(Communiqué) Québec, le 17 novembre 2011 – Le Musée national des beaux-arts du Québec est particulièrement fier d’annoncer que les auteurs du catalogue Marc-Aurèle Fortin. L’expérience de la couleur, qui accompagnait l’exposition éponyme présentée au Musée l’hiver dernier, soit Richard Foisy, François-Marc Gagnon, Michèle Grandbois, Sarah Mainguy et Esther Trépanier, ont reçu le prix Marcel- Couture hier, à l’ouverture du Salon du livre de Montréal. Ce prestigieux prix, créé il y a plus de dix ans pour rendre hommage au regretté Marcel Couture, qui a assuré la présidence de cet événement pendant une décennie, vise à récompenser un ou des auteurs francophones dont l’oeuvre s’est démarquée. Le prix est accompagné d’une bourse de 5 000 $.

Le catalogue Marc-Aurèle Fortin. L’expérience de la couleur est un ouvrage de 300 pages, illustré par plus de 150 reproductions de peintures, aquarelles, eaux-fortes et pastels. Il rend compte de la modernité de cet excellent dessinateur et coloriste, en plus de témoigner des diverses étapes d’une démarche artistique remarquable, placée sous le signe de l’exploration et de la liberté. Il fait le point sur la fructueuse carrière de l’artiste, un des paysagistes les plus accomplis de son temps, qui a multiplié les expériences sur la couleur, créant un style singulier qui a marqué notre imaginaire collectif. Fruit de plusieurs années de recherche, cet ouvrage interroge plus avant la « légende » Fortin afin de mieux situer l’artiste et son oeuvre dans leur époque. Signé par des spécialistes de l’art de cette période, il permet de suivre en détail l’itinéraire biographique et esthétique de Marc-Aurèle Fortin et de saisir toute l’importance de sa contribution à l’histoire de l’art canadien.

Le catalogue, disponible en versions française et anglaise, est une coédition du MNBAQ et des Éditions de l’Homme. Il est offert à la Boutique du Musée et dans les librairies au coût de 49,95 $.

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Line Ouellet, qui occupe le poste de directrice des expositions et des publications scientifiques au MNBAQ depuis 1999, a été nommée directrice générale par intérim.

Les compétences de madame Ouellet dans l’organisation d’expositions ne sont plus à démontrer. Elle a participé à la plupart des événements présentés au musée des Plaines d’Abraham, dont Le Louvre à Québec [lire ma critique].  Je crois que l’une de ses expertises les plus précieuses est le réseau de collaboration qu’elle a réussi à construire, avec l’aide de l’équipe de conservateurs, pour amener des expositions de cette envergure dans nos murs. Il faut avoir un sacré talent pour convaincre le Louvre de prêter Le bain turc lors de son premier voyage en Amérique du nord, quand même !

Malgré tout, quelque chose ne sent pas très bon dans la manière dont cette nomination survient.

Le départ précipité d’Esther Trépanier de la tête de l’institution muséale et son mutisme laissent supposer un conflit de personnalité important entre l’historienne de l’art et la directrice des expositions. Ce n’est qu’une supposition, certes, mais ça ne prend pas la tête à Papineau pour tirer cette conclusion.

En fait, je rectifie le tir. Je ne crois pas qu’il s’agisse d’un conflit de personnalités; plutôt, j’ai l’impression qu’il s’agit d’un conflit de visions à l’égard du rôle que doit jouer le Musée national des beaux-arts du Québec.

Sous cet angle, tout s’éclaire.

En 2010, la programmation du Musée était très mauvaise. Notre institution nationale jouait le rôle d’un simple lieu d’exposition. J’avais fortement critiqué cette approche en rappelant la mission de notre musée.

En 2011, j’avais été frappé par le fait qu’Esther Trépanier souligne le rôle légal du Musée national des beaux-arts lors de la présentation de ses expositions.  Il s’agissait de la première fois que je l’entendais ainsi défendre ce rôle.

Au départ, je me demandais à qui s’adressait cette précision. Pourquoi en parler ainsi en conférence de presse ?  Les journalistes présents étaient-ils si intéressés par cet aspect des choses ?  Au fond, cette mention s’adressait-elle, peut-être, à une autre personne qui assistait au lancement…

En effet, la programmation 2010 était influencée par des expositions organisées par Line Ouellet. La direction d’Esther Trépanier se faisait beaucoup plus sentir dans la nouvelle programmation de 2011.  Trois mois plus tard, elle annonçait sa démission et elle était remplacée par Line Ouellet.

Mon avis personnel est que la vision «Musée = moteur touristique» l’a emporté sur la vision «Musée = lieu de réflexion historique sur l’art».  En historienne de l’art, Esther Trépanier défendait cette dernière approche. Je rappelle que Line Ouellet n’a aucune formation en histoire de l’art. Je critique même la mise en marché de l’histoire de l’art qui est parfois présente dans certaines expositions.

Je ne peux que spéculer sur l’approche que défendra Line Ouellet à la tête du Musée national des beaux-arts. Cependant, je suis inquiet.

Pourquoi le rôle de la directrice générale sera-t-il en priorité l’agrandissement du Musée ? Il me semble qu’il s’agit d’un projet piloté par John R. Porter.

D’ailleurs, je suis en désaccord avec la façon dont cet agrandissement a été réalisé. Je me demande où sont les chiffres de fréquentation prévus suite à l’augmentation des coûts que cet ajout va nécessairement entraîner.  Aussi, il me semble qu’il n’y a jamais eu de discussions publiques sur le lieu de cet agrandissement. On peut déjà imaginer que la transformation de l’église Saint-Dominique en lieu d’exposition de l’art religieux est envisagée.  Mais bon, une fois les coups de pelle mécanique envoyés dans le monastère des Dominicains, que reste-t-il à faire sinon se rallier ?

D’une façon beaucoup plus inquiétante, comment se fait-il que la direction générale du Musée puisse potentiellement être décidée par le seul conseil d’administration sans appel de service, selon les dires de John R. Porter ?

Vu de l’extérieur, cela donne l’impression que le Musée national des beaux-arts du Québec est dirigé par une oligarchie solide.  Si Esther Trépanier, historienne de l’art respectée, n’a pas réussi à ébranler les murs de l’institution, qui pourra le faire ? Faudra-t-il faire la cour aux bonnes personnes pour profiter de notre institution nationale ?

Soyons honnête. Madame Ouellet est directrice générale par intérim.  Laissons le temps au conseil d’administration de trouver une solution pour remplir ce poste. Ensuite, jugeons les efforts de la direction sur les expositions et non sur mes suppositions. Malgré tout, voilà résumées en quelques lignes mes craintes à cet égard.

En préparant mon café ce matin, je me suis aussi souvenu que c’était lors de sa toute dernière conférence de presse, celle consacrée à l’exposition Marc-Aurèle Fortin, qu’Esther Trépanier avait rappelé la mission du Musée national des beaux-arts du Québec. J’apporte cette précision.

Cela me rappelle que je n’ai pas placé ma mise en garde habituelle sur les billets de blogue. Je rectifie le tir dans ce cas également :

Par la nature du blogue, les billets sont souvent écrits sur le vif. En conséquence, ils manquent parfois du recul nécessaire à la pratique historique. Qu’on m’excuse à l’avance des raccourcis que je peux exprimer et que je m’empresse de corriger à la première occasion. Un billet de blogue n’est pas un article scientifique, un mémoire de maîtrise ou une thèse de doctorat.

Finalement, dans un esprit de divulgation volontaire, sachez que je suis membre du conseil d’administration de la Galerie Tzara au moment où ces lignes sont écrites. Ce n’est peut-être pas très pertinent, mais c’est transparent.

Mme Esther Trépanier devant Autodafé (2005-2011), de Louise Viger. Cintres de bois, fil de métal, fil de nylon, bois, teinture, vernis acrylique mat, bande sonore. Texte et voix de Denise Desautels: Autodafé extrait de l'Oeil au ralenti, éditions du Noroît, 2007. MNBAQ. Oeuvre en cours d'acquisition. Photo: MNBAQ, Idra Labrie. © Louise Viger / SODRAC (Montréal) 2011

(Communiqué) Québec, 7 avril 2011 – À la veille de quitter la direction du MNBAQ, Esther Trépanier tenait à remercier le public du Québec. À son entrée en fonction en 2008, elle avait initié une campagne de dons auprès de la clientèle du Musée visant à recueillir des fonds pour l’acquisition d’une oeuvre d’art.

Grâce aux contributions accumulées, une oeuvre magistrale de Louise Viger, intitulée Autodafé, fait son entrée dans la collection du Musée. « Je tiens à remercier tous ceux et celles qui, par leurs dons généreux et par leur participation aux activités culturelles, donnent vie à notre institution. », souligne Esther Trépanier.

L’oeuvre est déjà présentée dans la rotonde du rez-de-chaussée du pavillon Gérard-Morisset, une aire publique accessible à tous gratuitement. « L’installation, de préciser madame Trépanier, se présente comme une monumentale robe à traine composée, non pas de tissu soyeux, mais de cintres en bois. En y regardant de plus près, on peut voir dans cette accumulation ordonnée de bois, un bucher où l’on brulait les sorcières, les livres ou les oeuvres interdites. »

Au centre de l’oeuvre une colonne diffuse la voix vibrante de la poétesse Denise Desautels (Prix du Québec, Athanase-David 2009), qui récite le texte donnant son titre à l’oeuvre. Il y est question d’une mère qui a brûlé toutes les lettres que lui avait envoyées sa fille. « Autodafé d’une violence personnelle mais qui rejoint une expérience universelle par l’allusion qu’elle fait à la contrainte et à la négation de l’autre. » ajoute Esther Trépanier.

Le premier geste d’Esther Trépanier aura été de souligner l’apport des femmes artistes québécoises au XXe siècle. Sa dernière contribution aura été de favoriser l’acquisition d’une oeuvre d’art qui célèbre la collaboration de deux créatrices d’aujourd’hui. C’est boucler la boucle de la plus belle des façons.

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Esther Trépanier, directrice générale sortante du Musée national des beaux-arts du Québec. Source iconographique: MNBAQ / (c) Benoît Camirand

Je prends quelques secondes pour souligner le départ d’Esther Trépanier de la direction générale du Musée national des beaux-arts du Québec dont c’est la dernière journée aujourd’hui.

Si les rumeurs circulent sur les raisons de cette sortie précipitée, j’aimerais souligner son enthousiasme, son intelligence et son grand intérêt pour l’art du Québec. Personnellement, j’ai bien aimé ses deux expositions sur l’art des femmes. J’ai beaucoup moins apprécié le recours massif aux expositions produites à l’extérieur et l’incroyable dérapage qu’a été Barbie.

Heureusement, nous pourrons continuer à la suivre dans son travail d’historienne de l’art à l’UQÀM.

Esther Trépanier, directrice générale du Musée national des beaux-arts du Québec. Source iconographique: MNBAQ / (c) Benoît Camirand

(Communiqué) Québec, 2 mars 2011 – Esther Trépanier a annoncé ce matin qu’elle quittera le 8 avril la direction générale du Musée national des beaux-arts du Québec.

« Avec le début du chantier de construction du nouveau pavillon au printemps et la fin de l’année financière 2010-2011, le MNBAQ amorce une nouvelle étape de son histoire. Le moment est donc bien choisi pour le Musée de se doter d’une nouvelle direction », explique Esther Trépanier.

« Malgré mon attachement au Musée, à son public fidèle et assidu, et à la ville de Québec, je prends la décision de reprendre mes fonctions de chercheure et de professeure à l’Université du Québec à Montréal (UQAM). Je quitte le Musée fière d’avoir oeuvré avec passion à sa visibilité, à celle de ses expositions et de ses activités, ajoute-t-elle. J’aurai eu le privilège de travailler avec une équipe muséale dont le dynamisme et les compétences sont exceptionnels. Ensemble, nous aurons réalisé des projets qui, tout en s’inscrivant dans la mission du MNBAQ, auront également su apporter une nouvelle couleur à l’institution. J’aurai été heureuse de participer à la détermination de la programmation jusqu’en 2013, qui en sera une de grand cru », souligne Esther Trépanier.

La volonté d’Esther Trépanier de promouvoir l’art du Québec – de toutes les époques – s’est matérialisée à travers la présentation de stimulantes expositions, tant monographiques que thématiques. C’est également dans cet esprit qu’elle a créé une collection de publications consacrées aux nouvelles perspectives sur les arts au Québec. « Heureuse de ces réalisations, je souhaite maintenant poursuivre mon apport à la connaissance et à la diffusion de l’art québécois à travers mes recherches et mon enseignement universitaire », ajoute Esther Trépanier.

Mme Trépanier demeurera consultante pour le Musée national des beaux-arts du Québec sur des dossiers spéciaux jusqu’au 1er septembre 2011. Le conseil d’administration du MNBAQ désignera prochainement une personne qui assumera l’intérim.

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Esther Trépanier, directrice générale du Musée national des beaux-arts du Québec, lors du lancement de la programmation 2011

Le Musée national des beaux-arts du Québec a dévoilé sa programmation pour 2011.

Printemps

• Marc-Aurèle Fortin. L’expérience de la couleur
• William Brymner. Peintre, professeur et confrère (commencée en 2010)
• Chimère / Shimmer (commencée en 2010)

Été

• Napoléon Bourassa. La quête de l’idéal
• Les Ballets russes de Diaghilev. Quand l’art danse avec la musique
• Ying Gao. Art, mode et technologie

Automne

• Dans l’intimité des frères Caillebotte. Peintre et photographe
• Steichen. Glamour, mode et célébrités. Les années Condé Nast. 1923-1937
• Le cabinet d’images

Ainsi, ce sont sept nouvelles expositions qui seront présentées cette année au public sur les Plaines d’Abraham.

Détail de la programmation
Les expositions ont été organisées selon selon trois axes : l’art et la création vestimentaire, l’automne de la photo et l’art du Québec.

Sous le thème de l’art et la création vestimentaire, le Musée veut interroger le lien entre l’art et la mode. Plus précisément, on questionne la présence de la création artistique sur le vêtement.

Le meilleur exemple de cette approche se trouve dans Les Ballets russes de Diaghilev. Quand l’art danse avec la musique. Créés en 1909, les Ballets russes ont ébloui le public au fil des ans par leur mariage entre forme, couleur et mouvement. Les artistes ne s’y sont pas trompé puisque tant Picasso, Matisse que Braque ont collaboré à cette compagnie, de près ou de loin. Costumes, extraits de performances, accessoires constitueront le coeur de cette exposition. L’audio-guide sera offert sans frais pour le public, un choix judicieux.

Au même moment, la convergence des disciplines dans le travail des concepteurs de mode contemporains sera explicite avec Ying Gao. Art, mode et technologie. On y proposera quelques oeuvres de cette designer de mode.

À l’automne, Steichen offrira 225 oeuvres de cet artiste réalisées dans les années 1920 et 1930. Ce photographe, qui a participé à la «Photo-Secession» avec Alfred Stieglitz, gagnait sa vie au sein de l’empire Condé Nast. Il a croqué pour Vogue et Vanity Fair de nombreuses personnalités publiques. Ce sont ces clichés qui constitueront le coeur de l’exposition.

Le second axe est intitulé l’automne de la photo. Malgré un maladroit parallèle avec le Mois de la photo de Montréal – peut-on sortir de cette dynamique Montréal-Québec, merci beaucoup? – cette thématique plonge en plein coeur de cette pratique artistique.

Outre celle consacrée à Edward Steinchen, l’exposition la plus surprenante risque d’être Dans l’intimité des frères Caillebotte. Peintre et photographe. Pénétrant au coeur du XIXe siècle artistique en s’immisçant au sein de proches des impressionnistes, on offrira aux visiteurs une réflexion sur la problématique de «l’oeil de l’artiste». Il faut entendre par cette expression le désir de ces artistes de questionner leur point de vue en offrant des scènes en plongée, contre-plongée et autres points de vue inusités. À l’aide de photographies et de peintures des frères Caillebotte, on nous promet un questionnement sur la convergence entre l’oeil du peintre et l’oeil du photographe.

Pour sa part, Le cabinet d’images puisera dans les collections du MNBAQ. À la manière d’un cabinet de curiosités et sous le commissariat de Marie-Josée Jean, directrice de VOX image contemporaine, on créera un dialogue «transhistorique».

Comme dernier axe, l’art du Québec est à l’honneur avec des expositions consacrées Marc-Aurèle Fortin et Napoléon Bourassa. Chaque artiste est l’objet d’une exposition monographique.

Marc-Aurèle Fortin. L’expérience de la couleur, qui débute le 10 février prochain, offrira aux yeux des visiteurs une centaines d’oeuvres de l’artiste. Si le peintre est surtout connu pour ses paysages ruraux hautement colorés, ses scènes urbaines feront l’objet d’une attention particulière.

Avec Napoléon Bourassa. La quête de l’idéal, le MNBAQ entend dépoussiérer l’historiographie sur cet artiste majeur du Québec. Bourassa importe d’abord par la variété de ses activités : architecture, peinture, sculpture, dessin, critique d’art, enseignement. Il se trouve aussi au coeur d’une lignée intellectuelle importante dans l’histoire des francophones d’Amérique : son beau-père était Papineau, son fils fondera Le Devoir. Je possède peu de détails sur l’exposition qui «rendra compte de toutes les facettes de sa longue carrière et de sa riche production».

Opinion critique sur la programmation
Pour ma part, je vais laisser tomber ces axes. Plutôt, je choisis de rappeler la mission du MNBAQ :

Le Musée national des beaux-arts du Québec a pour fonctions de faire connaître, de promouvoir et de conserver l’art québécois de toutes les périodes, de l’art ancien à l’art actuel, et d’assurer une présence de l’art international par des acquisitions, des expositions et d’autres activités d’animation.

Il me semble que c’est à l’aune de cette définition légale de son mandat qu’il faut évaluer la programmation telle qu’elle a été conçue par l’équipe en place.

Ainsi, en suivant la définition de ses fonctions, le musée doit s’orienter selon deux axes.

Le premier concerne l’art québécois de toutes les périodes. Selon ce critère, le Musée remplit sa mission. Le printemps est entièrement consacré à des artistes québécois, l’été sera habité par Ying Gao et Napoléon Bourassa et une exposition de l’automne à saveur nationale s’installera sur les Plaines. De plus, l’année est animée à la fois par l’art historique et l’art contemporain.

Il me semble difficile de faire mieux puisque le MNBAQ doit également proposer des expositions selon un axe international, un aspect tout aussi présent dans la définition de sa mission. En choisissant les Ballets russes, les Frères Caillebotte et Steichen, l’institution remplit également ce mandat.

Quelle a été la place du MNBAQ dans l’organisation de chacune des expositions? L’an dernier, j’ai fortement critiqué la politique du Musée qui le transformait en simple lieu d’exposition. J’avais même rebaptisé notre institution le Centre d’exposition de Québec.

Rien de tel cette année.

Le Musée me semble peu intervenir dans les trois expositions de son volet international. Caillebotte est monté par Culturespaces, Steichen par des musées de Minneapolis et Lausanne et les Ballets russes par le Victoria and Albert Museum de Londres. Cet aspect de la programmation ne me déplaît pas.

Plutôt, j’aime beaucoup le fait que Napoléon Bourassa, Marc-Aurèle Fortin, Cabinet d’images et Ying Gao semblent provenir de l’imagination de nos conservateurs nationaux appuyés par des chercheurs indépendants. Selon moi, c’est là que devrait aller la majorité de nos efforts et c’est là qu’ils semblent aller cette année.

En fait, la programmation du MNBAQ m’enthousiasme grandement. Comme aux premiers jours d’un amour, l’avenir s’annonce joyeux et rempli de promesses de bonheur. C’est une grande amélioration comparativement à l’an dernier !

En outre, si on sent encore le goût d’Esther Trépanier, ancienne directrice de l’École de mode de Montréal, pour l’insertion de la mode au Musée, on est loin du dérapage que l’institution a connu l’an dernier avec Barbie. Que la programmation de l’institution soit colorée par la présence de sa directrice me semble tout à fait normal.

Au Québec, on n’en est plus à la question de savoir si la haute couture fait partie d’une démarche créatrice, mais plutôt si elle doit prendre la place de la peinture, de la sculpture et de l’architecture dans un musée consacré aux beaux-arts. Avec Ballets russes, on semble avoir trouvé un équilibre intéressant.

Si les expositions prises comme un ensemble m’apparaissent prometteuses, je ne sais pas si individuellement elles combleront mes attentes. Ça, c’est à chaque visite que je le saurai.

Précisément, je suis très curieux de voir le travail qui sera réalisé à l’occasion de Napoléon Bourassa. L’artiste est important et sa production riche. Il me semble que le Musée ne peut manquer son coup car s’il ne réussit pas à monter une exposition qui tienne la route, c’est que quelque chose va mal sur les Plaines d’Abraham. En effet, nous sommes là en plein coeur de son expertise.

J’ai également beaucoup d’attentes pour son catalogue qui devrait mettre à jour l’historiographie. Après un premier volume décevant, il s’agit selon moi d’une publication qui fera la crédibilité de la collection «Arts du Québec» comme outil de référence.

Finalement, je tiens à terminer ce billet sur une dernière appréhension. Je me demande quelle stratégie de communication le Musée va déployer pour attirer le public dans ses salles. En effet, j’ai confiance dans le fait que le public pourra trouver son compte dans chacune de ces expositions. Nous quittons enfin les événements du style De <insérer nom> à <insérer nom> faciles à oublier. Le public suivra-t-il? Le changement sera-t-il trop brutal?

L’offre gratuite de l’audio-guide pour les Ballets russes me semble une première étape encourageante qui indique la conscience du Musée à l’égard de cette difficulté. Pour ma part, j’ai l’impression que bien des gens sentiront que le Musée sera discret cette année. Je me demande même si, avec la construction de la nouvelle aile, certains ne penseront pas qu’il est fermé. Je crois qu’il s’agit là d’un énorme défi de promotion à relever.

En bref ?

Bravo !

Le Musée national des beaux-arts du Québec propose une programmation variée qui respecte son mandat. Les expositions, si elles sont bien montées, possèdent le potentiel d’être pertinentes, intéressantes et enrichissantes. Le public de Québec suivra-t-il? Telle est la question. Mais dans tous les cas, on ne pourra pas reprocher au MNBAQ de ne pas avoir essayé.

Madeleine Poliseno-Pelland et Alfred Pellan. Source: Archives de la famille Pellan.

(Communiqué) Québec, le 29 septembre 2010 – Madeleine Poliseno-Pelland (veuve d’Alfred Pellan, artiste) s’est éteinte ce lundi 27 septembre à Laval. Le Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ) salue la mémoire de cette amie de longue date, une personne grandement impliquée dans la diffusion de l’art d’ici.

Pendant plus de 20 ans, elle aura veillé sur le legs artistique de Pellan, sur ses archives et sur son riche fonds documentaire. Elle aura soutenu les prêts d’oeuvres de son défunt mari afin de rappeler sans relâche l’actualité de son travail. Tout en veillant scrupuleusement au respect des droits d’auteur de Pellan, elle a multiplié les dons généreux non seulement pour les causes humanitaires qui lui tenaient à coeur, mais également pour faire en sorte que des volets longtemps négligés de l’oeuvre de ce grand artiste soient mieux diffusés.

«Peu avant son décès, malgré sa maladie, elle a pris la peine de me faire part du plaisir qu’elle avait eu de recevoir notre ouvrage sur les femmes artistes du Québec au XXe siècle, raconte Esther Trépanier, directrice générale du MNBAQ. Elle me confiait avoir été particulièrement heureuse de constater que nous faisons place aux femmes qui avaient travaillé dans le groupe proche d’Alfred Pellan ou qui avaient été signataires, en 1948, de son manifeste Prisme d’Yeux.»

«Madeleine Poliseno-Pelland aura incarné de façon exemplaire l’idéal de ces femmes visionnaires qui, après avoir accompagné et inspiré de grands artistes, auront su mieux que quiconque servir leur mémoire et continuer de mettre de la couleur dans nos vies», ajoute John R. Porter, président de la Fondation du MNBAQ.

L’exposition Pellan, organisée par le Musée national des beaux-arts du Québec, poursuit sa tournée québécoise. Elle est présentée au Centre d’exposition de l’Université de Montréal, du 8 septembre au 12 décembre 2010, et au Musée minéralogique et minier de Thetford Mines, du 5 février au 24 avril 2011.

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L’art et l’histoire sont au rendez-vous cette mini-série portant sur trois expositions issues des collections du Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ).

Esther Trépanier, directrice générale de la prestigieuse institution muséale, guide le téléspectateur à travers les différentes salles et commente, avec tout l’enthousiasme qu’on lui connaît, les pièces des expositions.

La série Expositions, c’est une invitation lancée aux téléspectateurs pour revisiter l’histoire de l’art du Québec, un sujet passionnant et inspirant. (source: Canal Savoir)

Ajout du mercredi 15 septembre 2010 à 20h00

Je viens de terminer l’écoute de cette première émission d’Expositions. Le niveau du propos se situe à mi-chemin entre le catalogue scientifique et le cartel qui accompagne les tableaux. Il s’agit d’un bel équilibre pour le Canal Savoir.

Les points positifs
Il me semble absolument génial qu’un réseau de télévision diffuse une émission qui parle de peinture québécoise à une heure de grande écoute. C’est le Canal Savoir, certes, mais c’est un pas dans la bonne direction. Prochaine cible: artv! Je me mets déjà à rêver à une future collaboration qui mettrait l’accent sur les oeuvres présentes dans la collection permanente du MNBAQ. * soupir *

Aussi, Esther Trépanier tire plutôt bien son épingle du jeu en tant qu’animatrice ; je suppose que c’est à ce moment que se voient les années d’expérience comme professeure à l’UQÀM.

Finalement, il me semble important de mentionner la bonne qualité des images et de l’infographie.

Les points négatifs
En toute franchise, je n’en vois pas vraiment, sinon qu’il s’agit d’un concept quelque peu didactique – mais nous sommes au Canal Savoir, pas chez V Télé.

Le pinaillage
La différence entre le pinaillage et les points négatifs, c’est qu’il s’agit de petits détails sans grande conséquence. Dans le cas présent, j’ai eu trois petits irritants.

Le premier, ce fut lorsque madame Trépanier a encore une fois blâmé le manque d’argent pour exprimer les limites du MNBAQ. On sait que notre musée ne roule pas sur l’or, mais il s’agit d’une excuse un peu facile que j’entends souvent. D’ailleurs, je ne connais pas beaucoup de musées qui roulent sur l’or en 2010. Alors que les gouvernements vont commencer à imposer des compressions budgétaires aux contribuables et que le MNBAQ va construire durant les prochaines années un agrandissement de 90M$, je ne suis pas convaincu qu’il s’agisse d’un discours judicieux.

Le second, ce fut de l’entendre parler du Musée national des beaux-arts du Canada. Il existe un Musée des beaux-arts du Canada et un Musée national des beaux-arts du Québec, mais pas d’hybride – du moins, pour l’instant. Lapsus.

Le dernier, ce fut cette confusion entre Israélites et Israéliens lorsqu’elle parlait de la presse des années 1930 et 1940. Faire un lien avec la géographie alors que l’état d’Israël n’existe pas et que le terme Israélite est utilisé depuis des siècles pour parler des enfants de Jacob m’a semblé un peu déplacé venant de la bouche de la commissaire d’une exposition sur les peintres juifs.

Dans ces trois cas, il faut probablement blâmer les conditions d’enregistrement qui ne permettaient certainement pas le nombre de reprises nécessaires pour corriger tous ces petits défauts. Ce n’est pas un blogue, après tout!  Moi, au moins, j’ai la chance de pouvoir continuellement revenir sur mes textes pour en camoufler les erreurs!

Somme toute, une bonne émission que je vais continuer à suivre.

Le premier épisode est en rediffusion le jeudi 16 septembre 2010 à 11h00, le vendredi 17 septembre 2010 à 3h30, le samedi 18 septembre 2010 à 10h30 et le mercredi 3 novembre 2010 à 19h30. Programmez vos magnétos!

Irene F. Whittome, L'Oeil, 1970. Sérigraphie, ouate et boîtier, 62,4 x 52,3 x 10,8 cm. Coll. MNBAQ. © Irene Whittome / Sodrac (2010)

(Communiqué) Québec, le 16 juin 2010 – 50 femmes artistes. 110 oeuvres marquantes réalisées entre 1965 et 2000. Pendant ces 35 ans, les femmes s’impliquent dans les grands mouvements artistiques du moment. Elles portent un regard critique sur le monde qui les entoure et sur elles-mêmes. Elles s’engagent, se libèrent, s’affirment. Elles font éclater les frontières…

Femmes artistes. L’éclatement des frontières, 1965-2000 fait suite au premier volet de l’exposition présenté l’été dernier. La conquête d’un espace, 1900-1965 réunissait les oeuvres de femmes qui ont revendiqué le statut d’artistes professionnelles. Le Musée national des beaux-arts du Québec propose aux visiteurs de poursuivre cette formidable épopée pendant la saison estivale.

L’exposition réunit peintures, sculptures, installations, photographies et vidéos de femmes parmi les plus célébrées sur la scène artistique québécoise, telles Raymonde April, Claudie Gagnon, Betty Goodwin, Diane Landry, Francine Larivée, Jana Sterbak et Irene F. Whittome.

La sélection des oeuvres a été effectuée parmi les quelque 2 600 oeuvres d’artistes femmes de la collection du Musée national des beaux-arts du Québec.

Femmes artistes du XXe siècle. Collection du Musée national des beaux-arts du Québec, un livre de 300 pages, abondamment illustré, est publié à l’occasion de cette exposition. Esther Trépanier, directrice générale du MNBAQ, a rédigé l’essai portant sur les années 1900 à 1965, et Pierre Landry, commissaire de l’exposition et conservateur de l’art contemporain au MNBAQ, l’essai relatif aux années 1965 à 2000. Le livre, premier ouvrage de la collection « Arts du Québec », propose également 101 biographies d’artistes québécoises.

L’EXPOSITION
Afin de souligner son entrée en fonction à la direction du Musée national des beaux-arts du Québec, Esther Trépanier a souhaité célébrer le travail que les femmes artistes du Québec ont accompli au cours du XXe siècle pour conquérir leur place et être reconnues dans le monde des arts visuels.

La collection du MNBAQ est riche de plus de 2 600 oeuvres réalisées par des femmes. Une première sélection a donné lieu à l’exposition Femmes artistes. La conquête d’un espace, 1900-1965, tenue au Musée à l’été 2009 et présentée au Musée d’art de Joliette jusqu’au 29 août 2010.

La seconde exposition couvre la période 1965-2000. Elle se concentre sur l’éclatement des frontières sociales et artistiques qui, dans la foulée du féminisme, a caractérisé la démarche de plusieurs femmes artistes à cette époque. De diverses manières, les oeuvres réunies mettent en question la vision binaire du monde qui, en art, peut prendre la forme d’oppositions souvent réductrices : abstraction/figuration, forme/contenu, art formaliste/art engagé, etc.

L’ouvrage qui accompagne ces deux expositions, premier titre de la nouvelle collection « Arts du Québec » lancée par le Musée, présente 100 artistes, 100 ans d’histoire et plus de 200 oeuvres!

Louise Robert, No. 311, 1977. Acrylique, graphite et pastel sur toile, 111,8 x 151,8 cm. Coll. MNBAQ.

FIGURES DU CORPS
L’opposition entre abstraction et figuration constitue, durant la majeure partie du XXe siècle, une des principales forces motrices de l’histoire de l’art, en particulier dans le domaine de la peinture. À partir des années 1960, de nouvelles formes d’art (tels les happenings) voient le jour en réaction à la position dominante qu’occupe alors la peinture abstraite. Mais cette contestation s’exprime également au sein même de l’art pictural, à travers des oeuvres dont la forme et le propos vont au-delà de l’opposition abstraction/figuration.

C’est le cas des oeuvres de cette section, qui ne sont ni strictement abstraites, ni véritablement figuratives et qui, de diverses manières, entretiennent toutes un rapport étroit avec le corps. Qu’il prenne une apparence vaguement anthropomorphe, qu’il s’incarne en des motifs ambigus ou dans des traces ressemblant à une écriture, le corps fait ici figure d’interface entre des tendances longtemps réputées opposées.

Jocelyne Alloucherie, Oeuvres de sable (Les Déserts No. 1), 1999. Cèdre, acajou, plâtre et sable, 178 x 177 x 46 cm. Coll. MNBAQ, achat grâce à l'appui du Conseil des arts du Canada dans le cadre de son programme d'aide aux acquisitions

D’UNE CHOSE, L’AUTRE
À partir des années 1970, plusieurs femmes artistes mettent en question les visées puristes inhérentes à l’art minimal et à certaines oeuvres relevant de l’art conceptuel. Dans leur pratique, l’émotion naît des légers changements de perspective opérés devant des réalités autrement réputées « froides », systématiques ou impersonnelles.

Bien que caractérisé, à première vue, par une certaine retenue, leur travail dénote une acuité renouvelée, un sens accru de la nuance. Une simple intervention, par ajout ou détournement, sur un objet utilitaire ou sur une forme géométrique, y fait émerger une dimension poétique. De même, la répétition d’une action ou d’un motif, plutôt que d’épuiser le sens, fait naître l’amorce d’une narration, d’un récit.

Les oeuvres de cette section – comme celles de l’ensemble de l’exposition – ne proposent ni table rase, ni moment inaugural. Au contraire, elles s’élaborent toutes à partir de données préexistantes, qu’il s’agisse d’une expérience personnelle, d’un aspect de l’histoire de l’art ou d’une réalité sociale.

Angela Grauerholz, Hôtel, 1989. Cibachrome, Tirage de 3, 122 x 164 cm. Coll. MNBAQ, don de Pierre Bourgie

LE REGARD INTROSPECTIF
La notion d’introspection peut paraître quelque peu anachronique au regard des valeurs privilégiées par le monde de l’art contemporain, parmi lesquelles l’audace et l’avant-gardisme. Elle semble impliquer un repli sur soi, une abdication. Pourtant, le processus introspectif procède également – voire avant tout – d’une démarche d’observation et d’analyse visant à la connaissance. Le travail de mise à distance qui lui est propre, plutôt que d’entraîner une renonciation au monde extérieur, peut au contraire mener à une prise de conscience des différents facteurs qui influencent notre perception.

Le regard introspectif ne s’oppose pas vraiment au projet moderniste. Il en reprend la dimension autocritique, dont il rejette toutefois le caractère exclusif au profit d’un investissement affectif pleinement assumé. Ainsi, par le biais du souvenir et de l’évocation, les artistes de cette section proposent, sur un ton alliant rigueur et poésie, une réflexion sur les codes de la représentation.

Claire Beaugrand-Champagne, Les demoiselles Rousseau, de la série Disraeli, une expérience humaine en photographie, 1972. Épreuve à la gélatine argentique, 17,2 x 10,8 cm. Coll. MNBAQ, don de l'artiste, collectif de l'imagerie populaire

LE DOCUMENTAIRE ET AU-DELÀ
Souvent associée à la photographie, l’approche documentaire a longtemps été perçue comme une quête d’authenticité et de vérité, une impression qui n’est pas étrangère au caractère prétendument neutre du procédé photographique.

S’il est vrai que la photographie entretient un rapport de proximité avec le réel, il n’en demeure pas moins que les apparences, comme on le sait, sont souvent trompeuses et que quantité de facteurs (le point de vue, le cadrage, les contextes de réalisation et de perception, etc.) entrent en ligne de compte dans l’élaboration d’une image dont on persiste à croire qu’elle est fidèle…

Cette tension est au coeur des oeuvres réunies ici, qui témoignent d’une volonté de saisie directe de la réalité tout en affichant leur nature hybride, parfois mêlant données biographiques et fictionnelles, parfois teintée de la charge expressive propre à la technique utilisée (photographie, vidéo, dessin) ou au processus de travail lui-même.

Claudie Gagnon, Le secret, 1996. Bois, carton et objets trouvés, 76 x 58,5 x 18 cm (l'ensemble). Achat pour la collection Prêt d'oeuvres d'art en 1997, transfert à la collection permanente du MNBAQ

L’HUMOUR
L’humour peut assumer différentes fonctions : canaliser une charge critique, exorciser une menace, marquer une résistance… Mais il a bien sûr comme but premier de faire rire. En ce sens, il est source de plaisir et recèle un indéniable potentiel libérateur, comme l’ont fait remarquer certains discours féministes.

En raison de cette dimension émancipatrice, l’humour échappe généralement aux codes de la bienséance tout comme aux voies de l’endoctrinement. C’est pourquoi, même s’il semble parfois endosser certaines causes, l’humour, généralement, ne dénonce ni ne célèbre. Et c’est pourquoi, souvent, il dérange.

Les oeuvres réunies ici empruntent à différentes formes d’humour – caustique, caricatural, absurde… Mais qu’elles parlent d’un épisode historique ou des petits drames quotidiens, de nos rapports troubles aux stéréotypes ou des rituels de la vie, ces oeuvres affichent toutes une certaine forme d’excès, qui n’est pas sans rapport avec un désir de liberté.

Dominique Blain, Stars and Stripes, 1985. Sérigraphie sur toile, 310 x 172 cm. Coll. MNBAQ

LE REGARD POLITIQUE
On est parfois tenté d’évaluer la portée politique d’une oeuvre selon ce quiy y est représenté : scène de violence, situation d’iniquité, contexte d’exploitation, etc. Sans nier le bien-fondé de la référence au social, les oeuvres de cette section abordent la question politique du point de vue de la forme avant tout, en s’interrogeant sur la façon dont le regard se construit et, le cas échéant, accède à la conscience. À partir de réalités qui, à première vue, ne sont pas forcément politiques, elles proposent, par la juxtaposition, la répétition, la mise en scène, etc., de capter le regard pour l’amener à percevoir des dimensions politiques sousjacentes.

Cette prise de conscience est au coeur de L’OEil, d’Irene F. Whittome, qui montre un oeil féminin – en réalité, un détail photographique d’un portrait peint du XVe siècle – qui nous regarde le regarder. OEuvre emblématique de toute une tradition critique féministe, comme veut le souligner sa position à l’entrée de cette salle, L’OEil met en scène le fait même de regarder et, implicitement, les relations de pouvoir s’y rattachant.

LES CRÉDITS
L’exposition Femmes artistes. L’éclatement des frontières, 1965-2000 est réalisée par le Musée national des beaux-arts du Québec à partir de sa collection permanente, d’après une idée originale d’Esther Trépanier, directrice générale du Musée.

• Direction du projet : Line Ouellet, directrice des expositions et des publications scientifiques, Musée national des beaux-arts du Québec
• Commissariat : Pierre Landry, conservateur de l’art contemporain (1950-2000), Musée national des beaux-arts du Québec
• Coordination des opérations : André Sylvain, Musée national des beaux-arts du Québec
• Design : Denis Allison
• Graphisme : Paquebot Design

Le Musée national des beaux-arts du Québec est une société d’État subventionnée par le ministère de la Culture, des Communications et de la Condition féminine du Québec.

CATALOGUE

Femmes artistes du XXe siècle. Collection du Musée national des beaux-arts du Québec, un livre de 300 pages, abondamment illustré, est publié à l’occasion de cette exposition. Esther Trépanier, directrice générale du MNBAQ, a rédigé l’essai portant sur les années 1900 à 1965, et Pierre Landry, commissaire de l’exposition et conservateur de l’art contemporain au MNBAQ, l’essai relatif aux années 1965 à 2000. Le livre, premier ouvrage de la collection « Arts du Québec », propose également 101 biographies d’artistes québécoises. L’ouvrage est disponible à la Boutique du Musée au coût de 49,95 $.

AUTOUR DE L’EXPOSITION
Visites commentées
Visite de 60 minutes vous permettant d’explorer l’exposition avec un guide-animateur
Du 1er juillet au 4 septembre 2010 : les jeudis et samedis, à 13 h 30 et 15 h
Du 8 septembre au 10 octobre 2010 : les mercredis, à 13 h 30, 15 h et 18 h 30, et les samedis et dimanches, à 13 h 30 et 15 h / Gratuit avec le billet d’entrée à l’exposition

Visite spéciale
Visite spéciale de l’exposition en compagnie de Pierre Landry
Mercredi 15 septembre, 19 h 30 / Gratuit avec le billet d’entrée à l’exposition

Musée en herbe
Vive la couleur!
Du 4 au 26 septembre : les samedis et dimanches, à 13 h, 14 h 15 et 15 h 30 / 2 $ par enfant

Activité spéciale
Les journées de la culture 2010
Du 24 au 26 septembre / Gratuit

RENSEIGNEMENTS GÉNÉRAUX
Heures d’ouverture du Musée
Du 1er juin au 6 septembre : du lundi au dimanche, de 10 h à 18 h, et le mercredi jusqu’à 21 h
Dès le 7 septembre : du mardi au dimanche, de 10 h à 17 h, et le mercredi jusqu’à 21 h

Droits d’entrée
Adultes : 15 $ | Aînés : 12 $ | Membres CAA-Québec : 13 $ | Étudiants : 7 $ (moins de 30 ans) | Jeunes de 12 à 17 ans : 4 $ | Abonnés-Amis et jeunes de moins de 12 ans : gratuit

Pour nous joindre
418 643-2150 ou 1 866 220-2150 / www.mnba.qc.ca

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Sur la photo, de gauche à droite: Nicolas Sainte-Fare Garnot (conservateur du musée Jacquemart-André), Esther Trépanier (directrice du MNBAQ) et Bruno Monnier (président-directeur-général de Culturespace) lors de sa visite au musée Jacquemart-André en janvier dernier. Photo: Alexandre Fay

(Communiqué de presse) Québec, le 4 mars 2010 – Le vendredi 12 mars prochain s’ouvrira à Paris, au Musée Jacquemart-André, Du Greco à Dalí. Les grands maîtres espagnols. La collection Pérez Simón. Cette exposition – qui sera présentée à Québec à l’automne 2010 – est réalisée en coproduction entre le Musée national des beaux-arts du Québec et le Musée Jacquemart-André.

L’exposition propose un passionnant voyage esthétique et artistique à travers différentes époques et divers mouvements picturaux. Les oeuvres de grands maîtres espagnols anciens et modernes sont présentées, dont Le Greco, Murillo, Goya, Picasso, Miró et Dalí.

« Dans le contexte canadien, cette exposition revêt un caractère particulier puisque le Canada, ayant été à l’origine une colonie française avant de devenir une colonie britannique, possède fort peu de traces de la tradition artistique hispanique dans son patrimoine culturel, souligne Mme Esther Trépanier, directrice générale du MNBAQ. Du Greco à Dalí permettra aux visiteurs d’en apprécier toute la richesse et la diversité. Sans compter que cette exposition amorce un partenariat prometteur avec le dynamique Musée Jacquemart-André avec lequel nous sommes à concocter d’autres beaux projets ! »

Le Musée Jacquemart-André
Situé près des Champs Élysés, le Musée Jacquemart-André présente la plus belle collection privée d’oeuvres d’art de Paris, associée à l’atmosphère d’une grande demeure du XIXe siècle. Il propose au grand public de découvrir la passion d’Édouard André et de Neli Jacquemart et leur éblouissante collection de peinture flamande, du XVIIIe siècle français, de la Renaissance italienne, de mobilier et d’objets d’art… Propriété de l’Institut de France, le Musée Jacquemart-André est mis en valeur et géré par Culturespaces depuis 1995.

Du Greco à Dalí. Les grands maîtres espagnols. La collection Pérez Simón sera présentée du 7 octobre 2010 au 9 janvier 2011 au Musée national des beaux-arts du Québec. L’exposition est coproduite et organisée par Culturespaces et le Musée national des beaux-arts du Québec. Elle est réalisée grâce à la collaboration de la Fondation JAPS.

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La conférence pré-exposition du 30 janvier dernier – qui a fait salle comble – portait sur la période de la Révolution française jusqu’aux révolutions des avant-gardes du début du XXe siècle et sur les manières dont l’art repense la mode.

La présentation du 6 février traite de deux périodes : les années 1920 et les années 1960. Seront alors abordés la révolution de l’apparence féminine, la fin du règne de la haute couture et les nouveaux regards des créateurs de mode sur la tradition artistique. En conclusion, quelques réflexions sur la période contemporaine et le phénomène de la mode comme « objet d’art » et « objet de musée ».

Samedi 6 février, 14 h
Auditorium / Gratuit
RENSEIGNEMENTS (grand public) :
418 643-2150 ou 1 866 220-2150 / www.mnba.qc.ca

L’exposition Haute couture. Paris, Londres, 1947-1957. L’âge d’or est présentée au Musée national des beaux-arts du Québec du 4 février au 25 avril 2010.

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[Esther Trépanier.
Pour la photographie, © Benoit Camirand]

Les conférences du Musée national des beaux-arts du Québec commencent en force cette saison. En ce samedi après-midi où le froid polaire faisait crisper la neige sous nos pas, les mordus de création s’étaient donné le mot en envahissant l’auditorium du MNBAQ.

La salle était complète 15 minutes avant le début de la conférence. Deux rangées de sièges supplémentaires avaient été ajoutées sur le parterre. Les gens trépignaient d’impatience dans le couloir, déçus de ne pouvoir entrer. La demande était forte.

Esther Trépanier, directrice-générale du MNBAQ, n’a pas déçu. Son allocution a débuté par un plaidoyer pour la sortir du cadre. Il s’agit de cette campagne qui se déroule in situ au Musée pour recueillir des fonds afin de permettre à notre musée national d’acquérir une nouvelle oeuvre.

Puis, le plongeon dans les liens entre les arts visuels et la mode a débuté. Madame Trépanier, qui a été directrice de l’École supérieure de mode de Montréal et qui est une solide historienne de l’art, s’est plongée dans les XIXe et XXe siècles dans son exposé.

Elle a construit son allocution autour de trois temps forts: le néoclassicisme et la mode à l’antique, le symbolisme et quelques avant-gardes artistiques.

Quelques moments qui m’ont particulièrement marqué lors de la présentation:

• Les photographies de mode prises par Klimt
• La salle d’essayage d’une boutique de mode réalisée par Hoffman
• Les vêtements des Futuristes, plus particulièrement le travail de Balla
• Les Sportifs de Malevitch
• Tout le travail de Sonia Delaunay

J’ai particulièrement aimé la juxtaposition d’une diapositive d’un vêtement de Chanel réalisé en 1927-1929 avec ses différentes récupérations commerciales: patrons de mode conçus par Butterick, catalogue Eaton offrant le matériel pour se confectionner sa propre robe, catalogue de Sears avec des déclinaisons du vêtement original. Ah! Quel beau volet québécois d’une exposition internationale que ceci pourrait faire…

Pour pinailler un peu, mentionnons les titres en anglais (le peintre français David a peint Les Licteurs ramenant à Brutus les corps de ses fils et non The Licters Returning to Brutus the Bodies of his Sons) et la pauvre Élizabeth Vigée-Lebrun qui est rebaptisée Vigée Lebrun, comme si elle avait perdu son prénom.

Somme toute, un moment fort agréable.

Prochain rendez-vous: samedi prochain, le 6 février à 14h00, pour la suite chronologique de cet exposé en deux parties. Arrivez tôt!

Mode et art

Sur la question de la présence de la mode dans les musées d’art, elle partage avec madame Charette l’idée que nous sommes bien au-delà des distinctions entre l’art et la mode. Pour elles, la preuve en est que la mode a fait son entrée dans les grands musées d’art à travers le monde.

Personnellement, je n’ai aucun problème avec la mise en exposition des robes de la haute couture, et même des robes en général. La créativité adopte autant de formes qu’il existe de créateurs, et même plus.

Cependant, le Québec possède déjà un Musée du costume et du textile à Saint-Lambert, ainsi qu’un Musée de la civilisation à Québec. J’ose espérer que l’accent sera mis sur la création et sur l’aspect artistique dans cette exposition, comme on pourrait s’y attendre de la part de notre musée national des beaux-arts.

Madame Trépanier nous parle des liens très étroits entre les créateurs artistiques et les créateurs de mode pour expliquer sa présence dans les murs de notre musée. Ces liens seront-ils mis de l’avant dans Haute Couture?

Je vous tiendrai au courant de cet aspect la semaine prochaine au moment de son lancement.

Tout ce qui cloche avec Barbie

Sur l’exposition Barbie, Christiane Charette aborde la question de front, peut-être grâce à l’article du Devoir à ce sujet.

Madame Trépanier en minimise la portée en signalant qu’il s’agit d’un événement de la relâche scolaire pour les petites filles et qu’elles seraient bien tristes si l’exposition se terminait trop tôt.

D’abord, on signalera qu’elle parle de la semaine de relâche alors que l’exposition dure six semaines et peut-être plus, selon ses dires.

Des petites filles – et quelques garçons – qui veulent jouer à la poupée, c’est facilement compréhensible.

Que notre musée national adopte un objet qui est la cible de tant de controverses évidentes – racisme, anorexie, représentation erronée de la femme, surconsommation – et qu’il le mette entre les mains des petites filles, c’est moins compréhensible.

Peut-on critiquer le Musée national des beaux-arts du Québec à ce sujet? Je crois que oui.

Est-il le seul dans cette situation? Non. Le Children’s Museum d’Indianapolis présente – en collaboration avec Mattel – une exposition intitulée Barbie: The Fashion Experience depuis l’automne 2009. C’est aux parents de décider le modèle qu’ils veulent donner à leurs enfants.

Je trouve simplement regrettable que le Musée – dirigé par une femme – ne donne que ce choix-là. Ça vaut bien la peine de se démener pour nous montrer la place qu’occupent les femmes dans l’art québécois pour donner aux petites filles – et quelques garçons – Barbie en modèle.

Conférences de madame Trépanier

Esther Trépanier va donner deux conférences sur les liens entre la mode et l’art, les samedis 30 janvier et 6 février.

On a bien senti l’enthousiasme de la directrice-générale du Musée à ce moment. Elle parle des Futuristes et de bien d’autres mouvements artistiques qui influencent la mode.

Personnellement, j’ai déjà mis ces dates à mon agenda. En l’écoutant, je pourrai rêver du Musée qu’elle me fera voir sur sa présentation PowerPoint.

En guise de conclusion

D’abord, je crois que cette exposition aurait pu se tenir dans une autre institution, ma position étant que le Musée national des beaux-arts du Québec a déjà un mandat assez chargé.

Aussi, il me semble que le travail du critique est facilité grandement par le fait qu’il s’agit d’un montage réalisé voilà deux ans à Londres et dont on a abondamment parlé (voir plus bas).

Finalement, je pense que le problème avec les expositions produites ailleurs, c’est qu’elles ne nous permettent pas d’approfondir les connaissances de notre propre patrimoine, sauf si les fonds sont réinjectés dans la recherche et la mise en exposition des résultats émanant de ces recherches… Est-ce que ce sera le cas cette année? La question est ouverte.

Par contre, la créativité est toujours magnifique à observer, et c’est ce qui me motive dans cette exposition. J’ai donc hâte de franchir les portes du Musée, malgré tout.

L’exposition Haute couture. Paris, Londres, 1947-1957. L’âge d’or débute sur les Plaines d’Abraham dès le 4 février 2010.

L’entrevue réalisée par Christiane Charette avec Esther Trépanier est disponible sur le site de l’émission. Elle a été diffusée le 26 janvier 2010 à 10h11.

Afin d’alimenter votre esprit critique, je vous invite à lire:

• Sur l’aspect le plus controversé de cette exposition, soit le désir du Victoria & Albert Museum de placer Londres sur un pied d’égalité avec Paris
• Une entrée de blogue sur le succès de foule de l’exposition qui la déclare « most underwhelming and overpriced exhibition in London »
• Une critique qui mentionne l’absence de Chanel dans l’exposition, elle qui se présente comme l’anti-Dior en 1954

(Communiqué de presse) Québec, le 20 janvier 2010 – À l’occasion de l’exposition Haute couture. Paris, Londres, 1947-1957. L’âge d’or, Esther Trépanier, directrice générale du Musée national des beaux-arts du Québec, offre une conférence en deux volets, abordant quelques exemples des rapports multiples qui se sont tissés entre l’art et la mode aux XIXe et XXe siècles.

La conférence pré-exposition du 30 janvier porte sur la période de la Révolution française jusqu’aux révolutions des avant-gardes du début du XXe siècle et sur les manières dont l’art repense la mode.

La présentation du 6 février traite de deux périodes : les années 1920 et les années 1960. Seront alors abordés la révolution de l’apparence féminine, la fin du règne de la haute couture et les nouveaux regards des créateurs de mode sur la tradition artistique.

En conclusion, quelques réflexions sur la période contemporaine et le phénomène de la mode comme « objet d’art » et « objet de musée ».

Les samedis 30 janvier et 6 février, 14 h
Auditorium / Gratuit
RENSEIGNEMENTS (grand public) :
418 643-2150 ou 1 866 220-2150 / www.mnba.qc.ca

L’exposition Haute couture. Paris, Londres, 1947-1957. L’âge d’or est présentée au Musée national des beaux-arts du Québec du 4 février au 25 avril 2010.

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Passionnée d’histoire de la mode, la directrice générale du Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ), Esther Trépanier, croit que le déclin de la haute couture ne date pas d’hier [...]

L’exposition dont l’article fait mention est Haute Couture. Paris, Londres, 1947-1957. L’âge d’or qui débutera sur les Plaines d’Abraham en février 2010.

Esther Trépanier, directrice du Musée national des beaux-arts du Québec, présentant l’exposition en quelques mots.

Archétype du salon québécois, Le Salon à Rita nous accueille devant la salle 9

Aperçu de l’organisation de la salle d’exposition, à la manière d’un cabinet de curiosités

Affiche et objets sont au rendez-vous. Ici, l’affiche Et si on perdait la boule d’Yves Adam (2000) et le tabouret Le Gonflé de Diane Bisson (1998)

Le design fonctionnel est aussi en vedette, avec ce soulier Spider-Boot contre les mines antipersonnel de Gad Shaanan Design (1998) et le moniteur pour nouveaux-nés Angelcare de Michel Dallaire (1998)

Affiches et objets du quotidien sont à l’honneur

Le catalogue de l’exposition contient une réflexion de Bernard Arcand sur le design ainsi que des textes de Paul Bourassa, Marc H. Choko, Odile Hénault et Sylvie Berkowitz qui posent les jalons de l’histoire du design au Québec. Toutes les oeuvres de l’exposition sont reproduites à raison d’une oeuvre par page.

La Faculté de médecine de l’Université Laval célèbre durant tout le mois de novembre le médecin canadien Norman Bethune.

La directrice du Musée national des beaux-arts du Québec, Esther Trépanier, propose le jeudi 12 novembre dès 19 h 00  une conférence intitulée Béthune et le milieu de l’art.

L’événement sera filmé et diffusé par la suite les vendredi 20 novembre et jeudi 26 novembre.

Avis aux intéressés et aux intéressées !

• Voir l’horaire des conférences vidéo
• Voir l’affiche de la soirée Grand public
• Voir un plan du campus pour s’y retrouver

C’est à l’intersection de ces trois sphères que se situe la nouvelle exposition du Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ). Intitulé Le nu dans l’art moderne canadien 1920-1950, l’événement est proposé jusqu’au 3 janvier 2010 pour ensuite se déplacer vers l’Ouest canadien (Calgary, Winnipeg).

[Mise en scène sous la rotonde qui distribue les deux salles de l'exposition]

Dans la rotonde séparant les deux salles de l’exposition, le visiteur est accueilli par deux sculptures  qui agissent comme repères chronologiques. D’une part se trouve Déesse d’Alfred Laliberté (1923), d’autre part Femme accroupie de Charles Daudelin (1947). La période couverte est posée.

Le parcours débute dans la salle 5. Les thèmes sont énoncés sur des panneaux discrets. Quelques lignes nous indiquent le fil conducteur des oeuvres entre elles. Le visiteur vogue entre Se libérer de la tradition, Variations sur le dos et le torse, Le nu en plein air. Dans la salle 6, ce sont les thèmes de La crise de l’image, L’artiste et le modèle, La vie contemporaine et la nudité et En temps de guerre qui ponctuent le parcours.

En toute franchise, ces thèmes m’apparaissent être des constructions muséales un peu artificielles. Je suis un peu bête; il faudrait bien qu’on m’explique ce qui justifie que les gravures sur bois de Cecil Buller se retrouvent dans Se libérer de la tradition plutôt que dans La vie contemporaine et la nudité. Les exemples de ce type sont nombreux.

[Cecil Buller, Je ferai le tour de la ville, et je chercherai dans les rues celui qui est bien-aimé de mon âme, du livre d'artiste Cantique des Cantiques, 1931, gravure sur bois, 24/80, 33x28,3 cm, Don anonyme, Musée national des beaux-arts du Québec, Québec]

Deux thématiques me semblent fonctionner un peu, soit celles qui situent le sujet nu dans la société. La vie contemporaine et la nudité renferme des oeuvres riches en sens, comme Elle était assise sur une colline dominant la ville de Henry George Glyde (1940) ou Descente de croix de Frederick Hagan (1948). À l’aide de la nudité, chacune de ces pièces tient un discours sur la société qui les a produites.

[Henry George Glyde, Elle était assise sur une colline dominant la ville, 1940. Caséine sur panneau de fibre de bois, 31,7 x 48,2 cm. Don de Helen Collinson, 1981. Glenbow Museum, Calgary]

Dans un ordre d’idée similaire, il est difficile de rester indifférent devant le Bain mobile de George Pepper (avant 1944). Produite durant la Seconde Guerre mondiale, la toile illustre des soldats se douchant, au front.

Il me vient à l’esprit Baudelaire qui, dans Le peintre de la vie moderne, décrit ainsi les peintres qui l’intéressent:

[...] or, c’est à la peinture des moeurs du présent que je veux m’attacher aujourd’hui. Le passé est intéressant non seulement par la beauté qu’ont su en extraire les artistes pour qui il était le présent, mais aussi comme passé, pour sa valeur historique.

Il en est de même du présent. Le plaisir que nous retirons de la représentation du présent tient non seulement à la beauté dont il peut être revêtu, mais aussi à sa qualité essentielle de présent.

La modernité, c’est réussir à puiser dans le temps présent son inspiration, et ces deux sections l’illustrent merveilleusement.

Il faut bien admettre qu’une construction thématique permet d’organiser toutes les oeuvres, malgré son caractère purement artificiel. C’est que les tableaux, photographies, gravures, sculptures qui nous sont offerts démontrent par dessus tout l’extrême richesse de l’art canadien. C’est, selon moi, le principal intérêt de cette exposition. Nous sommes dans une explosion des formes artistiques, où le corps humain est utilisé comme objet d’études parmi tant d’autres.

En l’absence d’un fil conducteur solide, il faut se rabattre sur les oeuvres. Dans ce domaine, les amateurs d’art ne seront pas déçus. J’ai quelques coups de coeur, vous aurez certainement les vôtres. Je ne cite que John Lyman, Alfred Pellan, Jean Dallaire, Lilias Torrance Newton… Ouf! Je fournis quelques reproductions que le personnel du Musée m’a gentiment fait parvenir.

[John Lyman, Jeune homme indolent, vers 1922. Huile sur toile, 74 x 91,9 cm. Musée national des beaux-arts du Québec, Québec]

[Alfred Pellan, Nu de femme, vers 1935. Huile sur carton, 24,6 x 20 cm. Achat, Musée national des beaux-arts du Québec, Québec]

[Lilias Torrance Newton, Nu, 1933. Huile sur toile, 203,2 x 91,5 cm. Collection particulière]

Cette exposition possède cependant des lacunes importantes. Selon moi, des thèmes sont récurrents parmi les oeuvres et ils n’ont pas été (assez) exploités.

Un premier thème peu traité est la différence entre le nu, le dévêtu et la pornographie. Cette exposition aurait pu être un beau lieu de réflexion sur ces sujets. Il n’en est presque rien. Vous ne sortirez pas de l’exposition plus éclairés sur le sujet, sinon un seul paragraphe dans La vie contemporaine et la nudité. Où débute la nudité? Pourquoi les femmes en sous-vêtements de Ronald York Wilson (Les Coulisses, 1946) sont-elles incluses nues dans cette exposition? Le lien est faible.

Un autre thème que j’aurai aimé voir mieux exploité est le nu académique. Il me semble que la section L’artiste et le modèle aurait bénéficié d’une véritable pierre d’assise en solidifiant l’académisme. D’ailleurs, quand on s’y arrête, est-ce que toutes les oeuvres de l’exposition ne sont pas à classer dans cette catégorie, comme s’il pouvait y avoir oeuvre sans artiste et son modèle? Mais bon, je digresse. Telle qu’on nous la présente, la modernité joue sur la rupture; encore faudrait-il savoir par rapport à quoi on se distingue. Une belle approche en ce sens aurait pu être l’explication de cette pose qui revient continuellement dans les nus exposés, soit la femme allongée au bras levé.

Plus grave me semble être l’oubli de la censure. Comment traiter du nu dans l’art canadien sans exploiter ce sujet? Cela me semble inconcevable. On me répondra que certains cartels mentionnent la censure dont des oeuvres ont été victime. Justement. Regroupons ces oeuvres ensemble et explorons ce thème. S’il existe un sujet qui s’y prête bien, n’est-ce pas celui de la nudité? Il s’agit, selon moi, de l’occasion ratée la plus importante de cette exposition.

Finalement, les différences entre les artistes francophones et anglophones sont peu abordées. Peut-être est-ce dû au fait que l’exposition voyagera dans l’Ouest et à la présence de deux commissaires? Ici, la société distincte est bien peu soulignée.

En bref, il s’agit d’une exposition comportant certaines oeuvres puissantes. L’organisation de l’exposition selon les thèmes choisis m’apparaît parfois faible et certains sujets auraient pu être mieux abordés. Au bout du compte, il s’agit d’une exposition à voir, ne serait-ce que pour se faire sa propre opinion et me contredire.

Coups de coeur

• Les nus endormis, où les modèles couchés semblent si paisibles (Charles Maillard, Louis Muhlstock, John Lyman, Randolph S. Hewton, etc.)
• Le grand Nu de Lilias Torrance Newton, au pubis luxuriant, aux sandales vertes intrigantes et au visage découpé
• Les couleurs du Suzor-Coté
• La photographie Liberté d’Harold F. Kells de laquelle se dégage une humanité simple et touchante

Coups de pied

• Mais qu’est-ce que c’est que cette couleur saumon qu’on nous a mise dans la salle 6?
• Les thèmes me semblent trop aléatoires
• Le peu de présence de l’art académique et de la censure dans une exposition portant sur la nudité

Informations pratiques

• L’exposition Le nu dans l’art moderne canadien, 1920-1950 se déroule jusqu’au 3 janvier 2010.
• Le coût d’entrée est fixé à 15 dollars. Il existe des tarifs réduits.
• Le catalogue a été imprimé en France, où il sera distribué. On y trouve trois articles scientifiques (Le défi du nu de Michèle Grandbois, Déjouer les conventions de la nudité dans l’art canadien d’Anna Hudson et Une réflexion sur le nu dans la modernité artistique au Canada d’Esther Trépanier) et les reproductions de toutes les oeuvres proposées dans l’exposition. Il est dispendieux (49,95$+tx), mais bon, vous aurez entre les mains un produit italien. On y trouve cette fâcheuse tendance à vouloir accoucher de la modernité au Canada en 1913, ce avec quoi je ne suis pas d’accord, mais bon…
• L’exposition sera proposée au Glenbow Museum of Calgary du 23 février au 25 avril 2010 et à la Winnipeg Art Gallery du 20 mai au 8 août 2010

Je vous propose quelques images supplémentaires de l’exposition, croquées lors de la visite de presse.

[Les commissaires de l'exposition Anna Hudson (gauche) et Michèle Grandbois (droite) s'arrêtent devant Femme sous un arbre de Prudence Heward (1931)]

[Vue sur Souvenirs du passé de John W. Russell (1930)]

[Mise en scène de la salle 5]

[Robert Tait McKenzie, Sphère volante, 1920]

[Toujours dans la salle 5, Nu de couleur de Dorothy Stevens (1932) et Jeune homme indolent de John Lyman (1922) ]

[Aperçu de la salle 6 à la chair saumonée]

[La famille de Robert Roussil (1949)]

(Communiqué de presse) Québec, le mardi 8 septembre 2009 – Les 31 août et 1er septembre derniers, le jury du concours international d’architecture du Musée national des beaux-arts du Québec s’est réuni à Québec, conformément à l’échéancier prévu, afin de sélectionner les 15 firmes d’architecture qui seront invitées à passer à la prochaine étape du concours.

Les sept membres du jury ont d’abord désigné parmi eux un président, leur choix unanime se portant sur M. Charles-Mathieu Brunelle, directeur général des Muséums nature de Montréal et représentant du milieu culturel. Outre M. Brunelle, rappelons que le jury est composé de deux architectes à l’international (Mme Nasrine Seraji, architecte et urbaniste, Atelier Seraji Architectes et associés, et directrice de l’École nationale supérieure d’architecture de Paris Malaquais, ainsi que M. Xaveer De Geyter, architecte principal de la firme XDGA Architecten à Bruxelles), d’un architecte du Québec (M. André Bourassa, architecte et président de l’Ordre des architectes du Québec), d’un représentant du milieu universitaire (M. Jacques White, architecte, École d’architecture de l’Université Laval) et de deux représentants du Musée national des beaux-arts du Québec (Mme Esther Trépanier, directrice générale du MNBAQ, et M. John R. Porter, président de la Fondation du MNBAQ et commissaire du projet d’agrandissement). M. Peter Murphy, architecte à la Direction de l’aménagement du territoire de la Ville de Québec, agit quant à lui à titre de membre suppléant.

La sélection s’est révélée aussi exigeante que passionnante en raison d’une forte participation au concours. Le Musée a reçu 108 inscriptions émanant de 19 pays. Sur ce nombre, 76 firmes ont respecté l’échéance du 28 août 2009 pour déposer leur dossier de candidature. Ultimement, 70 candidatures se sont révélées recevables et ont fait l’objet d’une analyse par le jury en fonction des différents critères d’évaluation prévus dans le Règlement du concours. Les membres du jury et le Musée national des beaux-arts du Québec tiennent à remercier l’ensemble des équipes participantes de leur intérêt envers le projet et pour la qualité de leurs présentations.

LES ÉQUIPES SÉLECTIONNÉES (par ordre alphabétique)

• Barkow Leibinger architeken/lmrey Culbert architectes (Berlin, New York)
• Behnsich architekten (Stuttgart, Allemagne)
• Big/FA (Fugère arch) (Copenhagen, Danemark)
• Brasil Arquitetura (São Paulo, Brésil)
• Brière, Gilbert et associés/Nieto Sobejano (Montréal, Québec)
• Consortium Côté, Leahy, Cardas/Adjaye associates (Québec, Québec)
• Croft/Plante/Hudon, Julien (Québec, Québec)
• Fichten Soiferman et associés/Allied Works architects (Montréal, Québec)
• Gigon Guyer architects (Zurich, Suisse)
• Groupe ARCOP/David Chipperfield architects (Londres, Angleterre)
• KUMA Associates (Tokyo, Paris)
• Les architectes GLCRM/KPMB (Québec, Québec)
• OMA, R. Koolhaas (Rotterdam, Hollande)
• Saucier Perotte/Bélanger, Beauchemin, Morency (Montréal, Québec)
• WHY architecture Culver City (Californie, États-Unis)

La répartition géographique des équipes sélectionnées est la suivante : Québec (6), Allemagne (2), Angleterre (1), Brésil (1), Danemark (1), États-Unis (1), Hollande (1), Japon (1), Suisse (1).

LA PROCHAINE ÉTAPE
La prochaine étape du concours international d’architecture, une première à Québec rappelons-le, se déroulera à la fin novembre alors que le jury sera appelé à choisir 5 finalistes parmi les 15 firmes qui viennent d’être sélectionnées.

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Vous avez un communiqué de presse en arts visuels/patrimoine à Québec?
Envoyez-le-moi: calendrier [À] marcgauthier [POINT] com.

* Le Musée d’art contemporain de Montréal a une nouvelle directrice. Paulette Gagnon prend la barre de l’institution après plusieurs mois d’incertitude. Sa vision pour l’institution est pour le moins floue.

* À l’occasion de cette nomination, La Presse dresse un bref survol du rôle des femmes à la tête des musées au Québec. La directrice de notre Musée national des beaux-arts du Québec est citée. On y parle de Monique Leroux, qui est maintenant à la tête du Mouvement Desjardins. Le nom de cette femme revient souvent dans ce genre de débats. Je me demande si un/une sociologue ne fera pas, un jour, une étude sur son impact pour faire éclater le plafond de verre au Québec.

* L’Institut de la statistique du Québec (ISQ) a dressé le portrait des musées en 2008 par le biais de son Observatoire de la culture et des communications du Québec (OCCQ). Que d’acronymes dans cette phrase! Ne vous laissez pas rebuter, cette étude est comme toujours excellente.

On y apprend entres autres que les musées du Québec ont connu une hausse de fréquentation de 5,1% par rapport à l’année précédente. Ce joli résultat cache cependant une disproportion inquiétante entre les musées autour de la ville de Québec (hausse de 30% de leur fréquentation) et de Montréal (hausse de 6%) et toutes les autres régions qui connaissent une baisse. On espère qu’il s’agit d’un déplacement ponctuel lié au 400e et non d’une tendance à long terme.

* Le portrait économique des entreprises de métiers d’art au Québec a également été publié.

* Les travailleurs sur secteur culturel voient leurs conditions s’améliorer, mais ils demeurent les parents pauvres de tous les employés.

* La Gallery Connexion de Frédéricton a de nouveaux locaux, après avoir subi les affres d’une inondation l’an dernier.

[Matt Cardy/Getty Images]

* Banksy s’expose à Bristol.

* Le Louvre n’est pas une réserve inépuisable de chefs-d’oeuvre.

* Que fait la Bibliothèque historique de la ville de Paris lorsqu’elle n’a plus besoin de revues scientifiques? Hop! Aux ordures!

* Incontournable dans l’actu: un carnet de dessins a été volé au Musée Picasso à Paris. Des coupures de personnel et de la négligence auraient permis aux voleurs de commettre leur méfait. Le Musée diffuse le plus d’informations possibles sur l’objet afin de le griller sur le marché de la revente. 

* C’est Bruce Neuman qui remporte le Lion d’or à la Biennale de Venise.

* L’incontournable foire d’art contemporain Art Basel s’est terminée en fin de semaine à Bâle (Suisse). Contrairement à la Biennale de Venise, les oeuvres y étaient à vendre. Le catalogue est disponible en ligne. On y retrouvait deux galeries canadiennes, soit Laudau Fine Art (Montréal) et  Catriona Jeffries (Vancouver).

* Les ventes d’art russe font la moitié des recettes comparativement à l’an dernier.

* Le designer français Pierre Paulin est décédé.

Les visiteurs qui ne sont pas nécéssairement au fait de l’actualité muséale de Québec l’ignorent peut-être, mais Femmes artistes constitue la première exposition réellement montée par Esther Trépanier après le long règne de John R. Porter. Puisque les expositions se préparent des années à l’avance, la nouvelle directrice du Musée pilotait habilement les projets de son prédécesseur depuis son entrée en fonction, exception faite de cette exposition. Avec des moyens qui paraissent limités, en puisant dans les réserves du Musée, la directrice a réussi à tenir un discours cohérent sur un aspect méconnu de la production artistique du Québec. Que demander de plus à ce genre d’exposition?

Ne nous leurrons pas: le propos qui y est tenu ne résoudra pas la question sur la féminité dans l’art. Existe-t-il un art au féminin? Les femmes possèdent-elles une perspective qui leur serait propre et différente de leurs confrères masculins? Ne cherchez pas la réponse ici.

Plutôt, Esther Trépanier a bâti son propos autour de plusieurs axes, reflets de la condition sociale de ces artistes selon leur époque. Notons que la tenue d’exposition de ce type est tout à fait dans l’air du temps, le Musée national d’art moderne (Centre Pompidou à Paris) proposant un réaccrochage complet de sa collection permanente sous l’angle strictement féminin – un choix qui me semble farfelu, mais il faut bien amener des visiteurs dans les collections permanentes!

Femmes artistes s’ouvre sur des peintures délicates (faute d’un meilleur mot) qui accueillent le visiteur à l’extérieur des salles. Il s’agit d’un clin d’oeil au XIXe siècle et aux oeuvres intimes peintes par des femmes qui affirment peu leur statut professionnel, d’où le titre De la dilettante à la professionnelle.

[Augustine Bourasse, Torse masculin de dos, étude d'après le plâtre, entre 1897 et 1912, fusain et craie sur papier, 47,6x30,9 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

[Suzanne Duquet, Le Groupe, 1941, huile sur toile, 127x149,8 cm, collection Musée national des beaux-arts du Québec]

L’entrée en matière se produit réellement dans la première section de l’exposition, consacrée à la conquête des écoles d’artistes et des lieux d’exposition. On y retrouve les travaux habituels de tout jeune étudiant aux Beaux-Arts. Ce sont donc des nus académiques qui sont proposés dans La formation professionnelle et les groupements d’artistes. Si l’accès à l’École d’art de l’Art association of Montreal (futur Musée des beaux-arts de Montréal) se produit dès 1880, les admissions aux Écoles des beaux-arts de Montréal et de Québec constituent des points tournants dans le développement de leur statut professionnel.

En ce sens, on notera le Torse masculin de dos, étude d’après le plâtre d’Augustine Bourassa, réalisé entre 1897 et 1912. Surtout, on remarquera Le Groupe (1941) de Suzanne Duquet, avec ses personnages au regard alourdi et cette figure presque masculine de l’artiste.

[Marian Dale Scott, Crocus, 1938-39, huile sur toile, 71,7x51,4 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

Un des moments forts de l’exposition est constitué par le clin d’oeil auto-référentiel à L’exposition Femina, tenue dans les mêmes murs voilà un peu plus d’une soixantaine d’années. Cet événement est le premier à proposer uniquement des artistes de sexe féminin et qui reconnaît qu’il s’agit de femmes. Si celles-ci participaient aux expositions communes avec leurs collègues masculins, il s’agit d’un moment unique dans l’histoire artistique du Québec qui méritait d’être rappelé à notre souvenir.

Dans cette section qui regroupe des oeuvres présentées à Femina, on remarquera Crocus (1938-39) par Marian Dale Scott qui frappe par sa modernité. Aussi, l’histoire de Claire Fauteux ne peut manquer de toucher. Restée à Paris durant l’Occupation, elle est envoyée dans un camp d’internement allemand à Besançon. Là, elle se met à peindre des aquarelles représentant sa vie au quotidien. Merci à la directrice d’avoir sorti ces oeuvres des dépôts où elles dormaient depuis 1947. Signalons finalement un Saint Joseph tenant l’Enfant Jésus (1938) de Sylvia Daoust qui a attiré l’attention de nombreux visiteurs de l’exposition. Sa ligne moderne – à tout le moins pour un sujet conventionnel – et sa texture à la fois enlevée et maîtrisée fascinent.

Le reste de l’exposition suit les trois murs de la salle. La conquête de l’espace s’y déploie d’une façon remarquable, si on prend bien le temps de s’y arrêter. Si les femmes artistes sont d’abord confinées à l’espace privé, intime et familial, elles le quittent peu à peu pour dépeindre des sujets sociaux, puis jardins et paysages urbains pour finalement représenter la nature. Ce parcours est bien structuré autour des thèmes La figure humaine, L’espace urbain, L’espace naturel et L’espace intime.

[Helen Galloway McNicoll, À l'ombre de l'arbre, c.1910, huile sur toile, 100,4x82,6 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

Ainsi, l’exploration de la figure humaine suit l’évolution des tendances picturales. Si les premières femmes artistes représentées adoptent un impressionnisme évident (Helen Galloway McNicoll, À l’ombre de l’arbre, c.1910), l’évolution vers des couleurs plus audacieuses dans les années 1920 est clairement visible. Le visiteur peut voir ce traitement différent en un seul regard.

Son oeil sera d’ailleurs attiré par la maquette d’Anne Kahane, Maquette pour le «Monument au prisonnier politique» (1953), qui a été primée lors d’un concours international. Cette oeuvre se situe dans une «section des exclus», où prostituée, grévistes et pauvres peuplent les toiles.

Habilement, cette section sert de jonction entre la figure humaine et la conquête de l’espace. Comment ne pas mentionner les eaux-fortes de Simone Hudon dépeignant avec tout le pittoresque voulu les rues de Québec? Impossible également de passer sous silence Escalier de secours (1939) de Marian Dale Scott, représentant un escalier de triplex d’une façon géométrique incroyable, vu sous un angle à donner le torticolis à un acrobate, avec des couleurs à la fois exaltées et harmonieuses.

À une époque où la modernité au Canada passe par les travaux du Groupe des Sept, les femmes artistes ne peuvent faire comme leurs collègues masculins et partir dans les profondeurs des Laurentides pour peindre les beautés du paysage. Que faire, dès lors?

Le premier espace public représenté est une enfilade de parcs urbains, puisque ces lieux étaient accessibles aux femmes artistes. Ce sont donc ces scènes qui ont été peintes.

[Rita Mount, Percé, 1923, huile sur toile, 76,2 x 86,4 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

Aussi, la Compagnie des chemins de fer nationaux a offert à Anne Savage l’occasion de se balader dans l’Ouest, autour de la rivière Skeena, afin d’encourager les représentations de ce coin de pays peu connu. Plus près de chez nous, le Rocher Percé constitue un motif chez les artistes, comme des coins de Charlevoix.

[Rita Legendre, Espace, 1967, acrylique sur toile, 127x183 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

La dernière section est composée par L’abstraction, accompagnée des Femmes du Refus global. Si le saut dans la modernité se fait d’une façon un peu brutale dans le parcours de l’exposition, les oeuvres qui y sont présentes sont puissantes.

On remarquera un ensemble de photographies de Françoise Sullivan, peintre et danseuse, signataire du Refus global, dont une performance est immortalisée par dix-sept photographies prises par Maurice Perron. Il s’agit d’ailleurs du seul homme de l’exposition, comme quoi les divisions entre les sexes sont toujours difficiles à réaliser! L’exposition se termine par une juxtaposition des oeuvres de l’abstraction avec celles de l’académisme, vues dès le départ.

Malgré ce parcours presque sans faute, quelques bémols doivent être soulignés. D’abord, l’exposition reflète les choix de la directrice, avec les avantages et les inconvénients que cette approche possède.

Ainsi, on remarquera que la chronologie est fortement chamboulée pour satisfaire aux catégories créées pour regrouper les oeuvres. En conséquence, les mêmes artistes se retrouvent à plusieurs endroits dans la salle. C’est donc dire qu’une approche thématique a été privilégiée. Or, si cette façon de faire ne cause pas problème ici, il peut s’agir d’un jeu dangeureux qui pourrait détourner des oeuvres pour leur faire tenir un discours qu’elles n’avaient pas.

De plus, cette façon de procéder rend difficile le repérage des artistes. Où se situe Marian Dale Scott dans la production artistique québécoise, présente à la fois dans L’espace urbain et Abstraction? La même chose pourrait être dite à propos de Suzanne Duquet, Sylvia Daoust et Jeanne Rhéaume.

Dans le même sens, la différence entre les femmes artistes francophones et anglophones n’est pas évoquée dans l’exposition. Or, les Francophones devront attendre beaucoup plus longtemps que les Anglophones pour créer des oeuvres qui seront diffusées. L’importance des classes de l’Art Association of Montreal sous Brymner et du Beaver Hall dans le développement de la pratique des Anglophones ne m’apparaît pas assez soulignée. Un audioguide aurait peut-être été souhaitable en ce sens.

En bref, cette exposition possède les défauts de ses qualités. Avec la plus grande justesse, elle permet d’abord de souligner l’accès des femmes au métier de peintre au Québec (académisme, exposition Femina). Le regroupement par thématique est plus subjectif. S’il m’apparaît parfois risqué de faire dialoguer les oeuvres entre elles – car il est facile de créer des sens artificiels – le problème semble évité dans cette exposition. Les regroupements permettent de saisir une dynamique tournant autour de l’espace et de l’abstraction. En ce sens, l’exposition est un succès.

Femmes artistes mérite le coup d’oeil et vaut amplement, à elle seule, le coût d’admission au Musée. La directrice Esther Trépanier réussit le coup de dépoussiérer les riches collections de l’institution pour présenter un discours intéressant qui remet de l’avant des moments forts du passé artistique québécois. Selon moi, il s’agit là du premier mandat de notre musée national et il est rempli habilement par cette exposition.

- INFORMATIONS PRATIQUES - 

* L’exposition Femmes artistes. La conquête d’un espace, 1900-1965. Œuvres de la collection du Musée national des beaux-arts du Québec est présentée au Musée national des beaux-arts du Québec du 7 mai au 16 août 2009. [détails]

* Le coût général d’admission est de 15 dollars. Il existe des tarifs réduits. [détails]

* La conférence Les femmes et leur engagement dans l’art, 1900-1965 sera prononcée le mercredi 27 mai à 19h30 par Thérèse St-Gelais, professeure en histoire de l’art, Université du Québec à Montréal. [détails]

* Des films sur Mary Cassatt, Marcelle Ferron et Françoise Sullivan sont également présentés dans le cadre de l’expositon. [détails]

* Pour les familles, le Musée en herbe offre gratuitement aux enfants d’explorer La couleur et les fauves les après-midis de fin de semaine. [détails]

(Communiqué de presse du MNBAQ) – Aujourd’hui, à Londres, s’est conclue une importante entente entre le Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ) et le Victoria and Albert Museum (V&A) en vue de la présentation à Québec de l’exposition The Golden Age of Couture: Paris and London 1947-1957, qui explore l’une des décennies les plus étonnantes et les plus riches de l’histoire de la mode.

S’ouvrant sur le coup de tonnerre que représenta l’apparition du « New Look » de Christian Dior juste après la Seconde Guerre mondiale, l’exposition met en lumière cet apogée de la haute couture, autour de Christian Dior et de ses contemporains. Plus de 250 oeuvres y seront présentées : robes, tissus, broderies, accessoires, photographies de mode et illustrations.

« Je me réjouis de cette opportunité qui nous est offerte de présenter au public québécois une exposition sur la création dans le domaine de la mode. La mode, c’est un produit mais c’est aussi, tout comme l’art, une démarche créatrice nourrie par l’esprit de son époque. À ce titre, il est normal que le Musée s’y intéresse. Nous espérons que cette belle collaboration avec le V&A sera suivie d’autres projets tout aussi intéressants », a déclaré Mme Esther Trépanier, directrice générale du MNBAQ.

The Golden Age of Couture: Paris and London 1947-1957, qui sera présentée du 4 février au 25 avril 2010 au MNBAQ, sera la première exposition réalisée en collaboration avec le V&A depuis les années 70.

« Le V&A présente depuis fort longtemps de magnifiques expositions sur la mode, et The Golden Age of Couture s’est avérée l’une des plus populaires de notre histoire. Nous sommes heureux de cette collaboration avec le Musée national des beaux-arts du Québec, où l’exposition remportera, j’en suis certain, un vif succès », a ajouté M. Mark Jones, directeur général du V&A.

À propos du Victoria and Albert Museum, Royaume-Uni
Fondé en 1852, le V&A est le plus grand musée d’art et de design du monde, avec des collections d’une étendue et d’une diversité inégalées. Le musée contient quatre millions d’objets racontant plus de 2 000 ans d’histoire : des céramiques, du mobilier, des articles de mode, des pièces en verre, des bijoux, des objets en métal, des photographies, des sculptures, des textiles et des tableaux, provenant de diverses cultures à travers le monde.

* Collaboration accrue entre le Musée de la civilisation de Québec et le Muséum national d’histoire naturelle de France.

* Deuxième partie de la vente Jean Leduc chez Iegor cette semaine. Cullen, Cosgrove, Le Sauteur, Ferron et un fusain de Jean-Paul Lemieux.

* Babyboomers à l’oeuvre.

* Le marché de l’art canadien touché par la crise? Tom Thomson se vend 350,000$, bien en deçà de son estimation haute de 600,000$ chez Levis. 

* Le Musée de la photographie contemporaine du Canada se fait tranquillement absorber par le Musée national des beaux-arts du Canada.

* Les jardins de Versailles payants soulèvent la colère des visiteurs.

* Tout savoir sur l’effet de la récession sur les musées.

* Les maquettes de l’emballage de l’Opéra de Sydney par Christo et Jeanne-Claude en vente.

* Oups! Le Rijksmuseum d’Amsterdam a acheté un tableau  de 1672 peint par Gerrit Adriaensz Berckheyde l’an dernier. Seul hic: l’oeuvre était utilisée pour garantir un prêt financier de 57 millions de dollars auprès de la banque JP Morgan. Cette dernière la réclame maintenant au musée suite à un défaut de paiement. Je ne peux m’empêcher de relever que le tableau est assuré pour plus de 6 millions de dollars, alors que l’oeuvre la plus chère de cet artiste s’est vendue en 2002 pour 1,5 millions de dollars. Que voilà une évaluation un brin exagérée, me semble-t-il… 

* Est-ce bien moral?

* Pour finir, un beau site pour l’exposition Ideal [Dis]Placements au Pulitzer Foundation for the Arts qu’il fait plaisir de visiter.

Le Château de Versailles durant l’hiver possède un je-ne-sais-quoi agréable. Peut-être est-ce la réduction dans l’achalandage qui redonne à l’ensemble une dimension humaine? Peut-être est-ce la présence de la neige qui semble agrandir les jardins en amenuisant les variations? Qui sait?

Après avoir passé l’horrible pavillon d’accueil temporaire et sa grille d’entrée en toc, le bonheur était au rendez-vous puisque les oeuvres de Jeff Koons se trouvaient encore sur le site. L’exposition Jeff Koons – Versailles se terminant le 4 janvier 2009, je n’en espérais pas autant. J’ai été parfois ravi, parfois déçu par cette exposition, surtout lorsqu’elle semblait incongrue. 

Cependant, le clou de la visite a été Le Serment du Jeu de Paume. Quand David réécrit l’Histoire qui se termine le 11 janvier 2009. Cette exposition bien construite présente les influences, les dessins préparatoires, les esquisses et l’influence du tableau non terminé de David. À cette occasion, des dessins d’archives rarement montrés étaient exposés. De plus, l’accès à l’ébauche du peintre étant permis, le bonheur était total pour l’historien de l’art en moi.

[Pavillon d'accueil temporaire situé devant le Château]

[L'auteur de ce blogue devant l'affiche de l'exposition Picasso / Manet : Le déjeuner sur l'herbe au Musée d'Orsay]

Les expositions temporaires sont nombreuses au Musée d’Orsay par les temps qui courent. Évidemment, l’incontournable Picasso / Manet : Le déjeuner sur l’herbe a constitué mon premier arrêt. À l’entrée de l’exposition, quelle ne fut pas ma surprise de croiser la directrice du Musée national des beaux-arts du Québec, Esther Trépanier, en discussion avec Guy Cogeval, directeur du Musée d’Orsay. La planète est un village.

Plus imposant que son homologue au Louvre, le dialogue réalisé par Picasso avec l’oeuvre de Manet occupe ici quatre salles de l’institution. Les oeuvres sont nombreuses et variées. Il m’a d’ailleurs semblé remarquer que le peintre catalan plaçait souvent trois personnages dans ses tableaux, plutôt que les quatre contenus dans la source de son inspiration. 

De plus, selon les propos tenus par Rosalind Krauss lors de sa conférence au Louvre, une grille de lecture des tableaux de Picasso les conçoit comme des images inertes mises en mouvement comme un flip book. Dans cette succession d’images, l’implication érotique implicite dans l’oeuvre de Manet se transforme en pure pornographie dans les toiles de Picasso. 

Comme son titre l’indique, Le mystère et l’éclat. Pastels du musée d’Orsay propose des oeuvres mettant en valeur la technique du crayon pastel. Remontant le fil du temps jusqu’au XVIIIe siècle, l’exposition raconte les différentes phases de l’évolution de ce moyen artistique, ses succès et son rejet par certains artistes. Les autres manifestations temporaires ont piqué ma curiosité, sans plus. Seule la Correspondance entre Ellsworth Kelly et un tableau de Cézanne m’a paru significatif.

[Mise en contexte de la correspondance entre Cézanne et Ellsworth Kelly au Musée d'Orsay]

Originalité: Le musée Carnavalet de la ville de Paris et le musée Victor Hugo ont élaboré en collaboration une exposition autour du roman Les Misérables par Victor Hugo.On assiste dès lors à une double mise en contexte, soit historique pour Carnavalet et littéraire pour Hugo. Aujourd’hui, j’ai eu le temps de visiter Paris au temps des Misérables de Victor Hugo. L’exposition est bâtie selon un principe tout simple: à quoi ressemblait le Paris du roman?  Dès lors, gravures, photographies, maquettes et autres documents sont exposés au fil des salles, avec des extraits du texte de l’auteur, illustrant les lieux cités dans le livre. C’est un véritable voyage dans le temps qui est proposé. Le catalogue de l’exposition devient ainsi un compagnon indispensable au lecteur désireux de se replonger dans cette atmosphère disparue.

[Anselm Kiefer, Hortus Conclusus, 2007, plâtre, aluminium, schellac, acrylique, Musée du Louvre]

La journée s’est terminée au Louvre pour une visite de Bronzes français – De la Renaissance au siècle des Lumières. Avec une scénographie extrêmement efficace, des oeuvres nombreuses, de qualité et rarement exposées ainsi que des cartels instructifs (quoique parfois trop didactiques), cette exposition monopolise l’attention des heures durant. D’ailleurs, La Tribune de l’art a publié une critique qui vaut bien tous les commentaires que je pourrais publier dans le cadre de ce billet. Un cas d’école pour une exposition bien réalisée. Dans un tout autre registre, j’ai également croisé l’oeuvre d’Anselm Kiefer. Deux sculptures et une peinture composent ce triptyque.

Finalement, c’est dans une salle bondée que j’ai assisté à la conférence de Rosalind Krauss intitulée Picasso Pastiche, selon Freud. L’historienne de l’art y a brièvement décrit son analyse psychanalytique de la méthode de Picasso qui passe d’un trait fin à un trait grossier en quelques années. Présentée en marge de Picasso et les maîtres, elle propose une relecture des oeuvres qui pourrait s’intituler Picasso contre les maîtres. Son explication a été présentée en quelques grands traits, principalement liée au concept de réaction formation, c’est-à-dire l’expression de l’attitude opposée face au souhait réprimé. Cette théorie serait étayée, entre autres, par sa peur d’être le meneur d’une avant-garde picturale. Ce sentiment s’exprime par le Photo Effect, soit la production de multiples identiques. Intervient dès lors la notion de pastiche. Somme toute, une conférence intéressante, mais qui semble avoir laissé beaucoup de personnes sur leur faim.

Sur le plan personnel, c’est avec une voix chevrotante que j’ai posé la question suivante: « Dans son Moïse, Freud analyse l’oeuvre de Michel-Ange selon des critères psychanalytiques. Or, on critique parfois cette approche puisque la psychanalyse a été développée pour questionner des personnes, et non des objets. Quelles sont les limites dans l’analyse de la personnalité de Picasso par le biais de ses oeuvres? » J’ai été un peu déçu par sa réponse, puisqu’elle a tourné un peu en rond, en me disant que si Freud l’avait fait, il existait un modèle puissant lui permettant de procéder de la même façon. D’autres personnes ont posé d’excellentes questions, entre autres sur les notions de parodie et de pastiche, sans que les réponses ne soient à la hauteur des questions. Malgré tout, cette conférence s’est révélée instructive.

La suite prochainement…