Le Musée de l'informatique à Paris lors de ma visite en mai 2008. Photo personnelle.

Le Louvre pour tous a attiré mon attention sur un article publié sur lesoir.be, un site d’information belge.

Peut-être connaissez-vous le Musée de l’informatique à Paris? Il est localisé dans la Grande Arche du quartier de la Défense.

Je devrais plutôt écrire qu’il y était situé puisque, depuis le mois d’avril, l’organisation se retrouve sans locaux suite à un problème technique et à la volonté affirmée du Ministère de l’Écologie pour récupérer cet espace. C’est donc dire que les TRS-80 et Apple II se retrouvent entreposés quelque part dans la région parisienne.

Selon l’article, le directeur du musée, Philippe Nieuwbourg, aurait reçu des propositions concrètes en lien avec l’hébergement de son musée. Les statistiques de fréquentation du Musée seraient de 250 000 visiteurs annuellement. En ce sens, l’institution devrait demeurer dans une grande ville, toujours selon le directeur.

Or, monsieur Nieuwbourg affirme avoir trouvé des lieux intéressants à Bruxelles et à Montréal. La citation exacte est la suivante : « Montréal dispose également de lieux intéressants. » Je me demande quels seraient les lieux montréalais qui pourraient accueillir cette collection.

Spontanément, c’est le Centre des science de Montréal qui me vient à l’esprit. Son mandat éducatif et son public jeune pourraient l’intéresser à une collection dont une partie est tournée vers la technologie et les jeux vidéos. Par contre, il me semble que les collections permanentes sont déjà bien installées et je vois mal dans quels processus existants les objets pourraient s’insérer.

Moins probable, mais possible, serait le Musée des ondes Émile Berliner. Bien que l’institution soit principalement consacrée à la technologie audio, peut-être considèrent-ils un élargissement de leur mission vers la technologie en général dans le cadre de leur agrandissement? J’en doute, mais c’est toujours possible.

Finalement, la collection du Musée de l’informatique pourrait peut-être convenir à un lieu d’exposition comme le Centre d’exposition de Montréal. Le seul hic, c’est que ce lieu, qui présente Bodies, qui a exposé des artefacts du Titanic et qui s’est penché sur l’univers de Narnia, ne possède pas de collection permanente.

Quant à la fréquentation, je me questionne fortement sur la capacité d’attraction de ce type de collection par elle-même. Si l’achalandage est impressionnant, il me semble qu’une forte partie de la clientèle devait être composée de visiteurs de proximité, explorant la collection parce qu’ils se trouvent au sommet de la Grande Arche. Je ne crois pas que la majorité d’entre eux visitaient la Grande Arche pour explorer les collections du Musée.

C’est du moins l’expérience que j’ai faite de ce musée dont j’ignorais complètement l’existence au moment de ma visite panoramique au sommet de l’arche. Mon but recherché consistait plutôt à jeter un regard sur la longue perspective offerte par l’avenue des Champs-Élysées et sa vue sur l’Art de triomphe. J’ai visité la collection mi-amusé, mi-ennuyé, et les visiteurs n’étaient pas très nombreux. Sans universaliser mon cas particulier, il me semble évident que tout déménagement va affecter d’une façon considérable l’intérêt pour la collection.

Pourtant, ces objets font partie du patrimoine et de l’histoire. L’impact des technologies sur notre vie est indéniable, surtout depuis les années 1980. Les ordinateurs personnels ont changé la société et nous continuons encore à nous adapter à ces changements technologiques.

Ces objets sont gros et encombrants. Ils ne sont pas encore passés par le purgatoire du temps qui institue un regard distant. Ils ne sont que datés. On ne les voit pas encore avec un regard éloigné, comme on peut le faire avec les vieux téléphones, les vieilles radios et, depuis peu, les vieux téléviseurs.

Sommes-nous prêt à accueillir un musée de l’informatique ? Pour y faire quoi ? Si le regard esthétique sur les objets n’est pas encore possible, que nous reste-t-il ?

En dehors de la forme, il reste la fonction. Les vieux postes de radio nous paraissent aujourd’hui design et représentatifs d’une époque. Mais en plus, ils émettaient des émissions qui ont fait date. On n’a qu’à penser à l’adaptation du roman de H. G. Wells, La Guerre des mondes, que Orson Welles a réalisée, pour voir deux angles par lesquels ils peuvent devenir du patrimoine : matériel et immatériel. Or, La Guerre des mondes et les postes de radio font partie de deux stratégies de conservation différentes.

Je ne suis pas un expert sur la question de la conservation, mais je crois qu’un phénomène similaire se produit dans le cas des ordinateurs. Les programmes qui fonctionnaient sur ces machines sont très souvent évacués. En d’autres termes, la fonction est détachée de la forme. C’est un écueil qui ne semble pas évité par le Musée de l’informatique puisque s’il met aussi l’accent sur le jeu vidéo, ce sont plutôt les consoles que les jeux proprement dits qui font l’objet de la collection.

C’est la raison pour laquelle que je crois que le lieu le plus probable pour cette collection, le Centre des sciences de Montréal, ne me semble même pas crédible.

L’institution met l’accent sur l’interaction avec le participant dans sa démarche pédagogique. On touche, on bouge, on est fasciné et intéressé. Dans le cas du Musée de l’informatique, les objets sont inertes et ne fonctionnent pas. Il me semble que, tout au plus, le Centre pourrait désirer la collection pour l’utiliser, selon ses besoins, à des fins d’illustration.

Dès lors, vraiment, il doit exister d’autres lieux intéressants à Montréal pour monsieur Nieuwbourg. Je serais curieux de connaître lesquels.

Ne manquez pas de lire les commentaires puisque le directeur du Musée, Philippe Nieuwbourg, précise sa position.

Un nouvel article sur Numerama ne mentionne même pas Montréal. Est-ce significatif? [lire le nouveau billet]

* En grève ce matin? Les employés du Musée canadien des civilisations et du Musée canadien de la guerre devraient être avoir des panneaux revendicateurs dans les mains plutôt que des billets d’admission.

* Le Musée d’art contemporain de Montréal (MACM) réagit aux nombreuses critiques. Pour savoir ce dont je parle, laissez glisser vos yeux sur le menu de droite. La nouvelle directrice, Paulette Gagnon, annonce une consultation. Un peu bizarre puisque la critique principale venait, justement, du processus de nomination ayant placé la sus-dite Paulette Gagnon à la tête de l’institution. Elle s’est exprimée sur Cyberpresse.

* Les Journées de la culture 2009 débutent ce vendredi. Toutes les activités pour Québec sont énumérées dans ce document PDF.

* Les coupures du gouvernement conservateur dans les programmes d’aide à la musique spécialisée ne font pas des heureux. 

* Les coupures du gouvernement conservateur dans le dossier du Musée canadien du portrait met en furie le sénateur Jerry Grafstein. On passera outre son jugement sur la légitimité, émanant de la bouche d’une personnalité politique non élue.

* L’ancien leader du parti progressiste-conservateur du Manitoba a été nommé à la tête du Musée canadien des droits de la personne (Winnipeg). N’importe quoi.

* Pour tout savoir sur l’archéologie préventive. Je ne sais pas si Québec a un programme de ce type, mais il aurait été mis à profit par le passé.

* Les travaux de modification de l’Hôtel Lambert, en plein coeur de Paris, sont suspendus malgré l’autorisation du Ministère de la Culture de France. La Tribune de l’art parle beaucoup de ce dossier.

* Ça va mal dans l’aviation : Alitalia vendra sa collection d’oeuvres d’art le 8 décembre, dont des oeuvres de Lucio Fontana et Gino Severini. Estimation: environ 1M d’euros. [attention: le site d'Artclair est long à charger]

* Le New York Times déclare que le blockbuster muséal est chose du passé, ce que met en doute Modern Art Notes.

* On mise sur le tourisme culturel pour sortir Buffalo de sa torpeur.

* La maison de Frank Lloyd Wright popularisée par Ferris Bueller’s Day Off est mise sur une liste de propriétés menacées par le groupe de sauvegarde Landmarks Illinois.

[Nicolas Poussin, Hymen déguisé en femme durant une offrande à Priape (détail)]

* Un pénis en érection dans un tableau de Nicolas Poussin? C’est la découverte révélée par la restauratrice Regina Da Costa Pinto Dias Moreira tandis qu’elle travaillait sur Hymen déguisé en femme durant une offrande à Priape. Bon, il s’agit du phallus de Priape, le dieu de la fertilité, mais cela demeure inusité. On remarquera que l’organe n’apparaît pas sur le fichier proposé par Wikipedia car il aurait été dissimulé par des catholiques un brin conservateurs.

* Prêt important: La Laitière de Vermeer, conservée au Rijksmuseum (Amsterdam), est en visite au Met de New York.

* Le Musée du Louvre s’entend avec la fille de Friedrich Unger pour lui acheter trois tableaux vendus sous contrainte nazie.

* L’artiste canadien Brandon Vickerd fait s’écraser un satellite GPS dans le permafrost du Yukon [description du projet].

* Le designer Leo Obstbaum, responsable du dessin des médailles pour les JO de Vancouver 2010, décède à l’âge de 40 ans.

* Le Musée des beaux-arts du Canada propose une rétrospective de Thomas Nozkowski.

[source pour l'image: wikipedia]

* Les grands incendies qui font rage aux portes d’Athènes ont épargné les sites archéologiques, pour le moment.

* Faux certificats d’authenticité, faux livres, fausses histoires: les autorités allemandes démantèlent un important réseau écoulant 1000 fausses sculptures Giacometti.

* Interpol ouvre l’accès à sa base de données d’oeuvres volées. N’importe qui peut s’inscrire au service, mais il faut fournir votre numéro de passeport…!

* Le Whitney Museum of American Art coupe 4% de son personnel.

* Les musées britanniques mettent sur pied Culture Label, une mise en commun des produits dérivés de 60 institutions, pour se financer. 

* Les travaux de Gropius à Chicago sont souvent méconnus. La ville n’aidera en rien les historiens de l’architecture en démolissant ces immeubles.

* Le Musée Picasso de Paris est fermé pour rénovations. Réouverture prévue dans 2 ½ ans.

* La dérive commerciale du Château de Versailles, dénoncée par lelouvrepourtous.fr, suit son chemin dans la bureaucratie française.

* Sur un sujet similaire, un article du New York Times se questionne sur le lien entre les commanditaires et les musées.

* La galerie new-yorkaise Gagosian Gallery poursuit Lufthansa Cargo et Art Crating Inc. pour les dommages subis par Au Centre de Brice Marden. L’oeuvre aurait perdu des pans entiers de peinture lors d’un transport entre Moscou et New York.

* Le portrait de Michael Jackson réalisé par Andy Warhol aurait été vendu «des millions de dollars». Un autre portrait est maintenant en vente: l’oeuvre de 1990, peinte par Brett-Livingston Strong, est le seul portrait pour lequel le chanteur aurait posé.

* Le Prince Charles pourrait avoir usé de son influence dans sa défense de certains projets architecturaux.

* Christie’s abandonnerait son projet de fond d’investissement composé d’oeuvres d’art.

* Bodies… l’exposition a attiré les visiteurs cette fin de semaine à Québec. Rappelons que l’émission 20/20 du réseau ABC a présenté un reportage dévastateur sur l’exposition, disponible sur YouTube [partie 1;partie 2]. Suite à une enquête du système judiciaire de New York, la compagnie responsable de l’exposition a dû publier un avertissement déclarant qu’elle ne pouvait garantir que ces corps ne provenaient pas de prisonniers politiques. 

* Démantèlement industriel: Montréal, ville de ruines. À quand un A Tour of the Monuments of Passaic, N.J. Montréal ? [qu'est-ce que je veux dire?]

* Critique des expositions Rien de tout cela (version 2009) de Serge Murphy chez Optica, centre d’art contemporain et Projets récents sur Bagdad et Montréal de Michael Rakowitz à la SBC galerie d’art contemporain dans Le Devoir.

* Critique de l’exposition Particules de réalité chez DHC/ART Fondation pour l’art contemporain dans Le Devoir aussi.

* Description de l’exposition Gabor Szilasi au Musée de Joliette dans Cyberpresse.

* La langue des signes québécoise (LSQ) fait son entrée au Musée de la civilisation de Québec.

* De nombreux artistes du Bas-Saint-Laurent reçoivent une subvention du Conseil des arts et des lettres du Québec:

Dans le cadre du Fonds relève du Bas-Saint-Laurent pour les arts et les lettres, Martine Gignac reçoit 14 000 $ pour la réalisation d’un projet en arts médiatiques. Dans le domaine des arts visuels, Karine Courcy reçoit 9 000 $, Myriam de Lorimier 10 050 $, François Gamache 10 000 $, Caroline Jacques 8 500 $ et Myriam Tousignant 14 000 $. (source: CALQ)

* Bibliothèque et Archives nationales du Québec publie un guide pour aider les entreprises à gérer leurs archives.

* Biennale de Venise: le Pavillon du Canada devrait être rasé. C’est du moins la suggestion du Toronto Star. Il faut lire la colonne sur les Bad Vibes. Rappelons que c’est Mark Lewis qui défend l’honneur canadien.

[Nationalmuseum de Suède à Stockholm, vue intérieure. Photo: Erik Cornelius/Nationalmuseum]

* Le Musée national des beaux-arts de Suède (Nationalmuseum) pourraient fermer ses portes pendant 7 ans.

* Une nouvelle recherche universitaire jette un éclairage nouveau sur le pillage artistique de l’Ukraine durant la Seconde Guerre mondiale et ce n’est pas joli.

* Heureuse découverte: un Gainsborough est authentifié par un présentateur du Antiques Roadshow après sa vente aux enchères.

* R.I.P. : L’Hôtel Reichenbach, réalisé dans le style art déco, a été détruit à Paris.

* Réouverture de la Chapelle Pauline au Vatican, dans laquelle se trouvent deux fresques de Michel-Ange.

* Exposition controversée à Québec: Bodies… l’exposition ouvre ses portes dans l’ancien Espace 400e, maintenant géré par Parcs Canada. La controverse? Les corps présentés sont peut-être des victimes de torture dans les prisons chinoises. L’émission 20/20 du réseau ABC a présenté un reportage dévastateur sur l’exposition, disponible sur YouTube [partie 1; partie 2]. Suite à une enquête du système judiciaire de New York, la compagnie responsable de l’exposition a dû publier un avertissement déclarant qu’elle ne pouvait garantir que ces corps ne provenaient pas de prisonniers politiques… Bonne visite.

* Sur une note plus joyeuse, la Journée des musées montréalais s’est déroulée dimanche dernier. L’an passé, l’événement avait attiré plus de 135,000 visiteurs.

* C’est le moulin à rumeurs concernant la future direction du Musée d’art contemporain de Montréal.

* Le musée Hergé est ouvert depuis le 22 mai. Or, on en parle beaucoup dans la presse québécoise [Le Devoir, La Presse] cette semaine car de nombreux journalistes sont sur place. Au moins, la transparence est de mise chez Le Devoir qui signale que le voyage est payé par l’Office de promotion du tourisme Wallonie-Bruxelles et Air France. Si l’oeuvre du bédéiste est incontournable, la gestion de sa succession peut laisser songeur.

* Zoum-zoum: Le Centre canadien d’architecture (CCA) propose une exposition à l’occasion du centenaire du Futurisme, intitulée La vitesse et ses limites.

* Le Musée virtuel du Canada refond son site Internet.

* Le Musée canadien des droits de la Personne à Winnipeg a besoin de 45 millions de dollars supplémentaires pour sa construction. Le coût total de l’opération est passé de 265 M$ à 310 M$.

* L’art du Grand nord canadien, made in Taiwan.

* Pfiou! Le buste en bronze d’Ellen Ballon, qui a été volé la semaine dernière sur le campus de l’Université Dalhousie à Halifax, a été retrouvé. On craignait qu’il n’ait été fondu pour récupérer son métal.

* Parlant de la Nouvelle-Écosse, un couple de philanthropes originaires de cette province, Donald et Beth Sobey, ont versé 500,000$ au Musée des beaux-arts du Canada pour y financer la recherche.

* Le sculpteur canadien John Greer a reçu le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques de 2009, accompagné d’une bourse de 25,000$. Or, dès son retour à la maison, l’Agence du revenu canadienne lui a réclamé ce prix, lui qui doit plus de 60,000$ en impôts impayés depuis une commande du gouvernement de 100,000$. L’Agence refuse ses dépenses et ses déductions fiscales réalisées suite à des dons de sculpture.

* Pourquoi pas: le designer industriel Paul Smith propose des poubelles en forme de lapin pour contrer l’insalubrité dans les rues de Londres. L’objet a été créé dans le cadre de l’exposition Super Contemporary Commissions du Design Museum de la ville anglaise.

* L’architecte allemand Moritz Kock se trouvait à bord du vol AF 447 qui a disparu entre Rio et Paris. Il était allé consulter les associés d’Oscar Niemayer au sujet d’un parc aquatique projeté à Potsdam.

* Rindy Sam, la Coréenne qui a laissé une trace de rouge à lèvres sur la toile d’un blanc immaculé de Cy Twombly, a été condamnée à payer 18,400 euros d’amende, soit environ 28,000$CAN.

* Frank Gehry pourrait être déclassé par une firme du MidWest pour la construction d’un aréna dans la région de New York.

* C’est le début de la Biennale de Venise 2009, un événement incontournable en art contemporain. Artclair [Le Journal des Arts, L'Oeil] propose des capsules en direct sur son site Internet.

* Parlant de la Biennale, le Conseil des Arts du Canada y envoie une délégation de conservateurs de musées autochtones.

* Également à Venise, l’artiste Mike Bouchet a voulu que la banlieue américaine rencontre le Vieux-Continent en y faisant flotter une maison typique des États-Unis. Loi de Murphy à l’oeuvre… [via C-Monster]

Les visiteurs qui ne sont pas nécéssairement au fait de l’actualité muséale de Québec l’ignorent peut-être, mais Femmes artistes constitue la première exposition réellement montée par Esther Trépanier après le long règne de John R. Porter. Puisque les expositions se préparent des années à l’avance, la nouvelle directrice du Musée pilotait habilement les projets de son prédécesseur depuis son entrée en fonction, exception faite de cette exposition. Avec des moyens qui paraissent limités, en puisant dans les réserves du Musée, la directrice a réussi à tenir un discours cohérent sur un aspect méconnu de la production artistique du Québec. Que demander de plus à ce genre d’exposition?

Ne nous leurrons pas: le propos qui y est tenu ne résoudra pas la question sur la féminité dans l’art. Existe-t-il un art au féminin? Les femmes possèdent-elles une perspective qui leur serait propre et différente de leurs confrères masculins? Ne cherchez pas la réponse ici.

Plutôt, Esther Trépanier a bâti son propos autour de plusieurs axes, reflets de la condition sociale de ces artistes selon leur époque. Notons que la tenue d’exposition de ce type est tout à fait dans l’air du temps, le Musée national d’art moderne (Centre Pompidou à Paris) proposant un réaccrochage complet de sa collection permanente sous l’angle strictement féminin – un choix qui me semble farfelu, mais il faut bien amener des visiteurs dans les collections permanentes!

Femmes artistes s’ouvre sur des peintures délicates (faute d’un meilleur mot) qui accueillent le visiteur à l’extérieur des salles. Il s’agit d’un clin d’oeil au XIXe siècle et aux oeuvres intimes peintes par des femmes qui affirment peu leur statut professionnel, d’où le titre De la dilettante à la professionnelle.

[Augustine Bourasse, Torse masculin de dos, étude d'après le plâtre, entre 1897 et 1912, fusain et craie sur papier, 47,6x30,9 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

[Suzanne Duquet, Le Groupe, 1941, huile sur toile, 127x149,8 cm, collection Musée national des beaux-arts du Québec]

L’entrée en matière se produit réellement dans la première section de l’exposition, consacrée à la conquête des écoles d’artistes et des lieux d’exposition. On y retrouve les travaux habituels de tout jeune étudiant aux Beaux-Arts. Ce sont donc des nus académiques qui sont proposés dans La formation professionnelle et les groupements d’artistes. Si l’accès à l’École d’art de l’Art association of Montreal (futur Musée des beaux-arts de Montréal) se produit dès 1880, les admissions aux Écoles des beaux-arts de Montréal et de Québec constituent des points tournants dans le développement de leur statut professionnel.

En ce sens, on notera le Torse masculin de dos, étude d’après le plâtre d’Augustine Bourassa, réalisé entre 1897 et 1912. Surtout, on remarquera Le Groupe (1941) de Suzanne Duquet, avec ses personnages au regard alourdi et cette figure presque masculine de l’artiste.

[Marian Dale Scott, Crocus, 1938-39, huile sur toile, 71,7x51,4 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

Un des moments forts de l’exposition est constitué par le clin d’oeil auto-référentiel à L’exposition Femina, tenue dans les mêmes murs voilà un peu plus d’une soixantaine d’années. Cet événement est le premier à proposer uniquement des artistes de sexe féminin et qui reconnaît qu’il s’agit de femmes. Si celles-ci participaient aux expositions communes avec leurs collègues masculins, il s’agit d’un moment unique dans l’histoire artistique du Québec qui méritait d’être rappelé à notre souvenir.

Dans cette section qui regroupe des oeuvres présentées à Femina, on remarquera Crocus (1938-39) par Marian Dale Scott qui frappe par sa modernité. Aussi, l’histoire de Claire Fauteux ne peut manquer de toucher. Restée à Paris durant l’Occupation, elle est envoyée dans un camp d’internement allemand à Besançon. Là, elle se met à peindre des aquarelles représentant sa vie au quotidien. Merci à la directrice d’avoir sorti ces oeuvres des dépôts où elles dormaient depuis 1947. Signalons finalement un Saint Joseph tenant l’Enfant Jésus (1938) de Sylvia Daoust qui a attiré l’attention de nombreux visiteurs de l’exposition. Sa ligne moderne – à tout le moins pour un sujet conventionnel – et sa texture à la fois enlevée et maîtrisée fascinent.

Le reste de l’exposition suit les trois murs de la salle. La conquête de l’espace s’y déploie d’une façon remarquable, si on prend bien le temps de s’y arrêter. Si les femmes artistes sont d’abord confinées à l’espace privé, intime et familial, elles le quittent peu à peu pour dépeindre des sujets sociaux, puis jardins et paysages urbains pour finalement représenter la nature. Ce parcours est bien structuré autour des thèmes La figure humaine, L’espace urbain, L’espace naturel et L’espace intime.

[Helen Galloway McNicoll, À l'ombre de l'arbre, c.1910, huile sur toile, 100,4x82,6 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

Ainsi, l’exploration de la figure humaine suit l’évolution des tendances picturales. Si les premières femmes artistes représentées adoptent un impressionnisme évident (Helen Galloway McNicoll, À l’ombre de l’arbre, c.1910), l’évolution vers des couleurs plus audacieuses dans les années 1920 est clairement visible. Le visiteur peut voir ce traitement différent en un seul regard.

Son oeil sera d’ailleurs attiré par la maquette d’Anne Kahane, Maquette pour le «Monument au prisonnier politique» (1953), qui a été primée lors d’un concours international. Cette oeuvre se situe dans une «section des exclus», où prostituée, grévistes et pauvres peuplent les toiles.

Habilement, cette section sert de jonction entre la figure humaine et la conquête de l’espace. Comment ne pas mentionner les eaux-fortes de Simone Hudon dépeignant avec tout le pittoresque voulu les rues de Québec? Impossible également de passer sous silence Escalier de secours (1939) de Marian Dale Scott, représentant un escalier de triplex d’une façon géométrique incroyable, vu sous un angle à donner le torticolis à un acrobate, avec des couleurs à la fois exaltées et harmonieuses.

À une époque où la modernité au Canada passe par les travaux du Groupe des Sept, les femmes artistes ne peuvent faire comme leurs collègues masculins et partir dans les profondeurs des Laurentides pour peindre les beautés du paysage. Que faire, dès lors?

Le premier espace public représenté est une enfilade de parcs urbains, puisque ces lieux étaient accessibles aux femmes artistes. Ce sont donc ces scènes qui ont été peintes.

[Rita Mount, Percé, 1923, huile sur toile, 76,2 x 86,4 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

Aussi, la Compagnie des chemins de fer nationaux a offert à Anne Savage l’occasion de se balader dans l’Ouest, autour de la rivière Skeena, afin d’encourager les représentations de ce coin de pays peu connu. Plus près de chez nous, le Rocher Percé constitue un motif chez les artistes, comme des coins de Charlevoix.

[Rita Legendre, Espace, 1967, acrylique sur toile, 127x183 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

La dernière section est composée par L’abstraction, accompagnée des Femmes du Refus global. Si le saut dans la modernité se fait d’une façon un peu brutale dans le parcours de l’exposition, les oeuvres qui y sont présentes sont puissantes.

On remarquera un ensemble de photographies de Françoise Sullivan, peintre et danseuse, signataire du Refus global, dont une performance est immortalisée par dix-sept photographies prises par Maurice Perron. Il s’agit d’ailleurs du seul homme de l’exposition, comme quoi les divisions entre les sexes sont toujours difficiles à réaliser! L’exposition se termine par une juxtaposition des oeuvres de l’abstraction avec celles de l’académisme, vues dès le départ.

Malgré ce parcours presque sans faute, quelques bémols doivent être soulignés. D’abord, l’exposition reflète les choix de la directrice, avec les avantages et les inconvénients que cette approche possède.

Ainsi, on remarquera que la chronologie est fortement chamboulée pour satisfaire aux catégories créées pour regrouper les oeuvres. En conséquence, les mêmes artistes se retrouvent à plusieurs endroits dans la salle. C’est donc dire qu’une approche thématique a été privilégiée. Or, si cette façon de faire ne cause pas problème ici, il peut s’agir d’un jeu dangeureux qui pourrait détourner des oeuvres pour leur faire tenir un discours qu’elles n’avaient pas.

De plus, cette façon de procéder rend difficile le repérage des artistes. Où se situe Marian Dale Scott dans la production artistique québécoise, présente à la fois dans L’espace urbain et Abstraction? La même chose pourrait être dite à propos de Suzanne Duquet, Sylvia Daoust et Jeanne Rhéaume.

Dans le même sens, la différence entre les femmes artistes francophones et anglophones n’est pas évoquée dans l’exposition. Or, les Francophones devront attendre beaucoup plus longtemps que les Anglophones pour créer des oeuvres qui seront diffusées. L’importance des classes de l’Art Association of Montreal sous Brymner et du Beaver Hall dans le développement de la pratique des Anglophones ne m’apparaît pas assez soulignée. Un audioguide aurait peut-être été souhaitable en ce sens.

En bref, cette exposition possède les défauts de ses qualités. Avec la plus grande justesse, elle permet d’abord de souligner l’accès des femmes au métier de peintre au Québec (académisme, exposition Femina). Le regroupement par thématique est plus subjectif. S’il m’apparaît parfois risqué de faire dialoguer les oeuvres entre elles – car il est facile de créer des sens artificiels – le problème semble évité dans cette exposition. Les regroupements permettent de saisir une dynamique tournant autour de l’espace et de l’abstraction. En ce sens, l’exposition est un succès.

Femmes artistes mérite le coup d’oeil et vaut amplement, à elle seule, le coût d’admission au Musée. La directrice Esther Trépanier réussit le coup de dépoussiérer les riches collections de l’institution pour présenter un discours intéressant qui remet de l’avant des moments forts du passé artistique québécois. Selon moi, il s’agit là du premier mandat de notre musée national et il est rempli habilement par cette exposition.

- INFORMATIONS PRATIQUES - 

* L’exposition Femmes artistes. La conquête d’un espace, 1900-1965. Œuvres de la collection du Musée national des beaux-arts du Québec est présentée au Musée national des beaux-arts du Québec du 7 mai au 16 août 2009. [détails]

* Le coût général d’admission est de 15 dollars. Il existe des tarifs réduits. [détails]

* La conférence Les femmes et leur engagement dans l’art, 1900-1965 sera prononcée le mercredi 27 mai à 19h30 par Thérèse St-Gelais, professeure en histoire de l’art, Université du Québec à Montréal. [détails]

* Des films sur Mary Cassatt, Marcelle Ferron et Françoise Sullivan sont également présentés dans le cadre de l’expositon. [détails]

* Pour les familles, le Musée en herbe offre gratuitement aux enfants d’explorer La couleur et les fauves les après-midis de fin de semaine. [détails]

Je suis en vacances à Lisbonne et à Paris pour les prochains jours. Je vais continuer de tenir le blogue à jour, comme lors de mes déplacements précédents.

Retour à la normale: jeudi, le 14 mai 2009.

* «L’École du Louvre à Paris, cette grande école d’enseignement supérieur de l’histoire de l’art, a choisi pour ses étudiants le programme de doctorat «international» en muséologie, médiation, patrimoine, offert conjointement par l’UQAM et l’Université d’Avignon.» [détails]

* Le nouveau directeur du Musée des beaux-arts du Canada, Marc Meyer, envisage plein de projets pour l’institution, dont une biennale des acquisitions et une exposition d’art autochtone aux cinq ans.

* Oups! Le nouvel immeuble de l’Art Gallery of Ontario, dessiné par le Canadien Frank Gehry, souffre d’un problème de condensation. Les seaux se multiplient pour récupérer l’eau qui dégoutte. Une oeuvre de Giuseppe Penone est recouverte de plastique pour la protéger. L’architecte donne par ailleurs une entrevue au Los Angeles Times pour célébrer ses 80 ans.

[Louise Bourgeois, Spider. Source: Georges Jansoone, wikipedia.org]

* Louise Bourgeois sera intronisée au U.S. National Women’s Hall of Fame.

* Comment ne pas aimer: le Centre Pompidou propose une exposition sur le vide, avec des pièces sans objet et des murs blancs à offrir aux visiteurs. Évidemment, un mur a été tagué.

* 17 photos pour célébrer les 90 ans du Bauhaus.

* La vente Pierre Bergé / Yves Saint-Laurent a permis à Paris de faire figure sur le marché de l’art international.

* L’Opéra de New York propose deux murales peintes par Marc Chagall pour garantir un prêt.

* Des oeuvres prêtées aux fonctionnaires britanniques disparaissent.

* Trois statues d’Amenhotep III trouvées en Égypte.

* Les items de Ghandi qui étaient en vente aux enchères à New York auraient été achetés par un Indien soucieux de les rapatrier dans son pays.

* L’Origine du monde de Courbet jugée obscène au Portugal.

* Pendant ce temps, une vente d’art islamique chez Sotheby’s est annulée suite à des doutes quant à l’authenticité de l’objet-clé.

* Une rue de Dublin fortement crevassée par l’art. [vidéo]

* La mise aux enchères d’objets ayant appartenu à Ghandi provoque l’ire des Indiens.

* Le Louvre se lance dans le cinéma.

* La Tate Modern et la National Gallery s’entendent : l’année 1900 ne sera plus nécessairement une date frontière dans l’acquisition des oeuvres.

* Le sort de l’Hôtel de la Marine à Paris semble incertain.

* Venise vend-elle son âme à Coke?

* Pop art? Madonna expose ses vêtements.

* Damien Hirst, qui a vendu ses oeuvres près de 200 millions de dollars l’automne dernier, réclame 100 dollars d’un garçon de 16 ans pour viol de droits d’auteur. Certains narguent l’artiste.

* Déplacer 1500 Palestiniens pour réaliser des fouilles archéologiques.

* La réouverture du Musée national d’Irak serait compromise par la politique.

* Le Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ), la Conférence régionale des élus de Lanaudière (CRÉ) et le Forum jeunesse Lanaudière (FJL) annoncent une nouvelle entente totalisant 345 000 $, répartis sur trois ans, portant sur la valorisation et le renforcement de la jeune relève artistique professionnelle de la région de Lanaudière. [détails]

L’Office national du film du Canada continue son entrée dans le monde numérique en rendant disponibles sur Internet de nombreux films d’archives.

Ainsi, on retrouve Canadiens errants, un documentaire de 1956 qui dure environ trente minutes et qui dresse le portrait de Canadiens expatriés à Londres ou à Paris.

Le journaliste Gérard Pelletier réalise un entretien avec le peintre Jean-Paul Riopelle, resplendissant, alors qu’il assiste au vernissage de sa première exposition londonienne. Dans le cadre de cet entretien enregistré à la Galerie Gimpel, l’artiste s’exprime sur l’attrait de Paris et sur la manière dont le succès surgit dans la capitale française.

Dans le même document, le chansonnier Raymond Lévesque interprète en primeur un extrait de «Quand les hommes vivront d’amour». Parmi les autres personnes faisant des confidences, on retrouve le romancier Eugène Cloutier, le diplomate Claude Lussier, le libraire et peintre Jean Lefebvre, le journaliste Raymond Grenier et son épouse ainsi que Rooney Pelletier de la BBC. 

Cet entretien est disponible sur le site de l’ONF. L’entrevue avec Riopelle débute vers la septième minute.

Je suis présentement à Paris pour attraper les derniers soubresauts des expositions automnales avant le changement de programmation dans les musées. Il fait un froid québécois dans la capitale française, avec un maximum de -10 degrés Celsius… Brrr!

Mon programme des prochains jours est plutôt chargé: 

• Le Futurisme à Paris, une avant-garde explosive à Pompidou 
• L’avant-garde russe dans la collection Costakis au musée Maillol
• Monet, l’oeil impressionniste au musée Marmottan Monet
• Les portraits par Van Dyck au musée Jacquemart-André
• La collection Berardo au Musée du Luxembourg
• Les expositions temporaires d’Orsay
• Les expositions temporaires du Louvre
• Autour du Serment du Jeu de Paume de David à Versailles
• Bonaparte et l’Égypte à l’Institut du monde arabe
• Emil Nolde au Grand Palais
• Les rencontres celtes et scandinaves proposées au Musée du Moyen Âge
• Les expositions sur Pollock et Rouault à la Pinacothèque

Puisque je suis de retour mardi prochain, je crois que ma fin de semaine sera bien occupée…  Seule déception: je ne pourrai pas voir Picasso et les maîtres au Grand Palais car tous les billets ont été vendus, sauf pour la nuit. Il serait toujours possible d’en acheter un à 40 euros sur ebay, mais bon…

[Engène Delacroix, Femmes d'Alger dans leur appartement, Paris, Musée du Louvre. (c) RMN / Thierry Le Mage]

[Pablo Picasso, Les Femmes d'Alger (version O), Libby Howie. (c) Succession Picasso 2008]

Le dialogue entretenu par Picasso avec Femmes d’Alger dans leur appartement de Delacroix est présentement mis en valeur au Louvre. Le peintre catalan s’est inspiré de Delacroix au tournant de 1955 et une quinzaine de ses oeuvres sont proposées. Une exposition modeste dans son ampleur, très fréquentée, mais qui ouvre le débat sur l’originalité, la création, la copie et l’inspiration.

La suite prochainement.

[L'exposition Picasso-Delacroix est présentée au premier étage de l'aile Denon, dans la salle 76 qui fait la liaison entre la Joconde et les grandes peintures françaises]

* L’exposition Actions : comment s’approprier la ville au Centre canadien d’architecture (CCA) a fait parler d’elle sur ArtDaily.

* Radio-Canada propose un reportage visuel sur C’est arrivé près de chez vous. L’art actuel à Québec au Musée [...] du Québec. C’est aussi divertissant qu’une lecture des petites caractères d’un contrat d’assurances.

* Les films du Wakiponi mobile sont maintenant disponibles sur le site de l’ONF. Les oeuvres ont été créées par de jeunes autochtones dans un studio vidéo ambulant.

* Ces temps-ci, huit films québécois sont présentés à San Francisco. 

* Christine Saint-Pierre sera-t-elle de nouveau la Ministre de la Culture du Québec?

* La musique, instrument de torture.

* L’exposition Jeff Koons au Château de Versailles trouble certains partisans de la royauté française.

* Les chiffres pour les expositions de l’automne à Paris commencent à être publiés. Les moyennes sont bonnes pour Picasso, Emil Nolde (Expressionnisme allemand au Grand Palais), Van Dyck et Jeff Koons.

* Un reportage web de 8 minutes avec des entrevues exclusives sur Art Basel Miami qui s’est déroulée cette semaine. La crise financière s’est répercutée sur cette foire de l’art contemporain.

* Seriez-vous capables de perdre une sculpture de 38 tonnes? C’est pourtant l’exploit qu’a réalisé le musée Reina Sofia de Madrid en «égarant» une oeuvre monumentale de Richard Serra. L’artiste a consenti à fondre une nouvelle version de la sculpture. L’aspect le plus troublant de cette histoire: si l’oeuvre originale est retrouvée, elle sera détruite. Un bel exemple qui permet de questionner la notion d’authenticité d’une oeuvre…

* Une conférence de Flavie Durand-Ruel sur son arrière-grand-père Paul Durand-Ruel est disponible sur le site de Connaissances des Arts. Dans la même veine, on trouve un extrait d’une communication de Jean-Michel Leniaud sur la notion de patrimoine.

Le Musée acadien de l’Université de Moncton va dévoiler vendredi, le 24 octobre 2008 à 11h30, le tableau La Présentation de Jésus au temple, du peintre français Louis de Boullogne Le Jeune. L’oeuvre, peinte en 1688, vient d’être restaurée.

Selon toutes probabilités, il s’agit d’un tableau du Fonds Desjardins. Rappelons qu’en 1816, l’abbé Desjardins avait expédié de Paris à Québec une collection de près de 200 tableaux qui devaient servir à meubler les églises de la province (Morisset, Coup d’oeil sur les arts en Nouvelle-France, Québec, 1941). 

Le tableau rejoindra la collection permanente du Musée après ce dévoilement. Si vous habitez près de Moncton ou que vous prévoyez y passer, ne manquez pas d’y faire un arrêt!

Pour en savoir plus:

* Le site du Musée acadien de l’Université de Moncton
* Une entrevue accordée par Bernard LeBlanc, directeur du Musée, à Radio-Canada

Je propose un extrait du rapport de 23 pages que j’ai obtenu auprès de Bernard Leblanc, conservateur du Musée. La lecture du document en entier est fascinante.

L’objet est un tableau religieux qui ornait autrefois le sanctuaire de l’église de Grande-Digue [1], un village acadien dans le sud-est du Nouveau-Brunswick. Cette grande toile, dont le sujet est la Présentation de Jésus au temple [2], avait été donnée au Musée acadien en 1969, suite à la réforme liturgique promulguée par le Concile Vatican II. Il n’y avait pas de signature visible sur la toile, alors il était présumé qu’il s’agissait d’une copie d’un grand maître quelconque, comme c’était le cas de la plupart des tableaux dans les églises en Acadie. Faute d’espace, la toile fut remisée dans l’entrepôt du musée où elle demeura depuis, sauf pour une brève période de temps lors d’une exposition sur les objets religieux du musée en 1986.

Plus récemment, soit à l’automne 2006, le tableau fut préparé pour des travaux de restauration suite à une entente avec la Société historique de Grande-Digue qui désirait emprunter la toile sur une base à long terme afin de l’exposer à nouveau dans leur église. La restauration fut confiée à Monsieur Adam Karpowicz, restaurateur à la Owens Art Gallery de l’Université Mount Allison à Sackville, Nouveau-Brunswick. [3]

[Signature «L. Boulogne J.f.» qui se trouvait cachée par le cadre. On y voit la date originale de 1688 avec une deuxième date «1788» en noir, ajoutée au-dessus de la première. Les taches rouges sont des endroits abîmés du tableau qui laissent voir la couche de base de la toile. Photo: Edgar Léger, 2006]

À notre grande surprise, lorsque la toile fut enlevée de son cadre, une signature a été mise à jour, soit « L. Boulogne. J. f. » (Louis Boulogne le Jeune fecit). Cet obscurcissement de la signature était dû à une ancienne modification du tableau lorsqu’il avait été installé dans un cadre plus court que l’oeuvre originale. La toile même mesure 312 cm x 210 cm [4] tandis que le cadre, dans ses dimensions intérieures, mesure 256 cm x 207 cm [5]. Ainsi, une partie du haut et une partie du bas de la toile avaient été repliées en arrière du faux cadre de sorte que le nouveau cadre recouvrait la signature de l’artiste.

Cette découverte semblait donc confirmer un lien avec cet artiste français qui nous avait été récemment signalé par un admirateur du tableau, Monsieur Jean Gould, de Montréal. Celui-ci nous présenta de l’information sur le tableau La Présentation au Temple qui est conservé au musée du Louvre, œuvre de Louis Boulogne (Boullogne, de Boullogne, Boulongne) le jeune, datée 1715 (voir Fig. 6). Quoique la composition n’est pas la même dans ces deux tableaux, il y a plusieurs détails qui sont très semblables – ce qui nous laissait donc croire que le tableau de Grande-Digue était une copie de celui du Louvre.  

Bien que difficile à discerner, une date avait toujours demeurée visible ou partiellement visible au verso de l’œuvre encadrée, soit « 1788 ». Cependant, en examinant la toile pour la première fois, M. Karpowicz s’est rendu compte que l’œuvre était très ancienne et, selon son avis, elle datait au moins du début du 18e siècle et peut-être même de la fin du 17e. En effet, une découverte surprenante a été faite lors du nettoyage de la toile par le restaurateur : dessous des couches successives de peinture, vernis et poussière, une autre date fut mise à jour, soit « 1688 ».

Les deux premiers chiffres et une partie des deux derniers chiffres de la date 1688 avaient été peints par-dessus lors d’une ancienne restauration, de sorte que seulement une partie du « 88 » était à peine visible. En toute probabilité, cette dernière date aurait été ajoutée plus tard, lorsque quelqu’un a voulu mettre de nouveau en évidence l’âge du tableau, en y inscrivant « 1788 » croyant qu’il s’agissait de la date originale. 

Selon M. Karpowicz, il semble qu’il y eut au moins trois anciennes restaurations du tableau. C’est lors de la première restauration qu’une couche de peinture fut appliquée par-dessus les deux premiers chiffres et partiellement par-dessus les deux derniers de la date originale. À la deuxième restauration, une autre couche de peinture a complètement recouvert la date originale et, semble-t-il, ce fut à ce moment que la date « 1788 » fut ajoutée. La troisième restauration comprit la réduction de la grandeur originale de la toile pour accommoder le cadre actuel. 

On peut établir la période de temps dans laquelle la deuxième date aurait été ajoutée, soit entre 1788 et 1821. La nouvelle date fut ajoutée évidemment après 1788 mais avant l’installation de la toile dans son cadre actuel puisque cet encadrement ne permettait pas de voir cette date. En se basant sur les copies du tableau par Jean-Baptiste Roy-Audy, faits en 1821, 1822 et 1826 (voir fig. 12), le cadre actuel semble avoir été présent sur le tableau à cette époque. Dans ces copies, le bas du tableau s’arrête au même endroit que la toile originale dans son cadre raccourci [6].

Avec la découverte de la signature et de l’ancienne date – date qui précède celle du tableau de 1715, conservé au Louvre – nous avons entrepris une recherche sur Internet, ainsi que par correspondance. Selon l’opinion des experts consultés, la toile de Grande-Digue serait, effectivement, une œuvre originale de Louis Boulogne le jeune, datée 1688.

[Louis Boulogne le jeune, La Présentation au Temple, 1715, Collection du Musée du Louvre. Ce tableau se trouvait originalement dans la cathédrale Notre-Dame de Paris et fut acquis par le Musée du Louvre en 1862]

Une comparaison entre les tableaux de 1715 et de 1688 nous révèle des similarités, notamment la pose du grand prêtre avec son bras droit allongé. Il y a aussi de nombreuses différences, en particulier l’habit du grand prêtre et la position des bras de la Vierge. De plus, la Vierge se trouve agenouillée dessous le bras allongé du grand prêtre dans le tableau de 1715 tandis qu’elle se trouve de l’autre côté du prêtre dans celui de 1688.

Nous avons pris connaissance d’au moins sept copies de la Présentation de Jésus au Temple d’après Louis Boulogne le jeune. Deux sont en France, soit le tableau dans l’église Saint-Barthélemy à Cahors et le tableau dans l’église du château La Chapelle-Bouëxic en Bretagne. Les cinq autres se trouvent ou se trouvaient au Québec. Trois de ces dernières sont des oeuvres du copiste québécois, Jean-Baptiste Roy-Audy, exécutées en 1821, 1822 et 1826; une autre est de Théophile Hamel, réalisée en 1861 et une se trouvait dans l’église de Pointe-aux-Trembles, Québec.

[Gauche: Sainte-Anne-de-Varennes, 1821; Centre: Saint-Antoine, Longueuil, 1822; Droite: Ursuline, Québec. Les informations sur les photographies de gauche et de droite ont été fournies par Jean Gould.]

Il est intéressant à noter que les copies de Roy-Audy sont d’après l’œuvre de 1688 et non celle de 1715 – ce qui nous montre que l’œuvre originale était présente à Québec en 1821. Dans ces trois copies, le bas de la toile finit exactement au même endroit que le tableau original dans son cadre actuel. Ceci semble indiquer que l’oeuvre originale était dans son cadre actuel à l’époque. Toutefois, dans la copie A, le personnage assis à la gauche est positionné plus haut que dans l’œuvre originale de sorte que son pied est visible et dans la copie B, ce même personnage est déplacé plus à la gauche que dans l’œuvre originale. Évidemment, Roy-Audy a pu voir l’œuvre originale dans sa pleine grandeur en 1820 ou 1821. 

Quant à la provenance originale du tableau, il sera peut-être impossible de savoir qui en était le premier propriétaire. Sa date de 1688 semblait nous offrir un indice intéressant puisqu’elle coïncide avec une commande royale de 13 tableaux faite auprès des frères Boulogne, soit Louis le jeune et Bon, en 1687 et 1688. Ces œuvres étaient destinées pour le palais de Versailles – plus précisément, la chapelle du château et le Grand Trianon – ainsi que pour l’église avoisinante de Saint-Cyr. Cependant, le montant payé à ces deux artistes pour lesdits tableaux était 3 950 livres – une somme qui correspond plutôt à des tableaux de petite taille. Ceci semble donc exclure la possibilité que notre tableau faisait partie de cette commande royale de 1687-1688 [7].  

Toutefois, M. André Maral, conservateur au Musée national du château de Versailles, nous a fait part d’un document intéressant (par l’entremise de M. Stéphane Loire) qui nous donne une autre piste sur l’origine du tableau. « Il s’agit d’un document établi en 1790-1794 et publié par Alexandre Tuetey (« Procès-verbaux de la commission des monuments, 1790-1794″, Nouvelles Archives de l’Art français, XVII, 1901 (1902), p. 330), à propos de peintures provenant du couvent des Ursulines de Saint-Denis, près de Paris. On y trouve en effet mentionnés « six grands tableaux, peints par Boulogne, de 9 pieds 1/2 de hauteur sur 6 pieds 1/2 à 7 de largeur… représentant Le 1er, la Visitation (…) Le 5e, la Présentation au Temple… » »[8] 

Dans les anciennes mesures françaises de l’époque (1 pied-du-roi = 32,484 cm), les dimensions de notre tableau de Boulogne mesurent approximativement 9 pieds 7½ pouces x 6 pieds 5 pouces (312 cm x 210 cm) [9] – ce qui est très proche au 9 ½ pieds x 6 ½ pieds des tableaux du couvent des Ursulines. De plus, l’orientation verticale du tableau correspond aussi à celle de ces six tableaux. Ainsi, il est bien possible que notre tableau fût originalement la propriété du couvent des Ursulines de Saint-Denis.

M. Loire a aussi souligné que « l’on ne sait ce que seraient devenues les autres (tableaux) mentionnés dans cette liste, et il est surprenant qu’il semble n’en exister aucune trace dans la littérature sur Louis II de Boullogne. » Si, en effet, notre tableau faisait partie de cette liste et qu’il fut éventuellement acquis par l’abbé Desjardins et envoyé à Québec en 1820, alors il se peut que l’abbé Desjardins ait aussi acheté les cinq autres tableaux de Boulogne – ce qui expliquerait peut-être leur subséquente absence dans les sources documentaires ou littéraires. En ce qui concerne ce couvent des Ursulines, construit en 1640 ou 1644, il est devenu bien national en 1793 et utilisé comme magasin de subsistance et d’approvisionnement pour Paris en 1799. La plus grande partie de ses bâtiments, y inclus la chapelle, fut démolie en 1842. [10] 

Pablo Picasso. Portrait d’Ambroise Vollard. 1910, Huile sur toile, Moscour, Musée Pouchkine des beaux-arts. 

À l’image du tableau de Picasso qui le représente[1], Ambroise Vollard a été de son vivant un personnage aux multiples facettes. À la fois marchand d’art, éditeur, auteur et mondain, l’homme renfrogné a suscité de nombreuses passions. Outre l’oeuvre susmentionnée, il a été l’objet de peintures réalisées par Cézanne, Renoir, Bonnard et bien d’autres. Il a été à la fois dénoncé et vénéré pour ses pratiques d’affaires. Il est décédé multimillionnaire sans héritier direct, créant une polémique au sujet de sa succession.

Il est impossible de dresser un portrait unique d’un homme de cette envergure. Dans le cadre de ce texte, nous nous questionnerons sur ses activités en tant que collectionneur. Dans un premier temps, nous proposerons une biographie sommaire. Puis, nous présenterons brièvement le développement du marché de l’art qui a permis la naissance de sa carrière. Par la suite, nous verrons comment Vollard constitue sa collection. Finalement, nous survolerons ses activités d’éditeur ainsi que les questions relatives à ses échecs et à sa succession.

Biographie sommaire
Henri Louis Ambroise Vollard naît à Saint-Denis de la Réunion le 3 juillet 1866[2]. Il déménage en France en 1887[3] pour poursuivre ses études de droit à Montpellier[4]. Deux ans plus tard, il se déplace à Paris sur ordre de son père[5]. Il ne termine pas son doctorat, préférant « les flâneries sur les quais[6] ». À la même époque, il commence à travailler à l’Union Française, une galerie d’art qui propose des artistes officiels et médaillés[7]. Il quitte l’Union en 1890 et ouvre sa boutique sur la rue Laffitte en 1893[8]. Il organise rapidement l’exposition des oeuvres de Cézanne qui est redécouvert[9]. Suivent des événements autour des toiles de Gauguin, Picasso, Matisse qui contribuent autant à leur renommée qu’au succès commercial de Vollard[10]. Il propose la gravure originale comme nouveau produit, ce qui secoue le milieu[11]. Il développe également le « livre d’artiste », un ouvrage commandé aux peintres qui agissent comme illustrateurs[12].

Vers 1908, Vollard commence une « période de digestion[13] ». Il doit fermer boutique en 1914 lorsque la Première Guerre mondiale est déclanchée[14]. Il n’ouvrira plus jamais de galerie, opérant plutôt de son appartement privé situé sur la rue de Gramont[15]. En 1924, il emménage dans sa dernière demeure, un hôtel particulier situé sur la rue de Martignac[16]. Il décède le 22 juillet 1939 dans un accident de voiture près de Versailles[17].

Le développement du marché de l’art[18]
Si Ambroise Vollard peut chigner sur les quais de la Seine, travailler en galerie puis ouvrir sa boutique, c’est que le marché a subi des transformations radicales au XIXe siècle. Au début du siècle, l’art contemporain ou « art-en-train-de-se-faire », n’est proposé que par le biais des Salons. L’artiste est valorisé lorsqu’il réussit à décrocher des commandes à l’intérieur du système mis en place.

Au fil des décennies, le montant dépensé pour une toile et la cote de l’artiste remplacent peu à peu le système des médailles et des récompenses du Salon comme mesure d’importance d’une oeuvre[19]. Comme dans tout système économique, le prix est influencé par l’offre et la demande. D’une part, les artistes s’émancipent du système académique en proposant de nouveaux sujets et formats ainsi que des techniques novatrices. D’autre part, l’apparition d’une bourgeoisie suscite un intérêt nouveau pour l’art contemporain qui trouve ainsi son public. Entre ces deux acteurs d’égale importance, le marchand d’art agit en intermédiaire.

Au moment où Vollard ouvre sa première boutique sur la rue Laffitte, l’art contemporain est principalement exposé au Musée du Luxembourg, le musée officiel d’art moderne[20]. Les oeuvres qui y sont accrochées proviennent surtout du Salon. Les Impressionnistes n’entrent au Luxembourg qu’en 1897[21] et les marchands ignorent les mouvements contemporains comme le post-impressionnisme[22]. Ainsi, l’influent Paul Durand-Ruel s’intéresse très peu à Van Gogh, Seurat et Gauguin[23]. Les plus audacieux comme Tanguy (père) et Theo Van Gogh sont disparus depuis quelques années déjà[24]. Le conservatisme est de rigueur. Les expositions consacrées à Cézanne et à Van Gogh vont lancer la galerie de Vollard[25].

La collection Vollard
Ambroise Vollard a toujours eu l’instinct d’accumuler les objets. Enfant, il amasse cailloux et vaisselle brisée[26]. La maison de La Réunion possède un cabinet de « curiosités du pays[27] » rempli de coquillages, papillons et fleurs. La conception familiale à l’égard de la collection semble ainsi rejoindre celle de l’Ancien Régime où l’objectif consiste à rassembler des objets originaux[28].

Les premiers achats d’oeuvres d’art sont réalisés alors qu’il est étudiant en droit[29]. Il fréquente les quais de la Seine et il réussit à rassembler dessins et gravures qu’il écoule sur le marché lorsque les fonds commencent à manquer[30].

L’échange de toiles et de gravures fait partie de ses techniques d’acquisition. Ainsi, il obtient les Funérailles de Manet contre des tableaux de Pissarro[31]. De la même façon, Degas troque ses oeuvres contre celles de Cézanne, Gauguin et Manet entre 1895 et 1897[32]. Cette façon de procéder est concentrée dans le temps (les débuts de sa carrière) et avec une certaine clientèle (les artistes).

Un trait de la personnalité de Vollard qui le démarque de ses compétiteurs, c’est sa propension à acheter la production des artistes en lots[33]. Ainsi, en 1899, il achète son premier studio complet, soit celui de Cézanne à Fontainebleau[34]. Un catalogue raisonné des oeuvres du peintre révèlera que les deux tiers d’entre elles ont circulé entre les mains du marchand[35]. Au début du XXe siècle, les ateliers de Stanislas Lépine, de Derain et de Vlaminck sont acquis[36]. En 1906, c’est l’ensemble du studio parisien de Picasso qui est déménagé à l’aide d’un cheval et d’une charrette[37]. L’entassement des oeuvres est tel qu’en 1913, un article du Mercure de France déclare : « C’était bien la boutique la moins luxueuse de ce quartier et celle où s’entassaient le plus de richesses artistiques[38] ».
Pour faire la promotion des objets d’art en sa possession, Vollard organise des expositions dédiées à un seul artiste. En 1895, il met de l’avant le travail de Cézanne et crée sensation[39]. Il prend un risque en s’associant au seul artiste de la génération des Impressionnistes à ne pas avoir de marchand en titre[40]. Il réussit à présenter 150 de ses peintures[41]. La modestie de ses moyens fait en sorte que les toiles sont tendues sur de simples baguettes[42]. À la suite de cet événement, Cézanne se dira sauvé de l’obscurité et le peintre en sera à jamais reconnaissant au marchand[43]. Vollard monte aussi un événement autour de 60 toiles de Van Gogh sans obtenir de succès commercial[44]. « Les temps n’étaient pas encore venus…[45] » pour l’oeuvre de Van Gogh.

Il cumule ainsi un inventaire important. Il attend des conditions favorables avant de mettre les oeuvres qu’il possède en vente. Cette approche se faufile jusque dans son testament où il demande à ses héritiers « de ne vendre mes tableaux que peu à peu, par au moins dix ventes, le tout dans un espace de dix ans au moins[46] ».

Les nombreuses acquisitions du marchand transforment sa boutique de la rue Laffitte en lieu d’échanges sur l’art contemporain. Il en profite pour nouer des liens d’amitié avec de nombreux artistes. Dans la cave de la galerie, il sera l’hôte de dîners qui deviennent mythiques[47]. Hommes politiques, clients et artistes se côtoient autour de la table du Réunionnais qui agit en maître de cérémonies[48]. Ces soirées lui permettent de connaître l’air du temps. Gertrude Stein déclarera qu’il se forme de cette manière une opinion, en écoutant celle des autres[49].

Dans sa relation avec les acheteurs, Vollard utilise ses réseaux pour écouler ses toiles[50]. Il veut atteindre le client directement[51]. Il ne marchande jamais[52]. Son inventaire est caché derrière un paravent et il ne permet à personne d’y regarder. Cette technique de vente est rapportée par Picasso : « Vollard était très cachottier, il savait entourer ses tableaux de mystère pour en augmenter le prix[53] ». Il somnole en permanence dans sa boutique[54]. L’habile commerçant utilise ce trait de caractère pour décourager le client de passage qui ne l’intéresse pas[55]. Il est appuyé dans ce dessein par son apparence rébarbative empreinte de mélancolie, qualifiée du terme « glooming[56] » par Gertrude Stein.

Grâce à l’accumulation d’oeuvres, au bon contact avec les artistes, au lien direct avec les clients et à l’utilisation de techniques de ventes sophistiquées, Ambroise Vollard s’enrichit considérablement tout en amassant une quantité importante de toiles, gravures et sculptures.

Ambroise Vollard, éditeur
En marge de sa collection, le marchand rêve d’une carrière d’éditeur[57]. Il joue un rôle clé dans la renaissance de l’estampe[58]. Il impose la gravure originale comme objet d’art[59]. Il demande aux peintres d’illustrer des livres qu’il publie. En 1896, il inaugure sa nouvelle galerie en proposant l’album Les Peintres Graveurs[60]. Les efforts de Vollard se poursuivent, entre autres, avec des artistes nabis et Picasso[61]. Ce dernier produira 100 dessins originaux pour la Suite Vollard. Cette oeuvre marque le point culminant dans la collaboration entre l’artiste et l’éditeur[62]. Tiré à 250 exemplaires, ce livre devient l’une des réalisations les plus convoitées de Picasso. En quarante ans d’activités, Vollard édite une quarantaine de publications[63].

Il s’active également dans le tirage en édition limitée de sculptures. Il vend ainsi des exemplaires multiples des oeuvres de Renoir, Gauguin, Bonnard et Picasso[64]. Les artistes ont peu de contrôle sur les droits de reproduction de leurs réalisations avant 1910[65]. Maillol se sent particulièrement lésé par cette situation[66].

La liquidation de la collection
La mort accidentelle d’Ambroise Vollard crée un problème important concernant sa succession. Il décède sans laisser d’héritier direct[67]. Son dernier testament date de 1911. Il n’existe pas d’inventaire récent des oeuvres en sa possession, le bilan complet le plus récent ayant été réalisé en 1922[68]. De plus, le déclanchement de la Seconde Guerre mondiale ajoute au flou.

Ses intentions peuvent faire l’objet de spéculations. Les bénéficiaires nommés dans son testament sont identifiés : ses frères et soeurs ainsi que la famille de Galéa[69]. Tel que mentionné précédemment, le stock de peintures doit être écoulé en lots successifs pendant une décennie. Vollard aurait également flirté avec l’idée d’un musée; son ancienne secrétaire rapporte la fierté du marchand d’avoir réussi à flairer les bonnes affaires là où les conservateurs ont échoué[70].

En réalité, ses possessions vont être partagées principalement entre son frère Léon et madame de Galéa. Lorsque le fisc se penche sur le dossier à partir de 1948[71], les toiles, esquisses, estampes, gravures et sculptures sont dispersées dans diverses institutions[72] (dont le musée Léon-Dierx à Saint-Denis de la Réunion) ou écoulées sur le marché[73]. Notons finalement que le Yougoslave Eric Chlomovitch garnit le musée de Belgrade avec 360 tableaux obtenus dans des conditions nébuleuses[74].

Échecs
Si la vie de Vollard est ponctuée de réussites commerciales et artistiques, il n’en demeure pas moins que son flair n’est pas parfait. Il sous-estime l’importance de Matisse[75]. La période cubiste de Picasso lui échappe, tout comme le surréalisme[76]. Finalement, il confond le pointillisme de Signac et Seurat avec un « ouvrage de dame[77] ».

Conclusion
Il ne fait aucun doute qu’Ambroise Vollard est une figure marquante dans le milieu artistique à partir de la décennie 1890 jusqu’à son décès. Son approche commerciale innovatrice lui a permis de se constituer un stock important d’oeuvres produites par des artistes significatifs.

Par contre, est-il juste de parler du marchand en tant que collectionneur? L’archétype de la collection se fait autour de la sélection des objets, de la topographie et du mode de présentation[78]. Selon chacun de ces critères, sa motivation semble plus commerciale qu’esthétique. Les acquisitions sont motivées par la revente, la marchandise est cachée et empilée. En ce sens, nous croyons qu’Ambroise Vollard se rapproche du « marchand-amonceleur » plutôt que du marchand-collectionneur.

- NOTES -

1. Pablo Picasso. Portrait d’Ambroise Vollard. 1910, Huile sur toile, Moscour, Musée Pouchkine des beaux-arts.
2. Jean-Paul Morel, C’était Ambroise Vollard, Paris, Fayard, 2007, p. 104.
3. Ann Dumas, « Ambroise Vollard, Patron of the Avant-Garde », dans Cézanne to Picasso : Ambroise Vollard, Patron of the Avant-Garde, éd. par Rebecca A. Rabinow, New York, Metropolitan Museum of Art, New Haven, Yale University Press, 2006, p. 3.
4. Ambroise Vollard, Souvenirs d’un marchand de tableaux, Paris, Albin Michel, 1948, p. 22.
5. Ibid., p. 29-30.
6. Ibid., p. 31-32.
7. Pierre Nahon, Les Marchands d’art en France. XIXe et XXe siècles. Paris, Éd. de la Différence, 1998, p. 66.
8. Ibid., p. 66-67.
9. Ibid., p. 68.
10. Ibid., p. 70.
11. Morel, op. cit., p. 352.
12. Ibid.
13. Nahon, op. cit., p. 72.
14. Dumas, op. cit., p. 21.
15. Ibid.
16. Ibid., p. 22.
17. Nahon, op. cit., p. 517-518.
18. Pour l’ensemble de cette section, voir Nahon, op. cit., p. 9-26 à moins d’avis contraire.
19. Robert Jensen, « Vollard and Cézanne : An Anatomy of a Relationship », dans Cézanne to Picasso : Ambroise Vollard, Patron of the Avant-Garde, éd. par Rebecca A. Rabinow, New York, Metropolitan Museum of Art, New Haven, Yale University Press, 2006, p. 44.
20. Dumas, op. cit., p. 19.
21. Ibid.
22. Jensen, op. cit., p. 35.
23. Ibid.
24. Ibid.
25. Dumas, op. cit., p. 8.
26. Vollard, op. cit., p. 14-15.
27. Ibid., p. 12.
28. Olivier Bonfait, « Collectionnisme », dans Encyclopaedia Universalis, Mise à jour 2007, [En ligne], , (page consultée le 2 décembre 2007).
29. Vollard, op. cit., p. 32.
30. Ibid., p. 58.
31. Dumas, op. cit., p. 14.
32. Ibid.
33. Ibid., p. 16.
34. Ibid., p. 12.
35. Jensen, op. cit., p. 36.
36. Dumas, op. cit., p. 13.
37. Ibid., p. 12.
38. Morel, op. cit., p. 253.
39. Dumas, op. cit., p. 9.
40. Ibid.
41. Vollard, op. cit., p. 81.
42. Ibid.
43. Tel que cité dans une lette de Cézanne à Charles Camojn, Dumas, op. cit., p. 3.
44. Vollard, op.cit., p. 82-83.
45. Ibid., p. 83.
46. Morel, op. cit., p. 520-522.
47. Nahon, op. cit., p. 67.
48. Ibid., p. 71.
49. Gertrude Stein, The Autobiography of Alice B. Toklas, New York, Vintage Books, 1933, p. 39.
50. Nahon, op. cit., p. 71.
51. Vollard, op. cit., p. 61.
52. Nahon, op. cit., p. 74.
53. Brassaï, Les artistes de ma vie, Paris, Denoël, 1982, p. 210.
54. Morel, op. cit., p. 23.
55. Nahon, op. cit., p. 71.
56. Stein, op. cit., p. 30.
57. Vollard, op. cit., p. 305.
58. Dumas, op. cit., p. 10.
59. Morel, op. cit., p. 352.
60. Dumas, op. cit., p. 11.
61. Ibid.
62. Gary Tinterow et Asher Ethan Miller, « Vollard and Picasso », dans Cézanne to Picasso : Ambroise Vollard, Patron of the Avant-Garde, éd. par Rebecca A. Rabinow, New York, Metropolitan Museum of Art, New Haven, Yale University Press, 2006, p. 113-114.
63. Morel, op. cit., p. 354.
64. Emmanuelle Heran, « Vollard, Publisher of Maillol’s Bronzes : A Controversial Relationship », dans Cézanne to Picasso : Ambroise Vollard, Patron of the Avant-Garde, éd. par Rebecca A. Rabinow, New York, Metropolitan Museum of Art, New Haven, Yale University Press, 2006, p. 173.
65. Ibid., p. 174.
66. Ibid., p. 176.
67. Dumas, op. cit., p. 23.
68. Morel, p. 40-41.
69. Ibid.
70. Dumas, op. cit., p. 27, note 140.
71. Morel, op. cit., p. 43.
72. Dumas, op. cit., p. 23-27.
73. Ibid., p. 23.
74. Ibid.
75. Ibid., p. 11.
76. Ibid., p. 23.
77. Vollard, op. cit., p. 198.
78. Bonfait, op. cit.

- BIBLIOGRAPHIE -

BONFAIT, Olivier. « Collectionnisme », dans Encyclopaedia Universalis. Mise à jour 2007, [En ligne], (page consultée en décembre 2007).

BRASSAÏ. Les artistes de ma vie. Paris, Denoël, 1982, 223 p.

JOHNSON, Una E. Ambroise Vollard, Éditeur : Prints, Books, Bronzes. New York, Museum of Modern Art, 1977, 176 p.

MOREL, Jean-Paul. C’était Ambroise Vollard. Paris, Fayard, 2007, 622 p.

NAHON, Pierre. Les Marchands d’art en France. XIXe et XXe siècles. Paris, Éd. de la Différence, 1998, 348 p.

RABINOW, Rebecca A., éd. Cézanne to Picasso : Ambroise Vollard, Patron of the Avant-Garde. New York, Metropolitan Museum of Art, New Haven, Yale University Press, 2006, 450 p.

STEIN, Gertrude. The Autobiography of Alice B. Toklas. New York, Vintage Books, 1933, 232 p.

TINTEROW, Gary et Asher Ethan MILLER. « Vollard and Picasso ». Dans Cézanne to Picasso : Ambroise Vollard, Patron of the Avant-Garde, éd. par Rebecca A. Rabinow, New York, Metropolitan Museum of Art, New Haven, Yale University Press, 2006, p. 113-114.

VOLLARD, Ambroise. Souvenirs d’un marchand de tableaux. Paris, Albin Michel, 1948, 480 p.

- REMARQUE -

Ce texte a été rédigé dans le cadre du cours Art et ses institutions de l’Université Laval, automne 2007, sous l’enseignement de madame Eva Bouillo.

[Devant le tableau de Vollard réalisé par Paul Cézanne, 1899, Petit Palais, Paris, été 2008]

* L’exposition Sympathy for the Devil : Art et rock and roll depuis 1967 au Musée d’art contemporain de Montréal débute ce vendredi. Il s’agit du seul arrêt canadien d’une exposition déjà présentée au Museum of Comtemporary Art de Chicago. 

* Le Québec aura un studio d’artiste à Londres en 2009 selon une nouvelle entente entre le Conseil des arts et des lettres du Québec et le Arts Council England.

* Le Musée de la Civilisation de Québec lance Le Code perdu, un site ludique.

* Le Québec sera l’invité d’honneur au Salon des métiers d’art et de création de Paris en décembre.

* La construction au 2.22 Sainte-Catherine, à Montréal, débuterait en mai 2009.

* Le Musée [...] du Québec est hôte du colloque intitulé Musées : Horizons du XXIe siècle dans le cadre des 21e Entretiens Jacques-Cartier.

* Un artiste innu d’Iqaluit vend ses oeuvres sur eBay avec beaucoup de succès.

* Ryerson University, à Toronto, embauche un nouveau directeur pour sa galerie de photographies. 

* Qui eût cru que Pamela Anderson avait une collection d’art?

* Paris rend hommage à Picasso avec trois expositions simultanées au Musée du Louvre, au Grand Palais et au Musée d’Orsay. Les assurances sont élevées.

* Le David de Michel-Ange serait menacé par les touristes, selon l’International Institute for Conservation. L’organisation a aussi tenu une table ronde sur les dangers que représente le réchauffement climatique sur les collections muséales.

* Observez l’influence de la Guerre froide sur l’art grâce à un diaporama.

* L’art comme outil diplomatique: la Syrie a sa première exposition composée d’oeuvres prêtées.

* Les Sims + art contemporain = My Own Art Collection, une initiative anglaise pour inviter les gens à collectionner les oeuvres d’art contemporain.

Une visite à Paris constitue un pèlerinage de musées pour l’étudiant en histoire de l’art que je suis. Étant dans la capitale française pour moins d’une semaine, c’est en boulimique que j’attaque mes lieux de culte.

* Musée du Louvre

[Vue des salles du Louvre, salles de l'ancien musée Charles X]

Le plaisir de se promener dans les galeries à 9h00 le matin, c’est celui d’entendre ses pas sur le plancher qui craque. L’écho résonne, les salles sont vides et le musée nous appartient. Cette sensation de communion avec les oeuvres dure pendant une heure car les visiteurs se lancent vers La Joconde, à mon grand plaisir.

Une exposition temporaire est présentée en ce moment sur Pierre Mignard. L’atelier de ce peintre du Roi a été incorporé à la collection royale à son décès en 1695. Plusieurs de ses dessins constituent l’essentiel de l’expo. 

Ce peintre est représenté au Musée national des beaux-arts du Québec dans Le Louvre à Québec. Dans la section des portraits d’artistes, il est peint avec son grand rival, Charles Le Brun.

Parlant de cette exposition, le vide laissé par les oeuvres sur les murs est apparent. En voici des traces…

[Quatre heures, au Salon de François Biard est normalement placé sur ce mur; il est présentement au Musée national des beaux-arts du Québec]

[Au Salon carré du Louvre de Louis Béroud se trouve habituellement dans la seconde colonne à partir de la gauche; idem]

[Les gisants de Charles IV et Jeanne d'Évreux de Jean de Liège attirent en temps normal le regard sur le piédestal noir; idem]

Pour sa part, le Musée des arts décoratifs, présentait une exposition temporaire intitulée Napoléon, symboles des pouvoirs sous l’Empire. Au fil des salles, des objets d’art et de combat sont proposés, illustrant l’utilisation faite de symboles comme les dieux romains, le cygne et l’abeille. Instructif.

Le voyage se continue demain…

* Le Média Matin Québec n’est plus publié depuis le retour au travail des employés du Journal de Québec. Adieu(?) aux archives sur Internet: le site ne répond plus.

* Plus que quelques jours pour l’exposition rétrospective sur John Heward au Musée national des beaux-arts du Québec. Elle se termine le 24 août.

* Parlant du Musée [...] du Québec, emmenez votre petite famille aux ateliers de création sous le thème Les trésors des pharaons. L’activité gratuite se déroule en fin de semaine, à 13h, 14h15 et 15h30 et elle permet de décorer un coffret miniature d’inspiration pharaonique. Amusant!

Et sur une note plus personnelle, je suis à Paris pour la prochaine semaine. Je devrais visiter plusieurs expositions intéressantes que je n’ai pas déjà vues en mai.

* L’offensive des Conservateurs de Stephen Harper contre la scène artistique canadienne se poursuit. Alors que les yeux du pays sont tournés vers Pékin, le Programme de formation dans le secteur du film et de la vidéo a été aboli après PromArt et Routes commerciales. Ce dernier projet a permis entre autres à Robert Lepage et aux Grands Ballets Canadiens d’être des ambassadeurs culturels canadiens dans le monde. Écrivez à Josée Verner pour vous plaindre! [Radio-Canada et Le Devoir hier et aujourd'hui]

* Les Québécois continuent d’acheter en ligne. Les billets de spectacle composent 11% des 322 millions de dollars dépensés en juin 2008.

* Dans le même ordre d’idée, Le Louvre à Québec a franchi le cap du 200 000e visiteur. Les heures d’ouverture sont encore une fois prolongées. On veut réellement briser un record d’affluence! [Critique de l'exposition]

* La céramique à l’honneur à Québec dans le cadre de Carac’Terre. 

* Le déplacement du Refus Global du marché du livre ancien vers le marché de l’art continue de porter fruit. Un exemplaire a été vendu 14 700$ à Québec la semaine dernière, soit le double de l’estimation supérieure.

* L’abattage d’un animal pour en faire une viande n’est pas un moment empreint de grâce. Si vous êtes un artiste, vous utilisez une vidéo de cet événement pour créer une oeuvre puissante contre la cruauté humaine. Adel Abdessemed a proposé ce travail testant les limites du social et du culturel au San Francisco Art Institute cette année – puis il a dû le retirer suite à des menaces de mort. Maintenant, le conseil municipal veut interdire ce genre d’oeuvre. La censure est toujours drapée de bons sentiments.

* À Pékin, l’art contemporain fait du surplace pour satisfaire le goût du public. Après avoir copié Monet ou Degas, ce sont maintenant les artistes chinois qui sont copiés.

* ArtPrice dresse le profil du marché pour les oeuvres du photographe Richard Avedon. Ayant oeuvré pour le Harper’s Bazaar, il est actuellement le sujet d’une exposition au Jeu de Paume à Paris.

Je suis arrêté au Musée d’art moderne du Centre Georges-Pompidou. Dans le grand espace, un moulin à prière surdimensionné accueille les visiteurs. Normalement, un moine boudhiste fait tourner un tel objet – aux dimensions plus réduites! – en récitant une prière. Ici, la projection de l’objet à une autre échelle met en lumière les dangers de la religion et de la politique, l’un étant lié à l’autre.

[Ehi Ehi Sina Sina, Huang Yong Ping, 2006; Photo: Marc Gauthier]

Parmi les expositions temporaires se retrouve la première rétrospective consacrée à Louise Bourgeois. Ce fut pour moi une découverte. L’artiste propose une vision très personnelle au fil des deux cents oeuvres exposées. Née en 1911, vivant à New York depuis 1938, on sent une certain malaise quant à l’appartenance de cette artiste à la France. Ayant quitté le pays depuis 70 ans, est-ce toujours une artiste française? Comme le dit le programme en faisant une comparaison avec Marcel Duchamp, elle serait une «American artist born in France». Outre ces considérations géographiques, l’exposition m’a donné l’impression de pénétrer dans la tête de Louise Bourgeois. En fait, lorsque j’y pense, ce n’est pas tant dans sa tête qu’on pénètre que dans cet espace des pulsions secrètes animées par les frustrations de l’enfance et les désirs refoulés. Proposées en plusieurs volets (Personnages, Lieux de mémoire, …), les sculptures, peintures, dessins, gravures ne sont pas toujours accessibles au premier coup d’oeil. Je me demande ce que l’histoire de l’art retiendra de sa production.

Dans la collection permanente, je tiens à vous présenter « Dynamisme d’une automobile» (1912-1913) de Luigi Russolo. Cette oeuvre est très représentative du Futurisme. Ce mouvement italien basé à Milan faisait – entre autres – l’apologie de la vitesse pour l’opposer au passé archaïque de l’Italie. En ce sens, les machines produisant la vitesse comme les voitures, les avions et les trains sont valorisées. Dans ce tableau, Russolo s’exprime par la couleur et les lignes de forces représentées selon la philosophie du flux développée par Henri Bergson.

[Dynamisme d'une voiture, Luigi Russolo, 1912-1913; Photo: Marc Gauthier]

Au fil des jours, d’autres lieux d’intérêt pour l’historien de l’art en moi ont été visités. Le grand magasin Le Bon Marché a fait l’objet d’un arrêt, et non seulement pour m’acheter un parapluie en ces jours pluvieux sur la capitale. Plutôt, j’en en profité pour visiter l’un des premiers lieux privés où des tableaux d’oeuvres d’art ont été exposés. C’est ainsi qu’au 19e siècle, certains peintres pouvaient exposer leurs toiles au dernier étage du grand magasin. La luminosité était vraiment bonne, ce qui m’a surpris. Je me demande à quoi ressemblait le lieu voilà 150 ans… Aujourd’hui, le dernier étage est occupé par des meubles.

[Le Bon Marché, Paris; Photo: Marc Gauthier]

Au musée d’Orsay, les grands peintres constituent toujours un plaisir pour les yeux. J’ai remarqué des détails que je n’avais jamais vus auparavant. Ainsi, le coin supérieur gauche de la toile «L’Église d’Auvers» de Van Gogh tourbillone en noir et bleu où le coup de pinceau est très visible. La petite histoire retiendra que ce tableau a été acquis grâce au concours de Paul Gachet et d’une donation anpnyme canadienne en 1951.

[L'Église d'Auvers, Vincent Van Gogh, début juin 1890; Photo: Marc Gauthier]

[L'Église d'Auvers (détail), Vincent Van Gogh, début juin 1890; Photo: Marc Gauthier]

Orsay propose deux dialogues entre des oeuvres du musée et des artistes contemporains. La première de ces correspondances que j’aie vue se fait entre «Vitrine – Rue de Sévigné» de Bertrand Lavier et «La Lecture» de Manet. Le motif proposé par Lavier exploite la touche de Manet d’une façon surprenante. On sent la parenté entre les deux oeuvres sans retrouver d’imitation. Coup de coeur.

[Vitrine - Rue de Sévigné, Bertrand Lavier, 2005; Photo de Marc Gauthier]

[La Lecture, Edouard Manet, vers 1865-1867; Photo: Marc Gauthier]

[La Lecture (détail), Edouard Manet, vers 1865-1867; Photo: Marc Gauthier]

L’autre dialogue se décline en composition multimédia. Sur les murs sont projetées des mots et des symboles, le tout en continuel mouvement et dans des couleurs changeantes. Ce jeu sur le mouvement, le temps et la couleur rappelle le travail sur la couleur et la touche Impressionniste. Il s’agit du dialogue entre Monet et Charles Sandison. Autre coup de coeur.

[Nymphéas bleus, Charles Sandison, 2007-2008; Photo: Marc Gauthier]

[Nymphéas bleus, Claude Monet, vers 1915-1920; Photo: Marc Gauthier]

Parmi les autres nouvelles, signalons ma déception de ne pas retrouver «L’Angélus» et «Les Glaneuses» de Jean-François Millet. Les deux oeuvres les plus connues du peintres étaient en prêt. Ce choix m’apparaît peu judicieux. C’est comme si j’achetais un sac devant contenir 100 bonbons et que je m’aperçois qu’il en manque deux; je suis repu mais pas satisfait…

Également, les grands tableaux de Courbet sont en restauration. Le travail s’effectue sous les yeux des visiteurs. Si les professionnels du musée doivent se sentir comme des animaux sous observation, il est toujours plaisant de voir ces mains expertes à l’oeuvre. «L’Atelier du peintre» de Courbet subissait au moins une vingtaine de retouches.

[L'atelier du peintre, Courbet; Photo: Marc Gauthier]

Un voyage à Paris est impossible pour un historien de l’art sans faire un arrêt au 7, rue des Grands Augustins dans le quartier Saint-Germain des Prés. À cette adresse se situe d’abord l’action de la nouvelle «Le chef-d’oeuvre inconnu» de Balzac. L’histoire que l’auteur raconte est celle d’un peintre qui présente son chef-d’oeuvre à des amis. Ces derniers sont ébahis par ce qu’ils voient: ils ne comprennent rien à la toile qui est sous leurs yeux.

Cette oeuvre littéraire a fait figure de prémonition: c’est également à cette adresse que Picasso s’installe dans les années 1930. Il y peindra une de ses toiles les plus connues et ayant créé sensation: Guernica.

Le Musée de la vie romantique de la ville de Paris propose «L’âge d’or du romantisme allemand – Aquarelles et dessins à l’époque de Goethe». Le lieu m’a plu, l’exposition m’a laissé un peu froid. Cependant, elle m,a permis de prendre conscience de mon ignorance à l’égard de l’art allemand et de ces artistes importants.

J’ai également assisté à ma première vente aux enchèresde l’Hôtel Drouot-Richelieu. Une expérience fortement enrichissante qui confirme mon intérêt pour la vie de l’objet d’art après sa création artistique.

Comme toujours, les expositions au Musée du Luxembourg sont courues par le Tout-Paris. Lors de ma visite, «Vlaminck – Un instinct fauve» était à l’affiche. Une réussite totale qui permet de voir de nombreux tableaux de l’artistes en un seul endroit. Un autre catalogue de musée acheter que je lirai à mon retour car Vlaminck est un artiste que j’ai croisé au fil de mes études mais que je ne connais pas beaucoup.

Un autre artiste que je ne connais pas beaucoup est Gustave Moreau. Ingénieux, il a consacré les dernières années de sa vie à mettre sur pied un musée dédié à son oeuvre. Ce fut donc une découverte de ses peintures mais surtout des nombreux dessins de cet artiste symboliste. Seul défaut du musée: de nombreux tableaux exposés sont des esquisses et non des toiles finies. Personnellement, j’aime bien ce type d’oeuvres qui permet de comprendre la méthode de travail d’un artiste.

[Intérieur du musée Gustave Moreau; Photo: Marc Gauthier]

[Dessin no. 1015 (détail), Gustave Moreau; Photo: Marc Gauthier]

À suivre…