L’appel de propositions, lancé le 20 décembre dernier, a trouvé écho auprès de 30 artistes émergents oeuvrant sur le territoire de la ville de Québec ou de la ville de la Nation Huronne-Wendat. Parmi les projets déposés, 20 projets ont été retenus par le comité de sélection.

L’organisme Manifestation internationale d’art de Québec est heureux de dévoiler le nom des lauréats des bourses Première Ovation – Arts visuels, arts médiatiques et métiers d’art. Cette initiative de la Ville de Québec poursuit ainsi son mandat de soutien aux artistes vers la professionnalisation, le développement de leur carrière et leur mise en réseaux auprès des organismes artistiques professionnels.

RÉCIPIENDAIRES PRINTEMPS 2011 :
BOURSE DE PREMIÈRES EXPOSITIONS INDIVIDUELLES
• Vincent Robitaille et le projet Moines de gouttières, parrainé par L’OEil de poisson
• Péio Eliceiry et le projet PARA, parrainé par la Galerie Le 36
• Amélie Proulx et le projet Glissements, parrainé par MATERIA

BOURSE DE MENTORAT
• Mélanie Denis parrainé par l’École de joaillerie de Québec

BOURSE DE CRÉATION ET DE PRODUCTION
• Anouk Desloges et le projet Psycho Schèmes, parrainé par TIERCE, boîte de services
• Sylvie Larouche et le projet Expo solo chez Vu, parrainé par Vu Photo
• Julie Lambert et le projet Un arbre, mille violons, parrainé par Vidéo Femmes
• Guillaume D. Cyr et Yana Ouellet et le projet Gaspésie Human less, parrainé par L’Établi
• Valérie Potvin et le projet Les fabuleux, parrainé par L’OEil de poisson
• Besma Bouhkri et le projet Du magnifié à l’humain, parrainé par L’Établi
• Mélanie Bédard et le projet Permutations 2, parrainé par La Bande Vidéo
• Cynthia Dinan Mitchell et le projet Flocage, parrainé par Engramme
• Blaise Carrier Chouinard et le projet CURSUS, parrainé par la Galerie Bécot
• Marie-Andrée Gilbert et le projet Résidence au St-Michael’s printshop, Terre-Neuve, parrainé par Engramme

BOURSE D’AIDE À LA PUBLICATION
• Anne-Marie Bouchard, Cooke-Sasseville et le projet De Cooke-Sasseville à aujourd’hui, parrainé par Manifestation internationale d’art de Québec
• Guillaume Adjutor Provost et le projet HYDRA ERA, parrainé par L’OEil de poisson
• François Simard et le projet Catalogue Pan! Peinture, parrainé par Lacerte, art contemporain

BOURSE DE COMMISSAIRE/PROGRAMMATEUR
• Sébastien Hudon et le projet In suburbia, parrainé par Antitube

BOURSE D’INITIATIVE ORIGINALE À LA DIFFUSION INDÉPENDANTE
• Coll ad hoc coordonné par Mélanie Bédard et le projet Musique climatique, parrainé par Avatar

BOURSE DE SOUTIEN À LA DIFFUSION DE PROJET DE LA RELÈVE À L’EXTÉRIEUR DE QUÉBEC
• Émilie Bernard et le projet Picking souvenirs / Récolter des souvenirs, parrainé par TIERCE, boîte de services

La Ville de Québec ainsi que Manifestation internationale d’art de Québec félicitent les lauréats et remercient tous les artistes et organismes culturels qui ont soumis leur candidature. Pour plus d’information sur les boursiers ou concernant le programme de Première Ovation, consultez le site Internet www.premiereovation.com.

Première Ovation
Implantée en 2008 par la Ville de Québec, la mesure Première Ovation vise à soutenir la relève artistique de la capitale en donnant aux artistes les moyens de créer, de profiter de l’encadrement d’artistes renommés et de vivre leurs premières expériences professionnelles. Gérés par des organismes artistiques et culturels professionnels, les programmes de la mesure touchent actuellement sept disciplines : la musique, le théâtre, la danse, les arts littéraires, les arts visuels, les arts médiatiques et les métiers d’art. En contribuant à la diffusion des talents, Première Ovation souhaite développer et sensibiliser le public et favoriser l’accès à des spectacles de la relève. Reconduite pour trois ans en 2009, lors de Québec Horizon Culture, la mesure bénéficie dorénavant d’un soutien additionnel du Ministère de la Culture, des Communications et de la Condition féminine, par l’entremise de l’Entente de développement culturel et profite de partenariats avec Quebecor et CKRL-FM 89,1.

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Source: Le Lieu, centre en art actuel

(Communiqué) Québec, le 16 décembre 2010 – Le Lieu, centre en art actuel ouvre sa saison d’hiver 2011 en accueillant pour la première fois le prolifique et corrosif duo Cooke-Sasseville. Pour l’occasion, ils ne tentent rien de moins que la réconciliation de la séduction et du dégoût, de l’art et du rat. Mystérieux, n’est-ce pas? Alléchant aussi!

Cooke-Sasseville
Le penseur en chocolat
DU 14 JANVIER AU 13 FÉVRIER 2011
VERNISSAGE LE 14 JANVIER À 20 H

Pour arriver à ses fins, le duo a conçu une sculpture monumentale, de facture très accessible et d’envergure muséale. Paradoxalement, cet objet qui devrait être complètement inoffensif transmet un mal dont le seul antidote valable reste encore le rire.

Il faut bien dire que Cooke-Sasseville ont fait du malaise un de leurs matériaux de prédilection. Ils jouent de l’inconfort comme d’autres d’un Stradivarius et sont devenus, avec le temps, des virtuoses du « sarcasme polyphonique ».

L’oeuvre, dont l’aspect extérieur exact est un secret aussi bien gardé que la recette d’une certaine friandise chocolatée, se situe en droit-fil avec la production iconoclaste des deux artistes. Sans pour autant former une série, cette pièce s’ajoute au joyeux bestiaire que le duo a débuté lors de la plus récente Manif d’art.

Jean-François Cooke et Pierre Sasseville vivent et travaillent à Québec. Depuis 2000, ils oeuvrent conjointement sous le nom Cooke-Sasseville. Leurs installations ont été présentées dans plusieurs événements majeurs au Québec ainsi qu’à l’étranger. En 2008, ils ont, entre autres, pris part à l’exposition Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme, la Triennale québécoise présentée au Musée d’art contemporain de Montréal, à l’exposition Québec Gold réunissant le travail d’une vingtaine d’artistes québécois à Reims en France ainsi qu’à l’exposition C’est arrivé près de chez vous. L’art actuel à Québec présentée au Musée national des beaux-arts du Québec. Le duo Cooke- Sasseville s’est vu décerner de nombreux prix et bourses au Québec comme au Canada. On compte de leurs oeuvres dans des collections institutionnelles, muséales et privées. Ils ont de nombreuses oeuvres d’art publiques à leur crédit dont deux qui sont encore en cours de réalisation. Ils sont représentés par la galerie Art Mûr.

Actif à Québec depuis 1982, Le Lieu, centre en art actuel est engagé dans des activités sédentaires à Québec ainsi que dans des opérations nomades, activités et projets au Québec comme à l’étranger. Le caractère multidisciplinaire du centre fait côtoyer installation, performance, manoeuvre, art action, art audio, poésie sonore, vidéo et autres explorations des paramètres de l’expressivité artistique.

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Très peu d’artistes de la région Capitale-Nationale ont reçu une subvention. Soulignons quand même l’excellence des dossiers de Jeanne de Chantal Côté (2500$), Cooke-Sasseville (10,000$), Hervé Demers (19,000$), Mireille Racine (20,000$), Geneviève Gaboury (18,225$) et Martine Dolbec (15,000$).

Martin Bureau, dont le couvercle de trou d’homme avait fait l’objet d’une censure l’hiver dernier, va bénéficier de 15,000$ pour une résidence à Bâle. Pour sa part, Caroline Gagné reçoit 10,000$ pour l’atelier de Montréal. Érick Dorion reçoit 2859$ pour son séjour artistique.

Également, les organismes de la région de Québec ont reçu 9,8 millions de dollars en subventions de fonctionnement pour l’année 2008-2009. Voici la liste, non finale,  des organisations récipiendaires:

• Amis de l’orgue de Québec (Les) (Musique): 8 000 $ 
• Antitube (Arts médiatiques) : 73 316 $ 
• Association de création et diffusion sonores et électroniques Avatar (L’) (Arts médiatiques) : 75 000 $ 
• Aubergine de la macédoine du Québec (L’) (Arts du cirque) : 140 000 $ 
• Bande vidéo et film de Québec (La) (Arts médiatiques) : 82 135 $ 
• Carrefour international de théâtre de Québec  (Théâtre) : 445 000 $ 
• Centre de services artistiques de Québec (Théâtre) : 20 000 $ 
• Centre Materia (Métiers d’art) : 50 000 $ 
• Chambre Blanche (La) (Arts visuels) : 106 052 $ 
• Club musical de Québec (Musique) : 16 575 $ 
• Comité de mise en valeur du lin (Arts visuels) : 30 000 $ 
• Coopérative de production cinématographique et audio-visuelle de Québec Spirafilm (La) (Arts médiatiques) : 70 195 $  
• Corporation du Centre d’art de Baie-St-Paul (La) (Arts visuels), Baie-Saint-Paul : 66 563 $ 
• CorresponDANSE (Danse) : 5 000 $ 
• Danse K par K (Danse) : 40 000 $ 
• Domaine Forget de Charlevoix (Le) (Musique), Saint-Irénée: 50 000 $ 
• Éditions Cap-aux-Diamants (Les) (Littérature) : 32 855 $ 
• Éditions Continuité  (Architecture) : 24 000 $ 
• Éditions Intervention (Les) (Arts visuels) : 212 350 $ 
• Engramme (Arts visuels) : 112 778 $ 
• Ensemble Anonymus (Musique) : 43 503 $ 
• Festival des musiques sacrées de Québec (Musique) : 35 000 $ 
• Fils d’Adrien danse (Le) (Danse) : 60 000 $ 
• Folie/Culture (Arts multidisciplinaires) : 45 000 $ 
• Groupe Danse Partout  (La Rotonde, Centre chorégraphique contemporain de Québec) (Le) : 155 000 $ 
• Manifestation internationale d’art de Québec (Arts visuels) : 82 875 $ 
• Musique de chambre à Sainte-Pétronille (Musique), Sainte-Pétronille : 13 813 $ 
• Nuages en pantalon (Les) (Théâtre) : 50 000 $ 
• Nuit blanche, le bulletin de l’actualité littéraire (Littérature) : 65 000 $ 
• Oeil de Poisson (L’) (Arts visuels) : 161 440 $ 
• Orchestre symphonique de Québec (L’) (Musique) : 2 650 000 $ 
• Opéra de Québec  (Musique) : 623 700 $ 
• Poètes de l’Amérique française (Les) (Littérature) : 20 000 $ 
• Premier Acte (Théâtre) : 80 000 $ 
• Productions Les Gros Becs (Théâtre) : 340 000 $ 
• Productions pour enfants de Québec  (Le Théâtre du Gros Mécano) (Les) (Théâtre) : 215 475 $ 
• Productions Recto-Verso Québec (Les) (Arts multidisciplinaires) : 235 450 $ 
• Productions Rhizome (Littérature) : 25 000 $ 
• Productions Strada (Musique) : 58 013 $ 
• Projet Ex Machina (Le)(Théâtre) : 425 000 $ 
• Revue Séquences (La) (Arts médiatiques)  : 35 000 $ 
• Soirées de Musique Fraîche (Musique) : 11 250 $ 
• Théâtre Blanc (Théâtre) : 94 500 $ 
• Théâtre de la Bordée (Le) (Théâtre) : 440 000 $ 
• Théâtre de Sable (Le) (Théâtre) : 110 500 $ 
• Théâtre des Confettis (Le) (Théâtre) : 190 000 $ 
• Théâtre des Fonds de Tiroirs (Le) (Théâtre) : 60 000 $ 
• Théâtre du Trident (Le) (Théâtre) : 770 000 $ 
• Théâtre Niveau Parking (Théâtre) : 138 000 $ 
• Théâtre Périscope (Théâtre) : 242 820 $ 
• Théâtre Pupulus Mordicus (Théâtre) : 54 725 $ 
• Théâtre Sortie de Secours (Le) (Théâtre) : 40 000 $ 
• Vidéo Femmes (Arts médiatiques) : 51 643 $ 
• Violons du Roy (Les) (Musique) : 397 300 $ 
• VU, centre de diffusion et de production de la photographie (Arts visuels) : 201 800 $

Au complexe Méduse,

• Dernière chance ! C’est votre dernière occasion pour visiter deux expositions au Centre de diffusion et de production de la photographie VU. 
  1. Dans Ligne de flottaison, Patrice Coulombe et Caroline Gagné ont investi un espace transitoire entre deux territoires qui d’ordinaire restent distincts : l’image et le son. [détails]
  2. Dans Le Spectacle de la ruine, un collectif inédit, regroupe huit oeuvres provenant de la collection du Fonds national d’art contemporain de France. Cette exposition est liée à La Grande Traversée – horizons photographiques dont l’autre volet à Québec, Autour d’Angela Grauerholz [critique & détails de cette expo], est présenté au Musée [...] du Québec. [détails]
  Horaire et accès sur le site de VU.
• Nouveau ! À La Bande Vidéo, c’est vendredi, le 3 octobre 2008 à 17h00, qu’aura lieu le vernissage de la nouvelle exposition de Jocelyne Alloucherie intitulée Film vertical. L’exposition est proposée jusqu’au 1er novembre.
  

  Les prises de vue de cette vidéo sont saisies clandestinement, tournées de nuit et quelquefois, inévitablement maladroites. Cet essai raconte la vie nocturne d’un lieu habité le plus souvent par des gens de passage et d’origines culturelles diverses. 

  Horaire et détails sur le site de La Bande Vidéo.
• Du côté de chez Engramme, Tania Girard-Savoie nous invite à explorer ses Univers jardiniers.
  

  L’ambiguïté entre l’être et l’apparence, l’incertitude entre la réalité et l’illusoire, représentées par une mosaïque à caractère ornementale et un univers champêtre fragmenté, sont au cœur de la préoccupation artistique de Tania Girard-Savoie. L’artiste explore ces concepts depuis plusieurs années. Avec Univers jardiniers, l’artiste récupère des éléments végétaux, des fleurs et des tiges et les transforme pour devenir des fragments organiques et morphologiques. 

  L’exposition est offerte jusqu’au 24 octobre. Horaire et détails sur le site d’Engramme, le centre de production en estampe & de diffusion en art actuel.

Au Musée national des beaux-arts du Québec, 

• Le photographe René Bolduc fera la démonstration des anciens procédés photographiques produisant des ferrotypes et des ambrotypes. L’animation a lieu samedi et dimanche, de 13h à 16h. [détails]
• Partageant avec le centre VU le volet à Québec de La Grande traversée – horizons photographiques, le MNBAQ propose Autour d’Angela Grauerholz. À partir de deux photographies de l’artiste établie à Montréal depuis 1976, la commissaire a choisi les oeuvres de sept artistes dans le Fonds national d’art contemporain de la France. 
  Horaire et détails sur le site du Musée. Vous pouvez également lire ma critique sur cette exposition. 
• Faites découvrir les parures égyptiennes à vos enfants grâce à des ateliers gratuits. Seul le vestiaire payant et obligatoire délestera votre portefeuille de quelques dollars. Samedi et dimanche, à 13h, 14h15 et 15h30. [détails]
• Comme toujours, l’accès à la collection permanente se fait sans frais d’entrée.

Avec Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme, le Musée d’art contemporain de Montréal espère relancer le concept de Triennale québécoise. L’exposition propose 135 œuvres créées par 38 artistes ou groupes différents. Cette ambitieuse manifestation occupe toutes les salles de l’établissement, révélant du même coup l’exiguïté des lieux puisque la collection permanente est maintenant rangée dans le dépôt du musée.

Dès le départ, le catalogue de l’exposition précise les limites de l’exercice. Les œuvres sélectionnées l’ont été selon « des critères d’originalité, d’intelligence et de pertinence ». Ainsi, les quatre commissaires de l’événement se sont heurtés aux difficultés inhérentes à une triennale. Qui choisir? Quelle est la définition d’un artiste professionnel? Quels sont les critères de résidence imposés? Quelles œuvres sélectionner?

Ces questions ont trouvé réponse. Les « exigences d’originalité » ont eu le dessus sur la représentativité. Les créateurs nés ailleurs qu’au Québec forment le quart du contingent. De plus, la région de Montréal abrite plus des trois quarts des artistes. La notion de résidence pose ainsi problème lorsqu’on appose l’étiquette québécoise à l’événement. Si le travail de David Altmedj se défend par lui-même, il convient de souligner que le sculpteur né dans la métropole vit et travaille maintenant à Londres et à New York. Dans ces conditions, il serait plus juste de parler d’une triennale d’inspiration montréalaise, même si la présence de quelques artistes de la région de Québec essaie d’équilibrer la donne. Ici, l’originalité s’énonce en des termes urbains et montréalais. La création dans les arts traditionnels n’est donc pas soulignée.

L’âme québécoise est déclinée selon une vision cosmopolite. Le commissaire Mark Lanctôt exprime d’ailleurs clairement cette approche en définissant l’américanité du Québec comme une « carte maîtresse » de son identité. Citant Hardt et Negri, il appuie son point en signalant que « la multitude est composée d’un ensemble de singularités ». Cette exposition opère dans le multiculturalisme artistique. Il est possible que l’exclusion d’artistes internationaux – une caractéristique des biennales et triennales – ait été comblée par l’inclusion d’artistes du Québec possédant une vision internationale.

Toutes ces questions sémantiques ne doivent pas porter ombrage au travail surprenant proposé au visiteur. Si l’exposition ne peut prétendre représenter un instantané de l’ensemble de la création au Québec en 2008 – une tâche quasi impossible à réaliser –, il s’agit d’un événement exceptionnel pour observer des œuvres originales, intelligentes et pertinentes. Mieux, elles ont toutes été créées au cours des trois dernières années, ce qui garantit la fraîcheur des produits.

Figure 1. Vue de l’installation de Doyon-Rivest. Logopagus. 2008. MACM.

Le visiteur est accueilli par la mascotte siamoise de Doyon-Rivest baptisée Logopagus. Ses déclinaisons sont nombreuses au fil des salles : ici, elle est photographiée dans un café (Bonjour Logopagus, 2008), là elle s’attable dans un restaurant pour manger un bol de soupe (Bon appétit Logopagus, 2008). Cette construction, alter ego surdimensionné de ses créateurs, constitue le seul fil conducteur présent tout au long de l’exposition. On retrouve ses photographies disséminées un peu partout dans le musée. Au détour d’une salle, c’est une caméra en circuit fermé, dissimulée dans ses cheveux (?), qui filme les visiteurs marquant un arrêt devant sa personne. Sympathique dans sa bonhomie de marionnette, elle invite à sa contemplation deux fois plutôt qu’une : si on la trouve au premier abord agréable, on l’observe d’un tout autre regard après s’être aperçu qu’elle nous épiait à notre insu.

La multiplicité des artistes et de leurs œuvres a conduit le musée à séparer les pièces en espaces individuels. Ces derniers communiquent peu entre eux. Plutôt qu’à un dialogue, on assiste à une suite de monologues qui révèlent les couleurs de chacun. Il appert difficile de faire autrement, mais cette restriction liée au format n’entame en rien le plaisir de déambuler dans ce milieu riche. Puisque (presque) chaque artiste propose plusieurs pièces, le visiteur peut prendre le temps de s’immerger dans les visions qui lui sont offertes.

Les installations vidéo sont à l’honneur. Emmanuel Licha, avec son travail de War Tourist (2005-2008) , mérite une attention particulière. Dans ces cinq films, l’artiste se transforme en touriste se promenant dans les zones ayant défrayé la chronique pour les événements violents qui s’y sont déroulés. Licha embauche ainsi des guides locaux pour lui faire visiter ces lieux qui nous sont devenus familiers par le biais des médias. Se promenant de la Bosnie-Herzégovine à la Nouvelle-Orléans, il prend acte de la présence des « roses de Sarajevo », ces traces laissées par les grenades sur les trottoirs de la ville meurtrie. Si l’artiste se transforme en touriste voyeur du malheur des autres, l’effet sur le visiteur est moins puissant que celui que Licha devait ressentir en transgressant ainsi les règles invisibles du bon goût. Après le choc initial, on quitte la projection avec l’étrange sensation d’avoir regardé un document qui s’apparente aux reportages télévisés. Dans un monde bombardé d’informations, voilà désormais les humains soumis à la violence transformés en réservoir à images.

Dans un registre aussi sombre, mais avec un rendu plus léché, on remarquera les films de Patrick Bernatchez. Poétique, I Feel Cold Today (2008) se déroule dans un espace à bureau désert dans lequel s’engouffrent vent et neige. Dans un style rétroseventies, on assiste au balayage de la civilisation par les forces de la nature, tout doucement, tout lentement, mais inexorablement. Dans Chrysalide : Empereur (2007), c’est à grand renfort de musique puissante que le clown de la chaîne McDonald’s se fait submerger d’eau dans un véhicule stationné. Se noyant dans un liquide pollué par ce qui semble être des condiments de hamburgers, Ronald McDonald n’exprime pas d’émotions. N’empêche, il en suinte un parfum de fin du monde. Ces deux œuvres constituent les premiers volets d’une trilogie devant aboutir en 2009.

Figure 2. Patrick Bernatchez. I Feel Cold Today [image tirée de la vidéo]. 2006. Galerie Donald Brown, Montréal.

Dans une pièce sombre située près de l’entrée sont projetés dix films de 57 secondes. Ce format commun permet d’apprécier en quelques minutes la virtuosité de chacun des cinéastes. Quelques-uns de ces artistes sont présents ailleurs dans d’autres salles par le biais d’œuvres plus imposantes. Il s’agit cependant de la seule occasion de voir la trace de Yannick Pouliot. Dans Je te veux (2008), il marque sa présence à la Triennale par une capsule filmée de son installation Louis XVI : indifférent qui était dans le musée plus tôt cette année. On remercie le MACM d’avoir laissé la place à d’autres artistes de la relève, comme Gwenaël Bélanger (L’Hameçon, 2008) qui s’amuse avec les perceptions des spectateurs, Manon Labrecque qui utilise un banal bâillement pour jouer sur le rythme (Contagion, 2008) et Louis-Philippe Eno qui crée une métaphore de la vie qui passe à l’aide d’un feu de Bengale (Sans titre, 2008).

Il est difficile de manquer le film de Gwenaël Bélanger intitulé Tournis (2008), accompagné de l’image Le Faux Mouvement (2008). Faisant usage avec finesse des codes associés au cinéma, il multiplie les prises de vue d’un même événement qui se déroule avec les mêmes objets. C’est du moins la première impression que le visiteur ressent lorsqu’il observe cette scène de miroirs se fracassant sur un sol d’atelier en ciment. Au fil des minutes, certains détails permettent de distinguer des nuances dans cette scène répétée en boucle. Le bris est constitué d’une multitude de prises de vues qui sont regroupées dans un même mouvement. On n’assiste pas à un bris de miroir mais plutôt à plusieurs bris de plusieurs miroirs. Avec Bélanger, on navigue constamment entre l’objet et son image. Il ouvre la porte au questionnement sur la représentation. Pour faire une analogie avec la linguistique, il s’intéresse au signifié. Si, au premier abord, on ne remarque qu’un miroir en train de se briser, après une étude plus attentive on s’aperçoit que l’artiste a représenté l’idée de miroirs se fracassant sur le sol, d’où l’intérêt de la méthode utilisée.

Figure 3. Vue de l’installation de Gwenaël Bélanger. Tournis (gauche) et Le Faux Mouvement (droite). 2008. MACM.

Si Bélanger manipule le langage cinématographique avec doigté, c’est également le cas de Bettina Hoffmann. Ses œuvres Émile 1 (2008) et Émile 2 (2008) se font face dans une pièce. Le mouvement circulaire de la caméra dans chacune d’entre elles participe à un étrange ballet. Chacun des films représente un groupe, l’un étant composé d’enfants tandis que l’autre est constitué d’adolescents. Utilisant une technique qui s’inspire de la photographie, les acteurs sont saisis sous toutes leurs coutures dans un tournoiement infini. Par l’immobilité des personnages, l’ensemble crée un effet stupéfiant où semblent s’allier photographie et cinéma dans un nouveau langage à la fois immobile et dynamique. Cette prouesse expressive ne demande qu’à être exploitée par l’industrie publicitaire en manque de fraîcheur. Heureusement pour nous, Hoffmann a choisi d’utiliser son talent pour offrir une réflexion sur la place de la nature dans le monde d’aujourd’hui, faisant référence avec habileté au texte de Rousseau sur la jeunesse.

La transgression des limites entre les genres se trouve également au cœur de l’œuvre d’Adad Hannah. L’artiste d’origine new-yorkaise propose des vidéos qui ressemblent à des photographies. Dans Two Mirrors (2008), il filme deux hommes se tenant devant Les Ménines de Vélasquez au musée du Prado à Madrid. Ajoutant au jeu des réflexions présentes dans la toile du peintre espagnol, ils sont placés à peu de distance du tableau avec un miroir dans les mains. On aperçoit leurs visages imposés sur celui de l’infante. Le tout étant figé dans une fausse immobilité, le visiteur est dès lors hypnotisé par ces visages fixes que des clignements d’yeux animent. Est-ce une photographie filmée ou un film empruntant le langage de la photographie? Où commence l’œuvre de Vélasquez et celle d’Hannah? Ce jeu sur les frontières est parfaitement réussi.

Le lien avec l’histoire de l’art est également présent dans le travail de Michael Merrill. Dans une série de tableaux intitulée Paintings about Art (2005-2007), l’artiste revisite musées et œuvres d’art en les traitant comme des natures mortes. Travaillant à partir de photographies qu’il traduit ensuite avec une peinture aux couleurs à la fois mates et éclatantes, il s’interroge sur le lien entre l’art et le lieu d’exposition dans ses œuvres de petit format. En ce sens, Installation (Michel de Broin chez Pierre-François Ouellette, Mtl) (2006) a le mérite de sortir du lot. Placée perpendiculairement au mur, cette peinture se dévoile sur ses deux surfaces, évoquant les installations qui s’observent sous plusieurs angles.

Figure 4. Michael Merrill. Collection, Banque Nationale. 2007. Collection de la Banque Nationale Groupe Financier.

Michel de Broin est présent dans la triennale par une œuvre monumentale, utilisée d’ailleurs dans les communications du musée pour faire la promotion de l’événement. Intitulée Black Whole Conference (2006), il s’agit d’une sphère aux lignes géodésiques, composée de chaises de conférence noires. Tel un monde replié sur lui-même, la métaphore se poursuit lorsque chaque siège est vu comme une pièce immanquable de l’ensemble qui serait fragilisé par toute absence. Vue de loin, on dénote une ressemblance déroutante avec le virus du sida. Sur les murs se trouve Silent Shouts (2008), des fenêtres de tramway récupérées et transformées en ready-made. Avec leurs graffitis maintenant hors de leur contexte de création, ces cris de protestation contre le système en place résonnent désormais bien faiblement, comme des couinements lointains et inutiles.

Figure 5. Vue de l’installation de Michel de Broin. Black Whole Conference. 2005. Collection du MACM et Silent Shouts. 2008. Galerie Donald Browne, Montréal.

Composé de portraits-robots ponctués de sensations, Tous ces visages (2007-2008) de Raphaëlle de Groot est le fruit d’un travail patient réalisé dans une galerie d’art. Pour matérialiser cette œuvre, l’artiste enfilait un masque blanc et, guidée par les indications des visiteurs, elle retraçait sur son visage celui d’un autre, aidée dans son trait par leurs paroles. Une vingtaine de ces masques sont exposés. Par la suite, de Groot a réalisé des portraits retravaillés. On assiste dès lors à un véritable effacement du créateur derrière l’image d’autrui ainsi qu’à la quête impossible des spectateurs cherchant à retrouver l’être cher dans le geste étranger.

L’humour se pointe dans plusieurs œuvres. Julie Doucet, créatrice de la bande dessinée Dirty Plotte, exprime un brin de coquinerie dans la série des Pantalitaire (2007). Sur le mode du collage, elle réussit à mélanger les réflexions sur la condition humaine sans trop se prendre au sérieux. Adrian Norvid se moque des hippies bedonnants dans Hermit Hamlet (2008), une satire dans laquelle la corruption et l’impureté sont proposées comme finalité à un mode de vie lié à la sous-culture des États-Unis. Le Tchang Tchou Karaoke Lounge (2005-2007) de Karen Tam est un succès auprès des enfants. Voulant aborder la question de l’usurpation de l’identité culturelle, l’artiste recrée un salon à karaoké complet avec ses couleurs kitsch, sa luminosité tapageuse, son microphone et son écran de télévision diffusant des chansons populaires occidentales en chinois. Le discours critique étant peut-être trop subtil pour les petits, il reste à espérer que les grands retiendront du lieu autre chose qu’une pièce sympathique.

Figure 6. Karen Tam. Tchou Tchou Karaoke Lounge. 2005-2008. Collection de l’artiste.

Les jeux sur les matériaux sont également à l’honneur. Valérie Blass utilise la flexibilité de tubes pouvant se contracter pour influencer la perception des objets ressentie par les visiteurs. Dans Distorsion et alignement animalier (2007), des bibelots modulent de longues tiges colorées. On se demande comment l’artiste est parvenue à réaliser ces perches aux allures zoomorphiques. Les œuvres de Jonathan Plante composées avec du ruban adhésif donnent également des résultats surprenants. La table de travail de Treesome (2008) transparente, si fragile, attire l’œil par sa pureté.

Difficile de ne pas mentionner les deux géants de David Altmejd, Le Berger (2008) et Le Dentiste (2008). Dans un amalgame de matériaux desquels s’extirpe une figure pastorale éclatée, au sexe en évidence, au visage effacé, au corps troué et cerné par un escalier miniature en miroir, devant laquelle on ne peut que se perdre en rêveries.

Figure 7. David Altmejd. Le Berger. 2008. Andrea Rosen Gallery, New York.

D’autres installations surprennent. David Armstrong Six propose une piscine bouillonnante aux lattes de bois trouées dans From Below (2008). Dans Jeu de blocs (2008), Cooke-Sasseville met en dialogue les résidants grandeur nature de quatre appartements qui voient leurs gestes quotidiens transformés par la juxtaposition des scènes. Les visiteurs peuvent également pénétrer dans la Factory for a Day (2008) de Tricia Middleton. Cette usine délabrée qui semble construite de morceaux de chair humaine se révèle une analogie entre la production industrielle et la production artistique. L’art apparaît comme un produit et l’artiste doit affronter la difficulté quotidienne de réaliser un travail pertinent.

Pour terminer cette sélection des œuvres de la triennale, mentionnons finalement Vanités 2 (2007) de Nicolas Baier. Dans cette murale composée de multiples plaques en acier galvanisé transformées en autant de surfaces réfléchissantes, le visiteur voit sa perception des motifs perpétuellement embrouillée par le reflet de sa propre image dans ce verre reluisant. Cette œuvre qui occupe un mur en entier impose dès lors une réflexion sur la place du spectateur dans l’art en soulevant la question de la réception.

Figure 8. Nicolas Baier. Vanités 2 (détail). 2007. Galerie René Blouin, Montréal.

La force d’une exposition de ce genre constitue également son point faible. En voulant montrer la créativité qui foisonne dans le milieu artistique québécois (pour ne pas dire montréalais), les commissaires de l’événement ont ratissé large. Dès lors, l’exposition se bâtit autour de personnes dont le seul point commun se trouve d’habiter (ou avoir habité) un territoire à un moment précis. Nous sommes ainsi en présence de voix multiples. L’angle d’approche tout désigné pour aborder cette Triennale québécoise 2008 consiste donc à se laisser porter par chaque individu pour être imprégné de sa vision personnelle. Ainsi, il ne sert à rien de chercher un manifeste esthétique au sein de cette exposition puisque les artistes semblent œuvrer en vase clos les uns des autres.

En un sens, il est fort possible que cette absence d’unité entre les œuvres constitue leur trait commun. Dans un monde composé d’atomes, les grosses molécules sont plus difficiles à se former. Peut-être est-ce là le sens caché à rechercher dans l’utilisation de la phrase du chimiste Lavoisier : Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme.

[Pêche interdite/No Fishing, Thierry Arcand-Bossé, 2008, Québec]

Les efforts pour améliorer les alentours des bretelles de l’autoroute Dufferin-Montmorency se poursuivent dans le quartier Saint-Roch de Québec. La destruction de deux bretelles a libéré de l’espace, sur lequel un nouveau parc sera aménagé, le parc Xi’an.

Depuis juin, des plaques d’égout décorées par des artistes québécois y sont visibles. Ces oeuvres d’art sont ainsi intégrées au mobilier urbain de la ville. 

[Futur parc Xi'an, 2008, Québec]

L’organisme à but non lucratif Folie/Culture est à l’origine de cette initiative originale. Lors d’un billet précédent, j’avais visité l’atelier de Paryse Martin qui m’avait montré le dessin préparatoire de sa plaque. Le résultat concret se révèle aussi heureux que le laissait suggérer l’esquisse.

[Esquisse de Quand la nature fait naître des fictions, Paryse Martin, 2008, Québec]

[Quand la nature fait naître des fictions, Paryse Martin, 2008, Québec]

Le saviez-vous? L’organisme Folie/Culture « poursuit un travail d’information, de sensibilisation et de promotion en santé mentale. Il organise des événements faisant appel à des pistes de recherche inusitées tout en suscitant la réflexion sur des questions sociales douloureuses. »

[Dérapage, Cooke-Sasseville, 2008, Québec]

L’idée d’intégrer une pelure de banane sur des éclats de rire et d’intituler le tout Dérapage fait sourire. Notons que Cooke-Sasseville semble avoir un été chargé! Le duo participe également à la Triennale du Musée d’art contemporain de Montréal et à Québec Gold qui se déroule dans la ville de Reims.

Il est possible de télécharger une carte du circuit en visitant le site Internet de Folie/Culture. J’ai également préparé un itinéraire sur Google Maps.

[Itinéraire Google Maps]

[Prière d'écraser, François Chevalier, 2008, Québec]

Le saviez-vous? Le parc Xi’an tire son nom de la rue du même nom. Elle marque l’emplacement de l’ancien quartier chinois de Québec, ravagé par la construction de l’autoroute. La ville de Québec a une entente de coopération avec la ville chinoise de Xi’an depuis 1999. [en savoir plus]

[Cité suspendue, Laurent Gagnon, 2008, Québec]

Il aurait été intéressant que les artistes soient identifiés sur les plaques. À tout le moins, un panneau indiquant aux passants l’intention derrières ces objets inusités permettrait de communiquer les intentions de l’organisme à un plus grand public. De plus, l’absence de titre enlève un niveau de lecture qui ajoute au plaisir de lecture des oeuvres.

Finalement, la rouille qui est apparue rapidement sur les plaques m’interpelle: est-ce que ces oeuvres sont permanentes ou seront-elles retirées à la fin de l’année? Un article laisse entendre qu’elles seront en place jusqu’à la fin de leur durée de vie utile. L’organisme Folie/Culture déclare que l’exposition se termine le 31 décembre 2008. Dans tous les cas, il me semble que leur durée de vie utile sera relativement courte…

[Vertigo, Jacques Samson, 2008, Québec]

Il est difficile de parler de cette exposition sans mentionner la censure dont a été victime Martin Bureau. En effet, son dessin de la reine Elisabeth II afflubée d’une tête de caribou a été censurée par la fonderie Bibby Sainte-Croix (une filiale de McWane localisée en Alabama) et par la ville de Québec. Si l’artiste a voulu « faire jaser », il semble que les « casseux de party » ne soient pas appréciés dans la Vieille-Capitale. La censure s’est donc déroulée sans soulever de tollé.

L’exposition Regards fous est présentée sur la rue Saint-Vallier, sous les bretelles de l’autoroute Dufferin-Montmorency, jusqu’au 31 décembre 2008. L’initiative est un événement officiel du 400e anniversaire de fondation de la ville de Québec.

Pour en savoir plus:
* Mon billet sur l’esquisse de Paryse Martin
* Mon billet sur la décoration des plaques d’égout
* Mon itinéraire sur Google Maps
* Le site de l’organisme Folie/Culture
* La carte officielle pour repérer les oeuvres
* Des photographies prises lors de l’inauguration en juin 2008
* Un article de Voir avec des photos des artistes
* Canoe parle de la censure dont Martin Bureau est victime

[Site d'Ex Machina]

* Le Musée naval de Québec gagne à être connu. Situé dans le Vieux-port, il propose deux expositions cet été. Le Réfectoire est une oeuvre d’Isabelle Laverdière qui interprète les échanges survenus entre les marins ennemis au cours des siècles sur le fleuve Saint-Laurent. Par l’eau et dans la pierre aborde le développement des ouvrages défensifs de la région. Cette dernière exposition est présentée en collaboration avec le Musée du Royal 22e Régiment [Citadelle], le Musée du Régiment les Voltigeurs de Québec [Manège militaire; actuellement fermé pour cause d'incendie] et le Musée du Régiment de la Chaudière.

* L’exposition Québec Gold présente 17 artistes québécois à Reims (France) cet été, en collaboration avec L’Oeil de Poisson. Dix-sept artistes sont invités : Jean-Pierre Aubé, Mathieu Beauséjour, BGL, Sylvain Bouthillette, Michel de Broin, Cooke-Sasseville, Doyon-Rivest, Jérôme Fortin, Dominique Gaucher, Pascal Grandmaison, Isabelle Hayeur, Guillaume Lachapelle, Emmanuelle Léonard, Yann Pocreau, Yannick Pouliot, Michael A. Robinson et Ève K. Tremblay.
Notons que Michel de Broin, Cooke-Sasseville, Doyon-Rivest, Isabelle Hayeur et Yannick Pouliot font partie de la triennale du Musée d’art contemporain de Montréal.

* Des oeuvres d’artistes contemporains sont acquises par Loto-Québec dans le cadre de la Manif d’art 4. Les oeuvres suivantes ont été acquises: Linéament, la glacier 2, d’Éveline Boulva, Portrait J, d’Ève Cadieux, Mémoire de l’éléphant II (éléphant d’Asie), de Don Darby, Un, deux, trois… d’Isabelle Véronique, Arbre, de Lucie Lefebvre, Le rêve de Poséidon, le voyage d’Ulysse, de Reno Salvail, Xochitl, d’Helga Schlitter, Coeur Rose, de Bill Vincent et Envol, de Giorgia Volpe. De plus, Nathalie Thibault et Cooke-Sasseville ont reçu des bourses. Notons que ce dernier fait partie de la triennale du Musée d’art contemporain de Montréal et, comme mentionné précédemment, ses oeuvres seront exposées à Reims.

* Le Musée des beaux-arts de Montréal propose des visites guidées individuelles et gratuites dimanche et mercredi prochain. [détails]

* Le Congrès eucharistique de Québec perturbera la circulation autour du Musée national des beaux-arts du Québec (MNBAQ) dimanche matin. Les heures à éviter : de 7h30 du matin au milieu de l’après-midi, le dimanche 22 juin 2008.

* Dans le cadre de l’exposition Le Louvre à Québec, le MNBAQ propose des représentations gratuites du film Louvre, la visite. Les représentations ont lieu à 13h30 et 15h00 aux dates suivantes :
Juin : 15, 18, 22 et 29
Juillet : 2, 9, 13, 20, 23, 27 et 30
Août : 3, 6, 10, 13, 20, 24, 27 et 31

* artv continue sa série originale démocratisant l’art. Cette semaine: Marcel Lafleur fait de l’aquarelle, de la sculpture et de la poésie. Priscille Martel s’adonne elle aussi à l’aquarelle et à la poésie, mais elle peint principalement des bouts de verre récupérés pour en faire toutes sortes d’objets, dont des colliers. Marcel et Priscille forment un couple pour qui l’art occupe une place primordiale dans leur vie. [détails]

[On est tous des artistes, artv]

* Le marché de la sculpture contemporaine continue d’être vigoureux. Par exemple, la sculpture My Lonesome Cowboy de Takashi Murakami s’est vendue pour 13,5 millions de dollars en mai. Artprice propose une analyse du marché.

[Takashi Murakami, My Lonesome Cowboy, 1998, résine epoxy]

* Le Mexique est trop petit pour le Guggenheim.

* Le collectionneur Charles Saatchi achète de nombreuses oeuvres de trois finissants en arts visuels.

* Vous passez par San Francisco? Une exposition sur les femmes impressionnistes débute aujourd’hui au Musée des beaux-arts. Une sélection des oeuvres est disponible sur le compte Picasa du Musée.

[Berthe Morisot, Intérieur, 1872, huile sur toile]

* Et sur une note plus personnelle, j’ai terminé mon cours d’été intensif en histoire de l’art. Intitulé Impression et sensation: aspects de la subjectivité artistique dans la peinture moderne au XIXe siècle, ce fut un approfondissement passionnant sur la peinture de paysage, les Impressionnistes et Cézanne.

Pour arriver à classer les artistes selon leur notoriété Internet, j’ai choisi trois critères: le nombre de liens tels que trouvés par Google, la gestion des noms de domaine [du type nom_artiste.com] et la présence ou non d’article dans l’encyclopédie en ligne Wikipedia.

[Julie Doucet, Le Pantalitaire 2, 2007, 8 collages, 30 x 137,1 cm]

Le titre de reine de la notoriété dans Internet est attribué à Julie Doucet. Avec 63,000 liens sur son nom, 4 articles dans Wikipedia, un site Internet possédé par un éditeur et un site officiel, on peut dire sans gêne que l’artiste est connue sur le Web, principalement à cause de ses bandes dessinées.

[David Altmejd, Le Berger, 2008, bois, miroir, cristal, crin de cheval et peinture, 365,7 x 152,4 x 121,9 cm; avec l'aimable autorisation de la Andrea Rosen Gallery; photographie: Ellen Page Wilson]

Accompagnant Julie Doucet au sommet de la notoriété sur Internet, David Altmejd se classe bon deuxième, avec 51,400 liens, 3 articles dans Wikipedia et un site cybersquatté.

Parmi les autres résultats de cette étude sans prétention, je remarque que de nombreux artistes possèdent un site Internet bien réalisé: Nicolas Baier, Gwenaël Bélanger, Patrick Bernatchez, Michel de Broin, Raphaëlle de Groot, Manon De Pau, Doyon-Rivest, Romeo Gongora, Adad Hannah, Isabelle Hayeur, Bettina Hoffmann, Lynne Marsh, Serge Murphy, Jocelyn Robert.

Fait surprenant: certains artistes préfèrent le .net ou le .org plutôt que le .com même lorsque ce dernier est disponible. C’est le cas de Michel de Broin, Raphaëlle de Groot et Bettina Hoffmann.

Notons finalement que David Ross et Carlos Sanchez ont été exclus du classement. En effet, leurs noms sont également ceux de personnalités connues dans d’autres domaines, ce qui perturbe grandement les données.

Palmarès de la notoriété Internet des artistes de la Triennale de MACM

Julie Doucet : 11,30
David Altmejd: 9,14
Michel de Broin: 2,85
Isabelle Hayeur: 2,70
Jocelyn Robert: 2,42
Lynne Marsh: 2,15
Adad Hannah: 2,03
Bettina Hoffmann: 1,60
Nicolas Baier: 1,37
Michael Merrill: 1,26
Jason Sanchez: 1,23
Gwenaël Bélanger: 1,15
Patrick Bernatchez: 1,09
Doyon-Rivest: 1,08
Raphaëlle de Groot: 1,08
Serge Murphy: 1,06
Manon De Pauw: 1,06
Romeo Gongora: 1,01
Charles Guilbert: 0,70
Yannick Pouliot, WWKA, Louis-Philippe Eno, Chih-Chien Wang, Stéphane Gilot, Etienne Zack, Cooke-Sasseville, Emanuel Licha, Manon Labrecque, Cynthia Girard, Karen Tam, Tricia Middleton, Jon Knowles, David Armstrong Six, Patrick Coutu, Valérie Blass, Anthony Burnham, Jonathan Plante, Adrian Norvid suivent dans l’ordre avec moins de 0,5.

Méthodologie

Le nom de l’artiste ainsi que le terme art ont été entrés dans l’engin de recherche Google. J’ai obligé l’engin de recherche à inclure le terme art dans chacune des pages trouvées afin d’éviter que des artistes ayant des homonymes oeuvrant dans d’autres domaines soient privilégiés.

Les cinq premiers résultats sont les suivants:
David Ross: 163,000 liens
Carlos Sanchez: 148,000 liens
Julie Doucet: 63,000 liens
David Altmejd: 51,400 liens
Michel de Broin: 28,500 liens

Les cinq derniers résultats sont les suivants:
Valérie Blass: 360 liens
Anthony Burnham: 334 liens
Romeo Gongora: 132 liens
Jonathan Plante: 120 liens
Adrian Norvid: 48 liens

Chaque dizaine de milliers de liens donnait un point. Ainsi 163,000 liens attribuait 16,3 points.

La présence d’articles dans Wikipedia donnait un point par langue de rédaction.

Les noms de domaine achetés par une tierce personne donnait un point. David Altmejd et Lynne Marsh ont «bénéficié» de cette notoriété involontaire.

La présence d’un site Internet officiel donnait un point.

Il convient de noter que ce classement n’a aucune prétention scientifique. Il s’agit de refléter le buzz Internet selon des critères personnels à l’auteur de ce blogue.

Chacun des composants des scores peut être facilement critiqué. Ainsi, Paris Hilton obtient 3,3 millions de liens, même lorsqu’on lie son nom au mot «art». De plus, les résultats chez Google varient selon les serveurs sur lesquels la recherche est effectuée. Pour être plus efficace, j’aurais dû utiliser un outil de recherche qui fouille les différents centres de données de Google mais bon…

Au final, rien ne vaut une visite au musée pour laisser tomber le buzz et alimenter sa propre réflexion!