québec (2008) de Léon Lachance qui représente trois soldats sortant d’un restaurant dans le Vieux-Québec.

Ces expositions sont proposées jusqu’au 23 août 2009. Elles sont gratuites. Tous les détails sont dans le Calendrier culturel.

De nombreuses ventes aux enchères ont lieu cette semaine, parmi lesquelles se retrouvent des oeuvres des artistes d’ici.

Tout d’abord, Iegor propose 186 lots composés de peintures, sculptures et bijoux. On remarquera des oeuvres mineures de Picasso (lot 137) et Dalì (lot 55) produites sur le mode de la série numérotée. Le hasard (!) faisant bien les choses, quelqu’un se départit de son Van Dongen (lot 180) peu de temps après l’exposition du Musée des beaux-arts de Montréal.

Plus intéressante me semble la sculpture L’Iroquois (lot 70-B) de Marc-Aurèle de Foy Suzor-Coté, réalisée en 1907. Je crois comprendre qu’elle fait partie du lot dans lequel se trouve également Les Femmes de Caughnawaga (lot 70-C), réalisé en 1925. Signalons aussi une oeuvre de Jori Smith (lot 167). Je suis intrigué par cette oeuvre (lot 70), classée parmi l’École de Barbizon et par La Pause, attribué à l’École française (lot 75).

Chez Empire (Montréal), plusieurs tableaux sont également à vendre au son du marteau du commissaire-priseur. Soulignons un Berthe Des Clayes (lot 678), des Lise Lajoie sympas (lot 787 et al.) et un Claude Tousignant très texturé (lot 706a).

Pour sa part, Heffel propose une vente d’art canadien cette semaine. Le niveau y est particulièrement relevé avec une huile sur toile, Ouvertures imprévues, de Borduas (lot 009),

Jouet de Riopelle (lot 31) devrait dépasser le cap du million de dollars tandis que Côte sauvage (D) (lot 34) du même artiste devrait être plus accessible.

On y remarque aussi une huile sur panneau de Jean-Paul Lemieux intitulée Port-au-Persil (lot 14) ainsi qu’une huile sur toile nommée Le Lac du nord (lot 16).

Si vous avez aimé l’exposition Femmes artistes proposée au Musée national des beaux-arts du Québec, vous pouvez vous procurer le tableau Réseaux d’intrigues de Rita Letendre (lot 33), une artiste qui y est exposée dans la section abstraite et que je trouve fascinante.

Sont également présents Louis Belzile, Mousseau, Marcelle Ferron, Jauran (Rodolphe de Repentigny), Fernand Leduc, Alexander Colville, Serge Lemoyne et bien d’autres.

Les choix sont donc nombreux cette semaine pour ceux qui peuvent s’offrir ces oeuvres.

Détails sur les ventes:

• La vente chez Iegor – Hôtel des Encans a lieu ce lundi 15 juin 2009. On peut faire des achats par Internet.
• Chez Empire (Montréal), l’encan a lieu les 14, 15 et 16 juin 2009.
• La vente d’art canadien chez Heffel a lieu le 17 juin 2009.

* David Almetjd est finaliste pour un Sobey Art Award.  Résultats en octobre. Le gagnant remportera 70,000$.

* Le Centre canadien d’architecture a fêté ses 20 ans cette fin de semaine. On y présente des oeuvres de Maurice Demers. 

* À Saint-Jean-de-Matha, la nouvelle abbaye des moines cisterciens d’Oka aura un hôtel pour accueillir les pèlerins.

* Ailleurs: L’hebdomadaire gratuit Ici est mort.

* Julie Couillard, vixen, vend LA robe 1,000$ aux enchères. Eh oui.

* L’ineffable maire de Québec a fait la tournée de Montréal, en compagnie du directeur du Festival d’été de Québec. 

[Site iPhoneZine]

* David Hockney dévoile des oeuvres d’art conçues pour le iPhone. 

* Quel est le futur du journalisme artistique?

* Les sites archéologiques et les musées mexicains sont fermés à cause de la grippe A/H1N1.

* Comment faire augmenter ses actions de 20%? Il suffit de couper 20% de son personnel, comme l’a fait la maison Sotheby’s.

* Discrétion demandée : une victime du financier Bernard Madoff vend un Picasso évalué à 20M$. 

* La vente de la succession Jean Marais, qui contenait plusieurs oeuvres de Cocteau et une de Picasso, a rapporté 3 millions de dollars.

* Vente d’oeuvres de Tamara de Lempicka: 10 tableaux mis sur le marché.

* Deux peintures, dont un Dalì, sont volées au Scheringa Museum for Realist Art à Spanbroek (Pays-Bas)

* La rétrospective consacrée à Claude Tousignant a ouvert ses portes au Musée d’art contemporain de Montréal. On en parle sur Radio-Canada et La Presse. 

* La controverse autour des « Prix du Canada » créés par le gouvernement fédéral dans le dernier budget continue. La CBC joue la carte « Montréal vs. Toronto » dans son analyse.

* Officiel: 12 millions de visiteurs dans les musées québécois en 2008 ! La ville de Québec tire son épingle du jeu avec près de 3 millions d’entrées.

* La culture représente 6% à 7% des dépenses d’une municipalité, quelle que soit sa taille.

* Lesquels sont les plus nombreux au pays, les artistes ou les travailleurs de l’automobile?

* Le Canada, colonie économique des États-Unis : le gouvernement ne parvient pas à aider la Colombie-Britannique pour conserver au pays un artefact vieux de 4000 ans. À quand une loi permettant d’interdire la sortie du pays de certains biens patrimoniaux, comme il en existe en France?

* La cote de crédit de Sotheby’s, une maison aux enchères vieille de 265 ans, pourrait être reléguée au rang de pacotille par les firmes d’évaluation comptable. Ouch!

* La politique italienne pourrait contrecarrer les célébrations entourant le centenaire du Futurisme.

* Pssst! Les Japonais aussi ont leur festival de sculptures sur neige. [photos] [via C-Monster]

* Et si Obama injectait 62 milliards dans le système culturel américain pour relancer l’économie de son pays? Audacieuse proposition du L.A. Times. [via Modern Art Notes]

* Un musée de Berlin doit restituer un poster saisi par la Gestapo à un héritier de la famille.

* Ka-ching! Une sculpture de petite danseuse de Degas bat un record pour l’artiste à près de 15 millions d’euros.

* Opération marketing réussie pour la « vente du siècle » : le compagnon de vie du couturier Yves Saint-Laurent vend leur collection dans deux semaines. Ingres, Géricault, David, Hals, Giacometti, Picasso, Léger, Duchamp… près de 700 lots seront mis aux enchères du 23 au 25 février 2009. 

* La National Gallery de Londres et la National Gallery d’Écosse acquièrent Diane et Actéon du Titien pour 50 millions de livres sterling.

* La statue hommage au lanceur de soulier en direction de George W. Bush a été enlevée à Bagdad.

Samedi après-midi, Jean-Pierre Cuzin a prononcé une conférence en forme d’interrogation autour de la perception du peintre français Jean Auguste Dominique Ingres.

Qui était Ingres? Ce peintre français est rattaché au mouvement néo-classique qui préconise un retour aux idéaux de l’Antiquité. Certaines de ses oeuvres sont particulièrement connues, comme Le Bain turc ou La Grande Odalisque.

Les critiques les plus courantes à l’égard de ce mouvement artistique peuvent se résumer à son manque de spontanéité et de liberté dans la création artistique. En ce sens, Ingres est souvent considéré comme un peintre sage, influencé par l’art antique et Raphaël. C’est l’aspect «pompier» de son oeuvre, un terme péjoratif dérivé de l’aspect des casques des guerriers grecs assimilés aux casques des pompiers du 19e siècle.

Jean-Pierre Cuzin a proposé une relecture des oeuvres d’Ingres en mettant de l’avant sa grande créativité et son inventivité, son aspect «indendiaire». Selon cette lecture, Ingres est un peintre novateur malgré lui, tout autant précurseur de l’art moderne que Delacroix, mais par des voies différentes.

[Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Grande Odalisque, 1814, huile sur toile, 91x162 cm, Musée du Louvre. Source: wikipedia.org.]

L’audace de la déformation est le premier aspect qui détermine les tendances de l’art du 20e siècle, déjà présente chez Ingres.

La Grande Odalisque est un tableau qui a été choquant dès le moment de sa première présentation publique. On a souligné l’audace de la composition, les libertés prises avec l’anatomie et les déformations bien présentes. Ainsi, un coup d’oeil sur son dos révèle une élongation très prononcée, comme si elle possédait des vertèbres en trop. Aussi, la jambe gauche ne semble très bien s’attacher au corps de la femme.

À partir de cette oeuvre, Jean-Pierre Cuzin a tracé un parallèle avec une gouache de Picasso de 1907, conservée au Musée Picasso, qui tisserait un lien entre les deux artistes.

Le conférencier s’est ensuite attardé à tracer des parallèles dans le travail de déformation réalisé par Ingres et celui d’autres artistes plus modernes. Dans une démonstration trop courte pour être évaluée, Le Bain turc a été mis en correspondace avec Les Demoiselles d’Avignon. Dans un même ordre d’idées, un dessin de Tamara de Lempicka (1923) et une oeuvre d’Harry Nadler (1968) ont été présentés.

[Jean-Auguste-Dominique Ingres, Madame de Senonnes, 1814, huile sur toile, Musée des beaux-arts de Nantes]

Le second axe sur lequel s’est appuyé cette lecture est celui de la couleur. On oppose souvent les Romantiques (Delacroix) aux Néo-classiques (David, Ingres) dans leur utilisation de la couleur. Les uns maîtriseraient ses capacités expressives, les autres lui accorderaient une fonction ornementale.

Jean-Pierre Cuzin a d’abord frappé l’oeil des spectateurs par une succession de tableaux d’Ingres qui proposent une relecture de ce postulat. Madame de Senonnes (1814-1816) et son contraste entre les coloris rouges et jaunes ainsi que Madame Moitessier (1856) et l’éclat de ses couleurs ont été mises en relation avec les travaux de Picasso et Matisse.

Le troisième axe est le dessin. Si Ingres est un grand dessinateur, il prend des libertés graphiques qui valent la peine d’être signalées. Le dessin de la Dormeuse de Naples a croisé les oeuvres de Matisse, Derain et Picasso.

[Jean-Auguste-Dominique Ingres, Roger libérant Angélique (détail), 1819, huile sur toile, 147x190 cm, Musée du Louvre. Source: wikipedia.org]

Finalement, la question de la bizarrerie a été évoquée. Si Ingres ne semble pas avoir recherché un effet bizarre volontaire, il demeure que certaines de ses oeuvres possèdent des incohérences qui ne peuvent être attribuées à une lacune technique. Il s’agit d’aspects irréalistes qui sont présents dans certains tableaux et dessins, comme cette femme aux trois bras, étude préparatoire pour Le Bain turc. Un autre exemple est cette représentation d’Angélique qui semble posséder trois seins, le troisième étant formé par son cou.

[Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Grande Baigneuse, dite La Baigneuse de Valpinçon, 1808, Musée du Louvre. Source: wikipedia.org] 

La bizarrerie s’exprime également par une impression de collage parfois présente dans les oeuvres. En un sens, il s’agit d’un goût de l’étrange créé en juxtaposant des éléments qui semblent mal coordonnés. La Grande Baigneuse (1808) du Musée du Louvre en constitue un bel exemple, surtout à cause de la tapisserie située à gauche du personnage. En observant les jambes de la femme et le tissu qui pend du plafond, il est pertinent de se questionner sur la représentation spatiale en jeu: lequel des éléments est situé en avant de l’autre? Cette interrogation a mené à la présentation d’une oeuvre de Dalì qui joue sur le même type d’ambiguïtés spatiales.

Se trouvant discrètement dans plusieurs oeuvres, l’érotisme est indéniablement présent dans les tableaux d’Ingres, la difficulté consistant à identifier le désir conscient du peintre de l’inclure. Il combine malgré tout chasteté et provocation dans de nombreuses oeuvres, ce qui sera repris par les artistes des générations suivantes, surtout autour de La Grande Odalisque et La Source. Cette dernière oeuvre a d’ailleurs été détournée par Max Ernst en 1962 dans Le Jardin de la France et par Mirò.

[Jean-Auguste-Dominique Ingres, Jupiter et Thétis, 1811. Source: wikipedia.org]

Finalement, le conférencier a souligné un aspect cocasse retravaillé par plusieurs artistes inspirés par le peintre français. L’exemple de Jupiter et Thétis (1811) a été donné, avec cette main qui touche le menton de Jupiter. Le travail moderne du Coréen Joon Sun Bae a rapidement été présenté en lien avec cette thématique.

Cette conférence s’est avérée une suite logique à celle proposée par Florence Viguier la semaine dernière. Après avoir visité virtuellement le Musée Ingres de Montauban, il convenait d’enrichir la réflexion sur l’héritage de ce peintre incontournable du 19e siècle. Elle a duré environ une heure et une cinquantaine de personnes y assistaient.

Au Louvre, deux expositions temporaires ont attiré mon regard. D’abord, Abildgaard, 1743-1809 est consacrée au peintre Nicolaï Abildgaard, figure importante de la peinture nordique à la fin du XVIIe siècle. Si l’exposition permet de découvrir une figure artistique peu connue en dehors du Danemark, elle souligne également certaines faiblesses de cet artiste de la cour royale. Ainsi, La théologie, figure allégorique (c.1800) nous montre un visage féminin où les yeux louchent tandis que Richard III avant la bataille de Bosworth (1780-89) propose un raccourci de la cuisse droite bien maladroitement exécuté. Heureusement, des tableaux comme Philoctète blessé (1774-75) et sa pose torturée ou Cauchemar (c.1800) et son dialogue avec l’oeuvre de Füssli rattrapent l’ensemble.

Dans un tout autre ordre d’idée, le musée a proposé une sélection de dessins au compositeur Pierre Boulez qui en a choisi une vingtaine. Ce sont les notions du tout et de la partie, de la continuité et de la rupture et de l’oeuvre en suspens qui sont questionnées dans Pierre Boulez. Oeuvre: Fragment. Ce nouvel agencement des oeuvres de Kandinsky, Renoir, Degas et d’autres en fonction d’un oeil qui cherche l’inachevé permet une lecture enrichie et des comparaisons entre les artistes.

J’ai profité de ma visite au Musée du Louvre pour acheter mon billet pour la conférence Picasso Pastiche, selon Freud qu’y donnera Rosalind Krauss vendredi soir. Je vous tiendrai au courant. Le musée a également entrepris une vaste campagne de sensibilisation au processus de dation. Des panneaux informent les visiteurs de ce mode de paiement des impôts par transfert d’oeuvres d’art. Certains tableaux présents dans les collections du Louvre sont ainsi identifiés dans les différentes galeries, dont L’Astronome de Vermeer. 

Visite ensuite de Celtes et Scandinaves - Rencontres artistiques VIIe – XIIe siècle au Musée national du Moyen Âge. Un peu courte et à l’étroit, l’exposition propose surtout de suivre la lente  apparition des signes de la chrétienté dans les pays nordiques et celtiques. Un peu décevant. Lors de ma visite, la conservatrice du musée présentait leurs acquisitions récentes devant une foule bien attentive. Ne serait-ce pas là une excellente idée à importer dans nos propres musées?

Dans le cadre de l’exposition De Miro à Warhol. La collection Berardo à Paris, le Musée du Luxembourg propose plus de 70 oeuvres récemment acquises par un collectionneur privé pour doter le Portugal d’un fond important de pièces contemporaines. Comme à chaque visite au Luxembourg, je suis reparti à la fois heureux de ma visite, mais insatisfait de l’expérience vécue. Dans le cas présent, l’aspect disparate des oeuvres présentées empêche évidemment de tenir un discours unificateur. Certains artistes semblent figurer au générique par leur seule notoriété, comme la petite gouache de Picasso. La collection semble construite à partir de ce qui était disponible sur le marché, comme un who’s who du XXe siècle, sans réel désir de tenir un discours. Fait à signaler, on retrouve Abstraction (orange) de 1952 peinte par Jean-Paul Riopelle parmi les oeuvres choisies. La présence d’oeuvres portugaises par Lourdes Castro et Maria Helena s’est révélée une jolie découverte qui a piqué ma curiosité au sujet de l’art contemporain de ce pays. Pour en savoir plus, il est possible de visionner un extrait de la vidéo de l’exposition en ligne sur Great American Nude #52 par Tom Wesselmann, mais soyez prévenu que le narrateur parle très lentement.

[Devant le Musée national Eugène Delacroix]

Le coup de coeur de la journée est sans contredit l’exposition au Musée national Eugène Delacroix. Delacroix et la photographie retrace l’influence de l’apparition de ce nouveau médium dans la pratique du peintre. Plutôt que de se montrer rébarbatif à cette modification dans les façons de travailler, Delacroix a utilisé la photo pour réaliser des nus académiques, dont certains seront traduits en peinture. C’est ainsi qu’il a réalisé, avec Durrieu, deux séances avec des modèles pour réaliser un album d’une vingtaine de pages à partir duquel il créera de nombreux dessins et esquisses. Dans le cadre de cette exposition, toutes les photographies de cet album sont réunies, ainsi que des esquisses du peintre réalisées à partir de celles-ci. De plus, de nombreux portraits de Delacroix ont été tirés, parfois à son plus grand désarroi devant son air sévère. Un pur plaisir! 

[Eugène Delacroix, Lutte de Jacob avec l'Ange]

Une visite éclair à l’Église Saint-Sulpice m’a permis de me rafraîchir l’oeil avec la Lutte de Jacob avec l’Ange, peinte par Delacroix.

La journée s’est terminée au Centre Pompidou pour voir trois expositions temporaires. Le Futurisme à Paris, Une avant-garde explosive propose d’explorer les liens entre les Italiens et les Parisiens. Simple, claire et facile à comprendre, l’exposition s’avère une excellente mise en bouche pour les amateurs d’art qui ne seraient pas familiers avec ce mouvement artistique. Entre autres, il convient de signaler la mise en commun (partielle) des oeuvres présentes à l’exposition des Futuristes italiens à la galerie Bernheim-Jeune & Cie en 1912, la toujours plaisante une du Figaro du 20 février 1909 avec son Manifeste du Futurisme, la mise en valeur du vorticisme anglais et des oeuvres importantes du cubofuturisme russe. 

L’installation Champ de vision de Damián Ortega se consomme en un rien de temps, mais quelle expérience! L’artiste a placé des pastilles en plastique sur des filins allant en régressant vers le fond d’une grande salle. À son extrémité, un oculaire permet de découvrir une image insoupçonnée. Finalement, le designer Ron Arad propose des centaines d’objets aux lignes courbes qui surprennent par leurs formes non conventionnelles dans No discipline.

La suite prochainement.

* L’exposition Actions : comment s’approprier la ville au Centre canadien d’architecture (CCA) a fait parler d’elle sur ArtDaily.

* Radio-Canada propose un reportage visuel sur C’est arrivé près de chez vous. L’art actuel à Québec au Musée [...] du Québec. C’est aussi divertissant qu’une lecture des petites caractères d’un contrat d’assurances.

* Les films du Wakiponi mobile sont maintenant disponibles sur le site de l’ONF. Les oeuvres ont été créées par de jeunes autochtones dans un studio vidéo ambulant.

* Ces temps-ci, huit films québécois sont présentés à San Francisco. 

* Christine Saint-Pierre sera-t-elle de nouveau la Ministre de la Culture du Québec?

* La musique, instrument de torture.

* L’exposition Jeff Koons au Château de Versailles trouble certains partisans de la royauté française.

* Les chiffres pour les expositions de l’automne à Paris commencent à être publiés. Les moyennes sont bonnes pour Picasso, Emil Nolde (Expressionnisme allemand au Grand Palais), Van Dyck et Jeff Koons.

* Un reportage web de 8 minutes avec des entrevues exclusives sur Art Basel Miami qui s’est déroulée cette semaine. La crise financière s’est répercutée sur cette foire de l’art contemporain.

* Seriez-vous capables de perdre une sculpture de 38 tonnes? C’est pourtant l’exploit qu’a réalisé le musée Reina Sofia de Madrid en «égarant» une oeuvre monumentale de Richard Serra. L’artiste a consenti à fondre une nouvelle version de la sculpture. L’aspect le plus troublant de cette histoire: si l’oeuvre originale est retrouvée, elle sera détruite. Un bel exemple qui permet de questionner la notion d’authenticité d’une oeuvre…

* Une conférence de Flavie Durand-Ruel sur son arrière-grand-père Paul Durand-Ruel est disponible sur le site de Connaissances des Arts. Dans la même veine, on trouve un extrait d’une communication de Jean-Michel Leniaud sur la notion de patrimoine.

* ArtReview publie la liste des 100 personnalités artistiques les plus «puissantes» de 2008. Ô suspense, qui est le premier… La liste complète est disponible sur le site du magazine.

* Un petit rappel des promesses électorales des partis fédéraux en culture.

* Les artistes canadiens aimeraient bien garder la pression sur le gouvernement Harper concernant les coupures en culture, même si les élections sont maintenant passées.

* Dernière fin de semaine pour Passagers / Passengers [Québec], pour les intéressés.

* La Galerie Jean-Pierre Valentin [Montréal] propose une rétrospective d’oeuvres de Jean Dallaire qui sont conservées dans des collections privées. Jusqu’au 4 novembre. 

* La culture du kitsch: une exposition sur le karaoke est un succès à Toronto.

* La Régie du cinéma s’associe à la Cinémathèque québécoise pour la tenue de quatre événements: Johnnie To [rétrospective des films et exposition de photos (en collaboration avec le festival Fantasia, du 9 au 20 juillet],  Du praxinoscope au cellulo – un demi-siècle d’animation en France, Spécial Cinéma chinois & Rétrospective des oeuvres de Denis Côté.

* Verrons-nous un jour les conservateurs de musées du Québec faire les mannequins? Le désirons-nous réellement?

* Anthony Caro intègre ses oeuvres dans une église gothique française.

* Le Toronto Art Fair aurait souffert des conditions difficiles du marché actuel, selon l’économiste Don Thompson.

* Des dessins de Picasso saisis à la douane suisse, une gravure de Goya retrouvée par la police.

* L’exposition Sympathy for the Devil : Art et rock and roll depuis 1967 au Musée d’art contemporain de Montréal débute ce vendredi. Il s’agit du seul arrêt canadien d’une exposition déjà présentée au Museum of Comtemporary Art de Chicago. 

* Le Québec aura un studio d’artiste à Londres en 2009 selon une nouvelle entente entre le Conseil des arts et des lettres du Québec et le Arts Council England.

* Le Musée de la Civilisation de Québec lance Le Code perdu, un site ludique.

* Le Québec sera l’invité d’honneur au Salon des métiers d’art et de création de Paris en décembre.

* La construction au 2.22 Sainte-Catherine, à Montréal, débuterait en mai 2009.

* Le Musée [...] du Québec est hôte du colloque intitulé Musées : Horizons du XXIe siècle dans le cadre des 21e Entretiens Jacques-Cartier.

* Un artiste innu d’Iqaluit vend ses oeuvres sur eBay avec beaucoup de succès.

* Ryerson University, à Toronto, embauche un nouveau directeur pour sa galerie de photographies. 

* Qui eût cru que Pamela Anderson avait une collection d’art?

* Paris rend hommage à Picasso avec trois expositions simultanées au Musée du Louvre, au Grand Palais et au Musée d’Orsay. Les assurances sont élevées.

* Le David de Michel-Ange serait menacé par les touristes, selon l’International Institute for Conservation. L’organisation a aussi tenu une table ronde sur les dangers que représente le réchauffement climatique sur les collections muséales.

* Observez l’influence de la Guerre froide sur l’art grâce à un diaporama.

* L’art comme outil diplomatique: la Syrie a sa première exposition composée d’oeuvres prêtées.

* Les Sims + art contemporain = My Own Art Collection, une initiative anglaise pour inviter les gens à collectionner les oeuvres d’art contemporain.

L’exposition La Vraie Vie. Ron Mueck. Guy Ben-Ner possède un titre trompeur. En effet, si les œuvres des deux artistes semblent intimes, elles débordent du cadre personnel pour pénétrer dans la sphère collective en se présentant aux spectateurs d’une façon dénudée. Puisant dans leur vie immédiate – les filles des deux hommes ont servi d’inspiration et leur présence habite certaines réalisations de leur père – Mueck et Ben-Ner nous introduisent dans un quotidien transmuté. [détails sur l'exposition]  

La première salle est consacrée à Ron Mueck. La sélection de six sculptures proposées dans le cadre de cette exposition se concentre aux moments de passage que sont la vie et la mort. Bébés, vieillards et femme alitée sont les sujets traités. La technique de l’artiste consiste à rendre l’expression de ses personnages à l’aide d’un réalisme troublant. En opérant de cette façon, il devient possible de pénétrer leur psychologie au moment figuré.

Mieux connu pour ses sculptures réalistes surdimensionnées, Mueck réalise également des œuvres aux dimensions plus petites. Ce changement dans l’échelle de la représentation entraîne une modification dans la réception de ses personnages selon leur taille. Ainsi, les œuvres plus grandes créent de l’inquiétude, de l’étrangeté et du malaise. Le sculpteur, conscient de cet effet, utilise des techniques pour fausser le jeu et augmenter la gêne du spectateur. 

 
Figure 1.  Ron Mueck. Une fille. 2006. Musée des beaux-arts du Canada.

La sculpture Une Fille (2006) [fig. 1] illustre à merveille cette manipulation du sujet pour embarrasser le spectateur. L’œuvre représente une jeune fille naissante. Peau boursouflée et recouverte de placenta rouge, yeux mi-clos, corps étiré, cordon ombilical : tous les signes tendent à identifier un nouveau-né. Les détails réalistes sont reproduits à l’aide d’une technique experte : peau luisante à certains endroits, veines sous-cutanées visibles, cordon bleuté, chair qui tombe, cheveux qui s’assimilent au duvet de la naissance, etc.

Quiconque aura vu un enfant âgé de quelques minutes remarquera rapidement que cette jeune fille n’adopte pas une pose normale pour un nouveau-né. Ainsi, les bras sont allongés le long du corps alors qu’ils devraient se replier sur la poitrine ou vers le visage. Les mains sont refermées en poings bien solides. De plus, la tête est propulsée au bout du corps, le menton semblant tirer la petite personne vers l’avant.

Dans cette sculpture créée à partir de plusieurs images d’enfant – dont celles de sa fille – Mueck veut mettre l’accent sur l’aspect ingrat de la naissance. À ce réalisme, il adjoint un souffle psychologique. Le personnage possède une force de caractère qui s’affirme. Le monde appartiendra bientôt à cette jeune fille qui est prête à s’y avancer. 

 
Figure 2. Ron Mueck. Tête d’un bébé. 2003. Musée des beaux-arts du Canada.

Ce dualisme entre réalisme extérieur et psychologie s’exprime également dans Tête d’un bébé (2003) (fig. 2) créé à la même époque. La sculpture représente la tête d’un enfant. À son faciès, il pourrait s’agir du même bébé que celui de Une Fille. Si le premier exultait volonté de vivre et détermination, un sentiment menaçant se dégage de cette Tête. L’absence d’expression sur le visage joue avec notre inexpérience à décoder un minois de bébé de telle taille. Que signifient ces yeux mi-clos? En changeant l’échelle, Mueck transforme notre perception. L’enfant semble nous surveiller, tel un Big Brother en couches. En procédant ainsi, l’artiste réussit à souligner l’emprise psychologique qu’un nouveau-né exerce sur la maisonnée dans laquelle il arrive.

L’augmentation des dimensions des personnages fonctionne à son meilleur lorsqu’il s’agit de susciter un sentiment d’inquiétante étrangeté. Quand le sculpteur tente de créer chez le spectateur de la compassion, le changement d’échelle rend ce travail plus ardu. La sculpture Au lit (2005) illustre cette difficulté. Cette sculpture représente une femme alitée, au regard perdu dans ses pensées, les yeux rougis, la main droite délicatement posée sur le côté de son visage. Mueck a voulu matérialiser un sujet plein de mélancolie dans cette œuvre. Le désir d’apporter un soutien à cette femme est obstrué par sa dimension extraordinaire : qui possède les bras assez grands pour les passer autour des épaules de cette personne?

L’expression de la compassion et l’envie de réconforter sont grandement facilitées lorsque Mueck utilise des sculptures aux tailles réduites pour traduire ces sentiments. Ainsi, le visiteur est porté à caresser la Vieille Femme au lit (2000) [fig. 3]. Dans cette œuvre de petite dimension, le sujet est une vieille femme aux cheveux gris, alitée dans ce qui semble être un lit d’hôpital. La tête et les mains repliées sont les seules parties du personnage qui sont visibles. Bouche ouverte, traits creusés, mains veineuses : tous les signes indiquent une vieille femme s’échappant de sa douleur quotidienne dans un sommeil peu reposant. Sa position fœtale vient accentuer le sentiment de repli sur soi associé à une grande souffrance. Ici, la petite taille du personnage invite le spectateur à tendre la main pour apporter du réconfort. 

 
Figure 3. Ron Mueck. Vieille femme au lit. 2000. Musée des beaux-arts du Canada.

Un sentiment similaire se dégage de Femme assise (1999) mais d’une façon moins prononcée. Représentant une vieille femme assise, les avant-bras posés sur les cuisses, l’œuvre de petite dimension invite le visiteur à se questionner sur l’histoire de ce personnage. Cette sculpture est surtout remarquable par sa technique réaliste, tout comme Mère et enfant (2001-2003). Dans cette dernière œuvre aux dimensions réduites, l’attention au détail est étonnante. La sculpture illustre une femme qui vient d’accoucher, son nouveau-né placé sur son ventre encore gonflé, le cordon ombilical reliant les deux êtres. La rudesse associée à l’enfantement est soulignée par la sueur se reflétant sur la lèvre supérieure de la mère et les jointures exsangues suite à l’effort. Le liquide amniotique s’écoule sur les côtés de la bedaine où l’enfant est posé. Ce dernier est luisant comme un ver. Le cordon ombilical plonge dans le vagin de la mère, comme un pendant anatomique de L’Origine du monde de Courbet. Ici, la sexualisation des organes génitaux féminins a fait place à la maternité dans son aspect le plus biologique. La psychologie des personnages est faiblement exprimée, si ce n’est dans la fatigue apparente de la mère. 

La sélection de six œuvres de Ron Mueck est trop peu importante pour se plonger en profondeur dans le corpus de cet artiste. Malgré tout, ses sculptures révèlent un talent qui transforme ses motifs au-delà de l’aspect dimensionnel évident. L’introduction de composantes psychologiques permet d’accentuer certaines caractéristiques intrinsèques aux dimensions choisies sans trop les souligner. Il s’agit d’un jeu en finesse qui se révèle après examen attentif d’œuvres traitant des limites de la vie que sont la naissance et de la mort.

Le travail de Guy Ben-Ner poursuit cette exploration d’un quotidien transmuté par l’art. Au fil d’installations vidéo et de quelques dessins, l’artiste d’origine israélienne détourne les codes domestiques. Il cherche ainsi à échapper au confinement de la vie familiale en utilisant un humour parodique et déjanté à la Buster Keaton.

Le visiteur est accueilli par Trousse pour maison dans un arbre (2005) [fig. 4], une installation vidéo accompagnée d’une immense sculpture représentant un arbre. Conçue pour la Biennale de Venise, cette œuvre détonne par rapport aux autres à cause de son côté léché. Tant la technique utilisée pour la vidéo que la sculpture possèdent un fini qui éloigne de la vraie vie, le thème de l’exposition. Malgré tout, ou peut-être à cause de cela, il s’agit d’une œuvre complète qui se comprend par elle-même, pour ne pas dire qu’elle est universelle. Un homme échoue sur une île déserte où se trouve un seul arbre. Utilisant les ressources fournies par son nouveau milieu, il recrée son environnement usuel: chaise, table, lit. À la fin, il coupe les liens l’unissant à son ancienne vie en donnant un second souffle à l’image de sa famille. Séparé de son passé, l’homme s’est doté d’un nouvel univers à l’aide des moyens mis à sa disposition.

 
Figure 4. Guy Ben-Ner. Trousse de cabane dans un arbre [image tirée de la vidéo]. 2005. Musée des beaux-arts du Canada.

Le quotidien transformé est nettement plus explicite dans Beauté volée (2007). Réalisé sur plusieurs années, ce film met en vedette la famille de l’artiste : son fils Amir, sa fille Elia et sa femme Nava. L’action se déroule dans la cuisine, la salle à coucher, le salon et les autres pièces de la résidence familiale. Seul hic : le décor est planté dans un magasin IKEA métamorphosé en espace personnel par la famille Ben-Ner, avec clientèle et vignettes de prix en prime. On assiste dès lors à une discussion sur l’origine de la propriété entre un père et son fils en pyjama dans un cadre artificiel duquel pendent des étiquettes rouges et dans lequel se promènent des clients au gros sac jaune. L’effet est réussi et il permet de mettre en évidence la différence entre les espaces privé et public ainsi que des arguments sur l’hypocrisie entourant la notion de bien personnel. Les enfants de l’artiste sont criants de vérité et de sincérité. Jamais ils ne sont représentés en train de briser la magie de l’illusion créée par leur père.

Amir et Elia demeurent très présents dans tous les films de Ben-Ner. Dans Garçon sauvage (2004) [fig. 5], Ben-Ner rend un hommage à L’Enfant Sauvage (1970) de François Truffaut dans lequel un docteur fait l’éducation d’un enfant-loup retrouvé dans la forêt. Ici, l’artiste transforme son fils en enfant-loup et lui fait dire « Maman » comme premier mot tout en multipliant les clins d’œil à Buster Keaton. Le tout se déroule dans une cuisine new-yorkaise dans laquelle il a construit une vallée en bois contre-plaqué recouvert de tapis vert et peuplé de lapins. 

 
Figure 5. Guy Ben-Ner. Garçon sauvage [image tirée de la vidéo]. 2004. Postmasters Gallery, New York.

Dans Île de Berkeley (1999) [fig. 6], Ben-Ner s’échoue sur une île déserte… dans sa cuisine. Constituée d’un tas de sable et d’un faux palmier, il joue au Robinson Crusoé entouré de son comptoir, de son réfrigérateur et de son eau de source prête à couler. Occasionnellement, sa fille pénètre dans le champ de la caméra. Cette irruption du quotidien dans l’univers de l’artiste fait le charme du film qui, autrement, dérape. On a ainsi droit au spectacle des fesses de Ben-Ner propulsant frénétiquement son bassin dans le sable de l’île dans un mouvement lubrique et un interminable boogie-woogie interprété par son pénis affublé d’une paire d’yeux. 

 
Figure 6. Guy Ben-Ner. Île de Berkeley [image tirée de la vidéo]. 1999. Postmasters Gallery, New York.

La famille semble avoir pris plaisir à travailler ensemble. Dans Je te le donnerais si je le pouvais mais je l’ai emprunté (2006), l’artiste prend position par rapport à l’art. Pour visionner la vidéo, le spectateur doit s’asseoir sur un vélo stationnaire et faire aller ses mollets. Le film se met dès lors en marche, au rythme des coups de pédale. Il est donc possible d’accélérer, de ralentir ou de reculer son visionnement. L’action se déroule dans un musée dans lequel sont placées plusieurs œuvres à thématique cycliste. On trouve Tête de taureau (1942) de Picasso, composé d’une selle en cuir et d’un guidon de métal ainsi que Roue de bicyclette (1913) de Duchamp. Aidé par ses enfants et un gardien de musée endormi, Ben-Ner recrée un vélo complet à partir de ses pièces et va faire une promenade dans la campagne.

Je te le donnerais révèle le faux quotidien qui prend une emprise de plus en plus importante dans ses œuvres. Au début, l’artiste semble avoir travaillé seul. Lorsque ses enfants pénètrent dans ses films, il s’agit d’un événement non planifié mais prévisible, comme dans Île de Berkeley. Au fil des ans, les histoires sont devenues plus construites et plus élaborées, intégrant volontairement sa famille. Les limites entre le public et le privé s’estompent. 

 
Figure 7. Guy Ben-Ner. Elia – L’histoire d’une petite autruche [image tirée de la vidéo]. 2003. 21C Museum Foundation, Louisville, Kentucky.

Cet aspect de l’œuvre de Ben-Ner est encore plus évident dans Elia – L’histoire d’une petite autruche (2003) [fig. 7]. Dans ce faux documentaire, la famille costumée en autruche parcourt un parc de Brooklyn selon les normes du film animalier. Avec une narration qui crée de l’anthropomorphisme pour des humains déguisés en animaux, l’œuvre soulève les questions inhérentes à la limite entre la fiction et la réalité, entre le réel et l’apparence du réel. Puisque les pattes des autruches ressemblent à des jambes humaines à l’envers, le film a été entièrement filmé à reculons pour donner l’impression que les grands oiseaux avançaient. Hautement chorégraphié, ce film s’éloigne donc de La Vraie Vie et du quotidien.

En conclusion, tant les œuvres de Ron Mueck que celles de Guy Ben-Ner traitent d’aspects du quotidien modifiés par la vision de l’artiste. Le premier s’intéresse aux limites de la vie qu’il insuffle de caractéristiques psychologiques qui vont au-delà de la représentation réaliste des personnages. Le second a intégré sa pratique artistique dans sa vie familiale, créant du même coup une famille d’artistes qui est maintenant partie prenante de ses œuvres. Dans les deux cas, les visiteurs à la recherche de la vraie vie ne devraient pas se laisser tromper par ce titre faussement réducteur; ils ont plus de chance de croiser le quotidien dans un centre commercial qu’à l’Espace Shawinigan. 

Informations pratiques:
* L’exposition se déroule à l’Espace Shawinigan de la Cité de l’Énergie. Elle est organisée par le Musée des beaux-arts du Canada. [localisation sur Google Maps]
* Horaire
21 juin – 1 septembre tous les jours : 10h à 18h
2 septembre – 28 septembre du mardi au dimanche : 10h à 17h
* Tarifs 
Adultes : 15$
Ainés (65 ans et +) : 14$
Étudiants (13 ans et plus) : 13$
Enfants (6 à 12 ans) : 8$
Enfants (5 ans et -) : Gratuit
Amis du Musée des beaux-arts : Gratuit
Familles (max. 2 adultes + 2 enfants) : 30$ 

Informations sur les photographies:
1. Mueck, Ron. Une fille. 2006. Technique mixte. 111 x 135 x 501 cm. Musée des beaux-arts du Canada (photo tirée de Wikipedia, mai 2008, Ron Mueck, [en ligne], <http://en.wikipedia.org/wiki/Ron_Mueck>, (page consultée le 3 août 2008)).

2. Mueck, Ron. Tête d’un bébé. 2003. Technique mixte. 254 x 219 x 238 cm. Musée des beaux-arts du Canada (photo tirée de Cybermuse, 2008, Ron Mueck – Tête d’un bébé, [en ligne], < http://gallery.ca/cybermuse/search/artwork_f.jsp?mkey=101010>, (page consultée le 3 août 2008)).

3. Mueck, Ron. Vieille femme au lit. 2000. Technique mixte. 24 x 95 x 56 cm. Musée des beaux-arts du Canada (photo tirée de Cybermuse, 2008, Ron Mueck – Sans titre (Vieille femme au lit), [en ligne], <http://gallery.ca/cybermuse/search/artwork_f.jsp?mkey=96877>, (page consultée le 3 août 2008)).

4. Ben-Ner, Guy. Trousse de cabane dans un arbre. 2005. Projection vidéo à canal unique (10 min), construction en bois, matelas avec couverture sérigraphiée. Dimensions variables. Musée des beaux-arts du Canada (photo tirée de The Center for Contemporary Art (Tel Aviv), Treehouse Kit 2005 Visuals – Video Still 1, [en ligne], < http://www.cca.org.il/guy-ben-ner/>, (page consultée le 3 août 2008)).

5. Ben-Ner, Guy. Garçon sauvage. 2004. Projection vidéo à canal unique (17 min), bois, tapis. Dimensions variables. Postmasters Gallery (New York) (photo tirée de The Center for Contemporary Art (Tel Aviv), Earlier Works – Wild Boy 2004, [en ligne], < http://www.cca.org.il/guy-ben-ner/>, (page consultée le 3 août 2008)).

6. Ben-Ner, Guy. Île de Berkeley. Vidéo à canal unique sur moniteur (22 min 30 s). Postmasters Gallery (New York) (photo tirée de The Center for Contemporary Art (Tel Aviv), Earlier Works – Berkeleys Island 1999, [en ligne], < http://www.cca.org.il/guy-ben-ner/>, (page consultée le 3 août 2008)).

7. Ben-Ner, Guy. Elia – L’histoire d’une petite autruche. Projection vidéo à canal unique (22 min 30 s), technique mixte. Dimensions variables. 21C Mueum Foundation, Louisville (Kentucky) (photo tirée de The Center for Contemporary Art (Tel Aviv), Earlier Works – Elia 2003, [en ligne], < http://www.cca.org.il/guy-ben-ner/>, (page consultée le 3 août 2008)).

Pour en savoir plus:
* Jérôme Delgado. « Exposition – Réalités et autres films ». Le Devoir, 27 juin 2008, http://www.ledevoir.com/2008/06/27/195508.html

* Jonathan Shaughnessy.  Real Life – La Vraie Vie : Guy Ben-Ner, Ron Mueck. Catalogue d’exposition (Shawinigan, Espace Shawinigan, 21 juin – 28 septembre 2008). Ottawa, Musée des beaux-arts du Canada, 2008, 26 p.

Un voyage tridimensionnel au coeur de l’oeuvre-phare de Picasso, Guernica. Si l’iconographie de l’oeuvre est rendue avec fidélité, la réflexion de Picasso sur les aspects formels de la peinture sont annihilés. Exit l’utilisation du dessin, la ressemblance de la méthode avec le collage et les aplats.

Malgré tout, il s’agit de quelques minutes de bonheur.

[Merci à Nicolas pour le lien]

Je suis arrêté au Musée d’art moderne du Centre Georges-Pompidou. Dans le grand espace, un moulin à prière surdimensionné accueille les visiteurs. Normalement, un moine boudhiste fait tourner un tel objet – aux dimensions plus réduites! – en récitant une prière. Ici, la projection de l’objet à une autre échelle met en lumière les dangers de la religion et de la politique, l’un étant lié à l’autre.

[Ehi Ehi Sina Sina, Huang Yong Ping, 2006; Photo: Marc Gauthier]

Parmi les expositions temporaires se retrouve la première rétrospective consacrée à Louise Bourgeois. Ce fut pour moi une découverte. L’artiste propose une vision très personnelle au fil des deux cents oeuvres exposées. Née en 1911, vivant à New York depuis 1938, on sent une certain malaise quant à l’appartenance de cette artiste à la France. Ayant quitté le pays depuis 70 ans, est-ce toujours une artiste française? Comme le dit le programme en faisant une comparaison avec Marcel Duchamp, elle serait une «American artist born in France». Outre ces considérations géographiques, l’exposition m’a donné l’impression de pénétrer dans la tête de Louise Bourgeois. En fait, lorsque j’y pense, ce n’est pas tant dans sa tête qu’on pénètre que dans cet espace des pulsions secrètes animées par les frustrations de l’enfance et les désirs refoulés. Proposées en plusieurs volets (Personnages, Lieux de mémoire, …), les sculptures, peintures, dessins, gravures ne sont pas toujours accessibles au premier coup d’oeil. Je me demande ce que l’histoire de l’art retiendra de sa production.

Dans la collection permanente, je tiens à vous présenter « Dynamisme d’une automobile» (1912-1913) de Luigi Russolo. Cette oeuvre est très représentative du Futurisme. Ce mouvement italien basé à Milan faisait – entre autres – l’apologie de la vitesse pour l’opposer au passé archaïque de l’Italie. En ce sens, les machines produisant la vitesse comme les voitures, les avions et les trains sont valorisées. Dans ce tableau, Russolo s’exprime par la couleur et les lignes de forces représentées selon la philosophie du flux développée par Henri Bergson.

[Dynamisme d'une voiture, Luigi Russolo, 1912-1913; Photo: Marc Gauthier]

Au fil des jours, d’autres lieux d’intérêt pour l’historien de l’art en moi ont été visités. Le grand magasin Le Bon Marché a fait l’objet d’un arrêt, et non seulement pour m’acheter un parapluie en ces jours pluvieux sur la capitale. Plutôt, j’en en profité pour visiter l’un des premiers lieux privés où des tableaux d’oeuvres d’art ont été exposés. C’est ainsi qu’au 19e siècle, certains peintres pouvaient exposer leurs toiles au dernier étage du grand magasin. La luminosité était vraiment bonne, ce qui m’a surpris. Je me demande à quoi ressemblait le lieu voilà 150 ans… Aujourd’hui, le dernier étage est occupé par des meubles.

[Le Bon Marché, Paris; Photo: Marc Gauthier]

Au musée d’Orsay, les grands peintres constituent toujours un plaisir pour les yeux. J’ai remarqué des détails que je n’avais jamais vus auparavant. Ainsi, le coin supérieur gauche de la toile «L’Église d’Auvers» de Van Gogh tourbillone en noir et bleu où le coup de pinceau est très visible. La petite histoire retiendra que ce tableau a été acquis grâce au concours de Paul Gachet et d’une donation anpnyme canadienne en 1951.

[L'Église d'Auvers, Vincent Van Gogh, début juin 1890; Photo: Marc Gauthier]

[L'Église d'Auvers (détail), Vincent Van Gogh, début juin 1890; Photo: Marc Gauthier]

Orsay propose deux dialogues entre des oeuvres du musée et des artistes contemporains. La première de ces correspondances que j’aie vue se fait entre «Vitrine – Rue de Sévigné» de Bertrand Lavier et «La Lecture» de Manet. Le motif proposé par Lavier exploite la touche de Manet d’une façon surprenante. On sent la parenté entre les deux oeuvres sans retrouver d’imitation. Coup de coeur.

[Vitrine - Rue de Sévigné, Bertrand Lavier, 2005; Photo de Marc Gauthier]

[La Lecture, Edouard Manet, vers 1865-1867; Photo: Marc Gauthier]

[La Lecture (détail), Edouard Manet, vers 1865-1867; Photo: Marc Gauthier]

L’autre dialogue se décline en composition multimédia. Sur les murs sont projetées des mots et des symboles, le tout en continuel mouvement et dans des couleurs changeantes. Ce jeu sur le mouvement, le temps et la couleur rappelle le travail sur la couleur et la touche Impressionniste. Il s’agit du dialogue entre Monet et Charles Sandison. Autre coup de coeur.

[Nymphéas bleus, Charles Sandison, 2007-2008; Photo: Marc Gauthier]

[Nymphéas bleus, Claude Monet, vers 1915-1920; Photo: Marc Gauthier]

Parmi les autres nouvelles, signalons ma déception de ne pas retrouver «L’Angélus» et «Les Glaneuses» de Jean-François Millet. Les deux oeuvres les plus connues du peintres étaient en prêt. Ce choix m’apparaît peu judicieux. C’est comme si j’achetais un sac devant contenir 100 bonbons et que je m’aperçois qu’il en manque deux; je suis repu mais pas satisfait…

Également, les grands tableaux de Courbet sont en restauration. Le travail s’effectue sous les yeux des visiteurs. Si les professionnels du musée doivent se sentir comme des animaux sous observation, il est toujours plaisant de voir ces mains expertes à l’oeuvre. «L’Atelier du peintre» de Courbet subissait au moins une vingtaine de retouches.

[L'atelier du peintre, Courbet; Photo: Marc Gauthier]

Un voyage à Paris est impossible pour un historien de l’art sans faire un arrêt au 7, rue des Grands Augustins dans le quartier Saint-Germain des Prés. À cette adresse se situe d’abord l’action de la nouvelle «Le chef-d’oeuvre inconnu» de Balzac. L’histoire que l’auteur raconte est celle d’un peintre qui présente son chef-d’oeuvre à des amis. Ces derniers sont ébahis par ce qu’ils voient: ils ne comprennent rien à la toile qui est sous leurs yeux.

Cette oeuvre littéraire a fait figure de prémonition: c’est également à cette adresse que Picasso s’installe dans les années 1930. Il y peindra une de ses toiles les plus connues et ayant créé sensation: Guernica.

Le Musée de la vie romantique de la ville de Paris propose «L’âge d’or du romantisme allemand – Aquarelles et dessins à l’époque de Goethe». Le lieu m’a plu, l’exposition m’a laissé un peu froid. Cependant, elle m,a permis de prendre conscience de mon ignorance à l’égard de l’art allemand et de ces artistes importants.

J’ai également assisté à ma première vente aux enchèresde l’Hôtel Drouot-Richelieu. Une expérience fortement enrichissante qui confirme mon intérêt pour la vie de l’objet d’art après sa création artistique.

Comme toujours, les expositions au Musée du Luxembourg sont courues par le Tout-Paris. Lors de ma visite, «Vlaminck – Un instinct fauve» était à l’affiche. Une réussite totale qui permet de voir de nombreux tableaux de l’artistes en un seul endroit. Un autre catalogue de musée acheter que je lirai à mon retour car Vlaminck est un artiste que j’ai croisé au fil de mes études mais que je ne connais pas beaucoup.

Un autre artiste que je ne connais pas beaucoup est Gustave Moreau. Ingénieux, il a consacré les dernières années de sa vie à mettre sur pied un musée dédié à son oeuvre. Ce fut donc une découverte de ses peintures mais surtout des nombreux dessins de cet artiste symboliste. Seul défaut du musée: de nombreux tableaux exposés sont des esquisses et non des toiles finies. Personnellement, j’aime bien ce type d’oeuvres qui permet de comprendre la méthode de travail d’un artiste.

[Intérieur du musée Gustave Moreau; Photo: Marc Gauthier]

[Dessin no. 1015 (détail), Gustave Moreau; Photo: Marc Gauthier]

À suivre…