Les visiteurs qui ne sont pas nécéssairement au fait de l’actualité muséale de Québec l’ignorent peut-être, mais Femmes artistes constitue la première exposition réellement montée par Esther Trépanier après le long règne de John R. Porter. Puisque les expositions se préparent des années à l’avance, la nouvelle directrice du Musée pilotait habilement les projets de son prédécesseur depuis son entrée en fonction, exception faite de cette exposition. Avec des moyens qui paraissent limités, en puisant dans les réserves du Musée, la directrice a réussi à tenir un discours cohérent sur un aspect méconnu de la production artistique du Québec. Que demander de plus à ce genre d’exposition?

Ne nous leurrons pas: le propos qui y est tenu ne résoudra pas la question sur la féminité dans l’art. Existe-t-il un art au féminin? Les femmes possèdent-elles une perspective qui leur serait propre et différente de leurs confrères masculins? Ne cherchez pas la réponse ici.

Plutôt, Esther Trépanier a bâti son propos autour de plusieurs axes, reflets de la condition sociale de ces artistes selon leur époque. Notons que la tenue d’exposition de ce type est tout à fait dans l’air du temps, le Musée national d’art moderne (Centre Pompidou à Paris) proposant un réaccrochage complet de sa collection permanente sous l’angle strictement féminin – un choix qui me semble farfelu, mais il faut bien amener des visiteurs dans les collections permanentes!

Femmes artistes s’ouvre sur des peintures délicates (faute d’un meilleur mot) qui accueillent le visiteur à l’extérieur des salles. Il s’agit d’un clin d’oeil au XIXe siècle et aux oeuvres intimes peintes par des femmes qui affirment peu leur statut professionnel, d’où le titre De la dilettante à la professionnelle.

[Augustine Bourasse, Torse masculin de dos, étude d'après le plâtre, entre 1897 et 1912, fusain et craie sur papier, 47,6x30,9 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

[Suzanne Duquet, Le Groupe, 1941, huile sur toile, 127x149,8 cm, collection Musée national des beaux-arts du Québec]

L’entrée en matière se produit réellement dans la première section de l’exposition, consacrée à la conquête des écoles d’artistes et des lieux d’exposition. On y retrouve les travaux habituels de tout jeune étudiant aux Beaux-Arts. Ce sont donc des nus académiques qui sont proposés dans La formation professionnelle et les groupements d’artistes. Si l’accès à l’École d’art de l’Art association of Montreal (futur Musée des beaux-arts de Montréal) se produit dès 1880, les admissions aux Écoles des beaux-arts de Montréal et de Québec constituent des points tournants dans le développement de leur statut professionnel.

En ce sens, on notera le Torse masculin de dos, étude d’après le plâtre d’Augustine Bourassa, réalisé entre 1897 et 1912. Surtout, on remarquera Le Groupe (1941) de Suzanne Duquet, avec ses personnages au regard alourdi et cette figure presque masculine de l’artiste.

[Marian Dale Scott, Crocus, 1938-39, huile sur toile, 71,7x51,4 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

Un des moments forts de l’exposition est constitué par le clin d’oeil auto-référentiel à L’exposition Femina, tenue dans les mêmes murs voilà un peu plus d’une soixantaine d’années. Cet événement est le premier à proposer uniquement des artistes de sexe féminin et qui reconnaît qu’il s’agit de femmes. Si celles-ci participaient aux expositions communes avec leurs collègues masculins, il s’agit d’un moment unique dans l’histoire artistique du Québec qui méritait d’être rappelé à notre souvenir.

Dans cette section qui regroupe des oeuvres présentées à Femina, on remarquera Crocus (1938-39) par Marian Dale Scott qui frappe par sa modernité. Aussi, l’histoire de Claire Fauteux ne peut manquer de toucher. Restée à Paris durant l’Occupation, elle est envoyée dans un camp d’internement allemand à Besançon. Là, elle se met à peindre des aquarelles représentant sa vie au quotidien. Merci à la directrice d’avoir sorti ces oeuvres des dépôts où elles dormaient depuis 1947. Signalons finalement un Saint Joseph tenant l’Enfant Jésus (1938) de Sylvia Daoust qui a attiré l’attention de nombreux visiteurs de l’exposition. Sa ligne moderne – à tout le moins pour un sujet conventionnel – et sa texture à la fois enlevée et maîtrisée fascinent.

Le reste de l’exposition suit les trois murs de la salle. La conquête de l’espace s’y déploie d’une façon remarquable, si on prend bien le temps de s’y arrêter. Si les femmes artistes sont d’abord confinées à l’espace privé, intime et familial, elles le quittent peu à peu pour dépeindre des sujets sociaux, puis jardins et paysages urbains pour finalement représenter la nature. Ce parcours est bien structuré autour des thèmes La figure humaine, L’espace urbain, L’espace naturel et L’espace intime.

[Helen Galloway McNicoll, À l'ombre de l'arbre, c.1910, huile sur toile, 100,4x82,6 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

Ainsi, l’exploration de la figure humaine suit l’évolution des tendances picturales. Si les premières femmes artistes représentées adoptent un impressionnisme évident (Helen Galloway McNicoll, À l’ombre de l’arbre, c.1910), l’évolution vers des couleurs plus audacieuses dans les années 1920 est clairement visible. Le visiteur peut voir ce traitement différent en un seul regard.

Son oeil sera d’ailleurs attiré par la maquette d’Anne Kahane, Maquette pour le «Monument au prisonnier politique» (1953), qui a été primée lors d’un concours international. Cette oeuvre se situe dans une «section des exclus», où prostituée, grévistes et pauvres peuplent les toiles.

Habilement, cette section sert de jonction entre la figure humaine et la conquête de l’espace. Comment ne pas mentionner les eaux-fortes de Simone Hudon dépeignant avec tout le pittoresque voulu les rues de Québec? Impossible également de passer sous silence Escalier de secours (1939) de Marian Dale Scott, représentant un escalier de triplex d’une façon géométrique incroyable, vu sous un angle à donner le torticolis à un acrobate, avec des couleurs à la fois exaltées et harmonieuses.

À une époque où la modernité au Canada passe par les travaux du Groupe des Sept, les femmes artistes ne peuvent faire comme leurs collègues masculins et partir dans les profondeurs des Laurentides pour peindre les beautés du paysage. Que faire, dès lors?

Le premier espace public représenté est une enfilade de parcs urbains, puisque ces lieux étaient accessibles aux femmes artistes. Ce sont donc ces scènes qui ont été peintes.

[Rita Mount, Percé, 1923, huile sur toile, 76,2 x 86,4 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

Aussi, la Compagnie des chemins de fer nationaux a offert à Anne Savage l’occasion de se balader dans l’Ouest, autour de la rivière Skeena, afin d’encourager les représentations de ce coin de pays peu connu. Plus près de chez nous, le Rocher Percé constitue un motif chez les artistes, comme des coins de Charlevoix.

[Rita Legendre, Espace, 1967, acrylique sur toile, 127x183 cm, collection du Musée national des beaux-arts du Québec]

La dernière section est composée par L’abstraction, accompagnée des Femmes du Refus global. Si le saut dans la modernité se fait d’une façon un peu brutale dans le parcours de l’exposition, les oeuvres qui y sont présentes sont puissantes.

On remarquera un ensemble de photographies de Françoise Sullivan, peintre et danseuse, signataire du Refus global, dont une performance est immortalisée par dix-sept photographies prises par Maurice Perron. Il s’agit d’ailleurs du seul homme de l’exposition, comme quoi les divisions entre les sexes sont toujours difficiles à réaliser! L’exposition se termine par une juxtaposition des oeuvres de l’abstraction avec celles de l’académisme, vues dès le départ.

Malgré ce parcours presque sans faute, quelques bémols doivent être soulignés. D’abord, l’exposition reflète les choix de la directrice, avec les avantages et les inconvénients que cette approche possède.

Ainsi, on remarquera que la chronologie est fortement chamboulée pour satisfaire aux catégories créées pour regrouper les oeuvres. En conséquence, les mêmes artistes se retrouvent à plusieurs endroits dans la salle. C’est donc dire qu’une approche thématique a été privilégiée. Or, si cette façon de faire ne cause pas problème ici, il peut s’agir d’un jeu dangeureux qui pourrait détourner des oeuvres pour leur faire tenir un discours qu’elles n’avaient pas.

De plus, cette façon de procéder rend difficile le repérage des artistes. Où se situe Marian Dale Scott dans la production artistique québécoise, présente à la fois dans L’espace urbain et Abstraction? La même chose pourrait être dite à propos de Suzanne Duquet, Sylvia Daoust et Jeanne Rhéaume.

Dans le même sens, la différence entre les femmes artistes francophones et anglophones n’est pas évoquée dans l’exposition. Or, les Francophones devront attendre beaucoup plus longtemps que les Anglophones pour créer des oeuvres qui seront diffusées. L’importance des classes de l’Art Association of Montreal sous Brymner et du Beaver Hall dans le développement de la pratique des Anglophones ne m’apparaît pas assez soulignée. Un audioguide aurait peut-être été souhaitable en ce sens.

En bref, cette exposition possède les défauts de ses qualités. Avec la plus grande justesse, elle permet d’abord de souligner l’accès des femmes au métier de peintre au Québec (académisme, exposition Femina). Le regroupement par thématique est plus subjectif. S’il m’apparaît parfois risqué de faire dialoguer les oeuvres entre elles – car il est facile de créer des sens artificiels – le problème semble évité dans cette exposition. Les regroupements permettent de saisir une dynamique tournant autour de l’espace et de l’abstraction. En ce sens, l’exposition est un succès.

Femmes artistes mérite le coup d’oeil et vaut amplement, à elle seule, le coût d’admission au Musée. La directrice Esther Trépanier réussit le coup de dépoussiérer les riches collections de l’institution pour présenter un discours intéressant qui remet de l’avant des moments forts du passé artistique québécois. Selon moi, il s’agit là du premier mandat de notre musée national et il est rempli habilement par cette exposition.

- INFORMATIONS PRATIQUES - 

* L’exposition Femmes artistes. La conquête d’un espace, 1900-1965. Œuvres de la collection du Musée national des beaux-arts du Québec est présentée au Musée national des beaux-arts du Québec du 7 mai au 16 août 2009. [détails]

* Le coût général d’admission est de 15 dollars. Il existe des tarifs réduits. [détails]

* La conférence Les femmes et leur engagement dans l’art, 1900-1965 sera prononcée le mercredi 27 mai à 19h30 par Thérèse St-Gelais, professeure en histoire de l’art, Université du Québec à Montréal. [détails]

* Des films sur Mary Cassatt, Marcelle Ferron et Françoise Sullivan sont également présentés dans le cadre de l’expositon. [détails]

* Pour les familles, le Musée en herbe offre gratuitement aux enfants d’explorer La couleur et les fauves les après-midis de fin de semaine. [détails]

* «L’École du Louvre à Paris, cette grande école d’enseignement supérieur de l’histoire de l’art, a choisi pour ses étudiants le programme de doctorat «international» en muséologie, médiation, patrimoine, offert conjointement par l’UQAM et l’Université d’Avignon.» [détails]

* Le nouveau directeur du Musée des beaux-arts du Canada, Marc Meyer, envisage plein de projets pour l’institution, dont une biennale des acquisitions et une exposition d’art autochtone aux cinq ans.

* Oups! Le nouvel immeuble de l’Art Gallery of Ontario, dessiné par le Canadien Frank Gehry, souffre d’un problème de condensation. Les seaux se multiplient pour récupérer l’eau qui dégoutte. Une oeuvre de Giuseppe Penone est recouverte de plastique pour la protéger. L’architecte donne par ailleurs une entrevue au Los Angeles Times pour célébrer ses 80 ans.

[Louise Bourgeois, Spider. Source: Georges Jansoone, wikipedia.org]

* Louise Bourgeois sera intronisée au U.S. National Women’s Hall of Fame.

* Comment ne pas aimer: le Centre Pompidou propose une exposition sur le vide, avec des pièces sans objet et des murs blancs à offrir aux visiteurs. Évidemment, un mur a été tagué.

* 17 photos pour célébrer les 90 ans du Bauhaus.

* La vente Pierre Bergé / Yves Saint-Laurent a permis à Paris de faire figure sur le marché de l’art international.

* L’Opéra de New York propose deux murales peintes par Marc Chagall pour garantir un prêt.

* Des oeuvres prêtées aux fonctionnaires britanniques disparaissent.

* Trois statues d’Amenhotep III trouvées en Égypte.

* Les items de Ghandi qui étaient en vente aux enchères à New York auraient été achetés par un Indien soucieux de les rapatrier dans son pays.

* L’Origine du monde de Courbet jugée obscène au Portugal.

L’exposition Ingres et les modernes devrait satisfaire un large public. Il est à espérer que les habitants de la ville de Québec réserveront un accueil enthousiaste à un événement de qualité se déroulant sur leur territoire.

Ingres et les modernes, c’est d’abord un peintre qui constitue l’épine dorsale de l’exposition. Jean Auguste Dominique Ingres a principalement oeuvré dans la première moitié du XIXe siècle, entre 1800 et 1865. Si l’artiste vous est inconnu, ses tableaux vous sont certainement familiers. Trois d’entre eux font partie du musée imaginaire de l’humanité: Le Bain turc (1862), la Grande Odalisque (1814) et La Baigneuse Valpinçon (1808).

[Jean Auguste Dominique Ingres, Le Bain turc, 1862, huile sur toile marouflée sur bois, d. 108 cm, Musée du Louvre, Don de la Société des amis du Louvre, avec le concours de Maurice Fenaille, 1911. (c) RMN/Erich Lessing]

[Jean Auguste Dominique Ingres, La Grande Odalisque, 1814, huile sur toile, 91x162 cm, Musée du Louvre. Source: wikipedia.org]

[Jean Auguste Dominique Ingres, La Grande Baigneuse, dite La Baigneuse de Valpinçon, 1808, Musée du Louvre. Source: wikipedia.org] 

Courez au Musée pour observer de vos propres yeux Le Bain turc. Ce chef-d’oeuvre constitue un prêt exceptionnel accordé par le Musée du Louvre au Musée national des beaux-arts du Québec. Il s’agit de son premier voyage en Amérique du Nord, rien de moins!

[Vidéo tournée le 22 août 2008 dans la salle consacrée à Ingres au Musée du Louvre, tôt le matin pour avoir un peu d'intimité avec les oeuvres]

Pensez-y quelques instants: les foules se pressent devant ce tableau à Paris et il est exposé sous vos yeux, en toute simplicité, dans le fond des salles consacrées à l’exposition. Vous aurez l’occasion de vous en approcher, de le détailler, de vous laisser absorber par l’atmosphère qui s’en dégage, le tout dans une ambiance quasi-intime, comme si vous étiez au Louvre. Ne serait-ce que pour se rapprocher de l’authenticité de l’oeuvre, la visite constitue déjà un succès. Cependant, le bonheur de cette exposition ne s’arrête pas là.

C’est que les tableaux importants se multiplient. Ingres ayant connu le succès de son vivant, on lui a commandé de nombreux tableaux tirés de son chef-d’oeuvre, dont les baigneuses constituent un bel exemple. Mais son travail ne s’est pas limité aux déclinaisons de ce tableau. L’exposition permet de saisir le talent de portraitiste du peintre avec plusieurs portraits importants, dont Madame de Senonnes (1814). S’arrêter quelques instants devant ce tableau devient étourdissant tant le regard se promène, sollicité par la richesse des détails et l’emploi de couleurs chaudes.

[Jean Auguste Dominique Ingres, Madame de Senonnes, 1814, huile sur toile, Musée des beaux-arts de Nantes]

Et les exemples se multiplient avec peintures, esquisses, dessins. Pas moins de 26 oeuvres sont accrochées sur les panneaux centraux de la salle. Ne serait-ce que pour avoir un aperçu du grand talent de Jean Auguste Dominique Ingres, la visite de cette exposition mérite le déplacement.

Or, l’originalité de l’exposition continue avec le second volet consacré aux modernes. L’oeuvre du peintre constitue donc le point de départ pour un dialogue avec des oeuvres plus proches de notre réalité.

Cette idée a germé suite à la publication du livre « Ingres : Regards croisés », publié en 2006. Les auteurs Jean-Pierre Cuzin et Dimitri Salmon étant commissaires de l’exposition, on peut exprimer l’idée qu’il s’agit d’une matérialisation de leurs théories telles qu’elles sont exprimées dans cet ouvrage.

Dans cette monographie, la correspondance entre Ingres et les autres artistes est explorée. D’abord, ses inspirations sont décrites, incluant ses influences nombreuses parmi lesquelles on compte David et Raphaël. Ensuite, son statut comme chef d’atelier et son influence auprès de ses élèves est explicitée. Les auteurs tentent de nuancer l’opposition que l’histoire de l’art a construite entre les Impressionnistes et les peintres dits « pompiers ». L’influence d’Ingres sur des artistes comme Degas, Pissarro, Cézanne et Seurat est illustrée à l’aide d’oeuvres clairement inspirées de ses réalisations. Les auteurs se questionnent quant à sa possible paternité du cubisme à cause du face à face orchestré par le Louvre entre l’Odalisque d’Ingres et l’Olympia de Manet et son impact sur Braque [Cuzin & Salmon, p. 151].

Le dernier chapitre de ce livre sert de support à la confrontation ayant lieu à Québec. Puisque les oeuvres du peintre étaient devenues des lieux communs dans les années 1960, les artistes contemporains se sont emparé de certaines images ingresques pour les remodeler. Ces oeuvres sont donc présentées devant les tableaux du peintre, dans un face à face parfois subjectif, souvent juste, toujours intéressant.

[Michelangelo Pistoletto, Le bain turc d'après Ingres, 1962, sérigraphie sur acier poli, 70x100 cm, collection particulière; cette image réfléchit Le Bain Turc, placé à proximité]

Ainsi, Le bain turc d’après Ingres reprend la pose d’une baigneuse et lui adjoint un attribut typique des années 1960, c’est-à-dire une guitare acoustique. Mieux, l’image est reproduite sur une surface réfléchissante, ce qui invite « ses spectateurs et leur environnement commun à pénétrer l’espace ambigu » [Cuzin & Salmon, p. 182]. Dans plusieurs oeuvres, les exemples de citation directe sont nombreux et faciles à comprendre.

Évidemment, à partir du moment où l’on s’éloigne de la citation directe, le lien se relâche et la part subjective de l’interprétation est plus grande. Cependant, le malaise n’est jamais assez grand pour gâcher la visite.

[Man Ray, Le Violon d’Ingres, 1924, tirage d’exposition argentique d’après le négatif original, Centre Pompidou, Paris, Musée d’art moderne (centre de création industrielle)]

D’autres points moins bien réussis peuvent également être signalés. Par exemple, l’organisation de la visite se fait selon un ordre difficile à suivre car indiqué trop discrètement. Aussi, les informations permettant au public québécois d’apprécier l’oeuvre d’Ingres sont peu nombreuses. Il m’apparaît toujours important de fournir le plus de clés de lecture possibles au visiteur pour lui permettre comprendre l’exposition, sans pour autant l’assomer. Ici, nous semblons avoir péché un peu vers la légèreté. Il appert que la location de l’audio-guide s’avèrera essentielle à quiconque voudra saisir la richesse du dialogue proposé.

Surtout, l’exiguïté des salles force une certaine contraction des pièces. Ainsi, tant qu’à réaliser un tirage moderne de la photographie de Man Ray, pourquoi ne pas avoir osé (en la surdimensionnant?) et lui avoir offert un meilleur emplacement que le fond de la salle, à côté de la sortie d’urgence? Aussi, la pauvre installation Revolver de Robert Rauschenberg fait pitié, dans son racoin qui ne la met pas en valeur. L’objet semble avoir encombré.

Parmi les pièces que les historiens de l’art ne voudront pas manquer, signalons deux études pour Le Bain turc. La première montre le tableau carré tel qu’il était construit avant sa modification vers sa forme ronde actuelle et l’ajout d’un personnage. La seconde représente La Femme à trois bras et illustre le changement de pose que le peintre a imposé à l’une des baigneuses, expliquant la forme peu naturelle de son sein dans le tableau final.

À titre de curiosité, le violon sur lequel Ingres jouait et qui a donné son nom à l’expression accueille les visiteurs.

Somme toute, une exposition qui s’impose comme un moment fort dans la programmation du Musée national des beaux-art du Québec. Ne manquez pas cette occasion de voir des tableaux importants et un dialogue avec des artistes contemporains.

- INFORMATIONS PRATIQUES - 

• L’exposition Ingres et les modernes est présentée au Musée national des beaux-arts du Québec du 5 février au 31 mai 2009. L’horaire et les informations pratiques sont disponibles sur le site du Musée.
• Le prix régulier pour une entrée est 15 dollars. Le Musée offre certains rabais à certains groupes. Vous aurez accès à Zao Wou-Ki et C’est arrivé près de chez vous avec votre billet, ainsi qu’aux expositions permanentes.

- LECTURE SUGGÉRÉE -

Puisque je n’ai pas encore eu la chance de mettre la main sur le catalogue, je vous recommande de vous procurer Ingres: regards croisés rédigé par Jean-Pierre Cuzin et Dimitri Salmon.

L’insertion du peintre dans divers courants artistiques est fascinante, même si elle semble parfois tirer l’élastique au maximum de sa capacité. Les illustrations sont nombreuses et de bonne qualité. Un plaisir qui se laisse dévorer!

Détails: éditeur Mengès / Réunion des musées nationaux, ISBN #13: 978-2844591296. Si vous êtes à Montréal, commandez-le à la Librairie du Square et saluez Françoise de ma part!

Au Louvre, deux expositions temporaires ont attiré mon regard. D’abord, Abildgaard, 1743-1809 est consacrée au peintre Nicolaï Abildgaard, figure importante de la peinture nordique à la fin du XVIIe siècle. Si l’exposition permet de découvrir une figure artistique peu connue en dehors du Danemark, elle souligne également certaines faiblesses de cet artiste de la cour royale. Ainsi, La théologie, figure allégorique (c.1800) nous montre un visage féminin où les yeux louchent tandis que Richard III avant la bataille de Bosworth (1780-89) propose un raccourci de la cuisse droite bien maladroitement exécuté. Heureusement, des tableaux comme Philoctète blessé (1774-75) et sa pose torturée ou Cauchemar (c.1800) et son dialogue avec l’oeuvre de Füssli rattrapent l’ensemble.

Dans un tout autre ordre d’idée, le musée a proposé une sélection de dessins au compositeur Pierre Boulez qui en a choisi une vingtaine. Ce sont les notions du tout et de la partie, de la continuité et de la rupture et de l’oeuvre en suspens qui sont questionnées dans Pierre Boulez. Oeuvre: Fragment. Ce nouvel agencement des oeuvres de Kandinsky, Renoir, Degas et d’autres en fonction d’un oeil qui cherche l’inachevé permet une lecture enrichie et des comparaisons entre les artistes.

J’ai profité de ma visite au Musée du Louvre pour acheter mon billet pour la conférence Picasso Pastiche, selon Freud qu’y donnera Rosalind Krauss vendredi soir. Je vous tiendrai au courant. Le musée a également entrepris une vaste campagne de sensibilisation au processus de dation. Des panneaux informent les visiteurs de ce mode de paiement des impôts par transfert d’oeuvres d’art. Certains tableaux présents dans les collections du Louvre sont ainsi identifiés dans les différentes galeries, dont L’Astronome de Vermeer. 

Visite ensuite de Celtes et Scandinaves - Rencontres artistiques VIIe – XIIe siècle au Musée national du Moyen Âge. Un peu courte et à l’étroit, l’exposition propose surtout de suivre la lente  apparition des signes de la chrétienté dans les pays nordiques et celtiques. Un peu décevant. Lors de ma visite, la conservatrice du musée présentait leurs acquisitions récentes devant une foule bien attentive. Ne serait-ce pas là une excellente idée à importer dans nos propres musées?

Dans le cadre de l’exposition De Miro à Warhol. La collection Berardo à Paris, le Musée du Luxembourg propose plus de 70 oeuvres récemment acquises par un collectionneur privé pour doter le Portugal d’un fond important de pièces contemporaines. Comme à chaque visite au Luxembourg, je suis reparti à la fois heureux de ma visite, mais insatisfait de l’expérience vécue. Dans le cas présent, l’aspect disparate des oeuvres présentées empêche évidemment de tenir un discours unificateur. Certains artistes semblent figurer au générique par leur seule notoriété, comme la petite gouache de Picasso. La collection semble construite à partir de ce qui était disponible sur le marché, comme un who’s who du XXe siècle, sans réel désir de tenir un discours. Fait à signaler, on retrouve Abstraction (orange) de 1952 peinte par Jean-Paul Riopelle parmi les oeuvres choisies. La présence d’oeuvres portugaises par Lourdes Castro et Maria Helena s’est révélée une jolie découverte qui a piqué ma curiosité au sujet de l’art contemporain de ce pays. Pour en savoir plus, il est possible de visionner un extrait de la vidéo de l’exposition en ligne sur Great American Nude #52 par Tom Wesselmann, mais soyez prévenu que le narrateur parle très lentement.

[Devant le Musée national Eugène Delacroix]

Le coup de coeur de la journée est sans contredit l’exposition au Musée national Eugène Delacroix. Delacroix et la photographie retrace l’influence de l’apparition de ce nouveau médium dans la pratique du peintre. Plutôt que de se montrer rébarbatif à cette modification dans les façons de travailler, Delacroix a utilisé la photo pour réaliser des nus académiques, dont certains seront traduits en peinture. C’est ainsi qu’il a réalisé, avec Durrieu, deux séances avec des modèles pour réaliser un album d’une vingtaine de pages à partir duquel il créera de nombreux dessins et esquisses. Dans le cadre de cette exposition, toutes les photographies de cet album sont réunies, ainsi que des esquisses du peintre réalisées à partir de celles-ci. De plus, de nombreux portraits de Delacroix ont été tirés, parfois à son plus grand désarroi devant son air sévère. Un pur plaisir! 

[Eugène Delacroix, Lutte de Jacob avec l'Ange]

Une visite éclair à l’Église Saint-Sulpice m’a permis de me rafraîchir l’oeil avec la Lutte de Jacob avec l’Ange, peinte par Delacroix.

La journée s’est terminée au Centre Pompidou pour voir trois expositions temporaires. Le Futurisme à Paris, Une avant-garde explosive propose d’explorer les liens entre les Italiens et les Parisiens. Simple, claire et facile à comprendre, l’exposition s’avère une excellente mise en bouche pour les amateurs d’art qui ne seraient pas familiers avec ce mouvement artistique. Entre autres, il convient de signaler la mise en commun (partielle) des oeuvres présentes à l’exposition des Futuristes italiens à la galerie Bernheim-Jeune & Cie en 1912, la toujours plaisante une du Figaro du 20 février 1909 avec son Manifeste du Futurisme, la mise en valeur du vorticisme anglais et des oeuvres importantes du cubofuturisme russe. 

L’installation Champ de vision de Damián Ortega se consomme en un rien de temps, mais quelle expérience! L’artiste a placé des pastilles en plastique sur des filins allant en régressant vers le fond d’une grande salle. À son extrémité, un oculaire permet de découvrir une image insoupçonnée. Finalement, le designer Ron Arad propose des centaines d’objets aux lignes courbes qui surprennent par leurs formes non conventionnelles dans No discipline.

La suite prochainement.

[Source: Georges Jansoone]

La chaine de télévision artv rediffuse le documentaire Le Business des musées le 3 octobre 2008 à 15h00. C’est l’occasion idéale de (re)voir cette émission si vous avez manqué sa diffusion dimanche dernier.

Le documentaire a été réalisé par Sylvain Bergère et Stéphane Osmont pour la chaîne française arte. Description:

Les musées sont-ils des marques exportables, et les oeuvres une monnaie d’échange? Depuis que le Louvre a décidé de s’implanter à Abou Dhabi, la polémique fait rage. Ce documentaire passionnant et iconoclaste explore les dilemmes de la muséographie contemporaine dans toute leur complexité.

Un vaisseau futuriste étincelant posé au coeur d’une vallée industrielle sinistrée : en 1995, le musée Guggenheim est le premier à s’exporter en ouvrant à Bilbao une antenne loin de sa base new-yorkaise. Avec son bâtiment titanesque conçu par l’architecte Frank O’Gehry et sa collection prestigieuse, il attire près d’un million de personnes par an, dont environ 70 % d’étrangers. La démonstration est faite : un établissement culturel prestigieux peut constituer un relais de croissance pour des territoires en mal de reconversion. Pourtant, lorsque le Louvre décide en 2007 d’ouvrir une succursale à Abou Dhabi, l’opinion s’insurge. Le musée serait-il en train de s’éloigner de sa mission d’origine, aveuglé par l’appât du gain? Et déjà on parle d’installer un Centre Pompidou à Shanghai, un British Museum à Pékin, un musée de l’Ermitage à Londres, Amsterdam, Las Vegas… 

Au Palais de Tokyo se termine demain l’exposition Superdome qui présente cinq espaces de création qui testent la notion d’oeuvre d’art. Christophe Büchel propose Dump, une pile de déchets dans laquelle plonge un tunnel métallique. Les visiteurs sont invités à le parcourir pour découvrir une maison de l’autre côté du tunnel. Malheureusement pour moi, les sessions de la journée étaient complètes…

Difficile de manquer l’oeuvre de Daniel Firman. Avec Würsa (à 18 000 km de la terre), il offre un éléphant surdimensionné se tenant sur la trompe. C’est à 18 000 km que l’artiste a calculé que le pachyderme serait en état d’apesanteur pour réaliser cet exploit.

[Daniel Firman, Würsa (à 18 000 km de la terre), 2008]

[Daniel Firman, Würsa (à 18 000 km de la terre) (détail), 2008]

Également présents sont Fabien Giraud & Raphaël Siboni avec Last Manoeuvres in the Dark, Arcangelo Sasolino avec Afasia 1 et Jonathan Monk avec Time Between Spaces. Ce dernier est également dans une exposition au Musée d’art moderne de la ville de Paris, voisin du Palais. J’y ai vu les oeuvres op’art de Bridget Riley et la rétrospective Peter Doig.

Le Musée Guimet se spécialise dans les arts asiatiques. On y retrouve une vaste collection d’objets de la Corée, du Vietnam, du Japon, de la Chine, du Cambodge… Certaines oeuvres graphiques sont également proposées, dont des dessins de Hiroshige que m’épatent toujours.

[Me tenant devant Montagnes et rivières sur la route de Kiso, Utagawa Hiroshige, 1857]

La journée s’est terminée au Musée national d’art moderne du Centre Pompidou. Outre les collections permanentes qui valent toujours le détour, des présentations temporaires sur Georges Rouault, le photographe Miroslav Tichý et l’Action Painting étaient exposées. Le Musée présentait ses grandes toiles dans le cadre des Abstractions gestuelles après 1945. Jackson Pollock accueille les visiteurs. J’ai eu le bonheur de voir une grande toile de Riopelle.

[Me tenant devant Chevreuse, Jean-Paul Riopelle, 1954]

Le tout s’est terminé par un beau coucher de soleil sur le toit du Centre Pompidou. Bonheur.

* Le Mois Multi 9 présente le volet automnal de son édition 2008.

* Le Sacré n’attire plus grand monde.

* Une suggestion de blogue qui ravira vos yeux.

Bronzes retrouvés à Vancouver [Photo: Vancouver Police Department]

* Divers bronzes volés dans les parcs de la région de Vancouver sont retrouvés. 

* Des  vandales brisent un vitrail de Marc Chagall en cambriolant la cathédrale de Metz.

* Les milieux de la technologie et de l’art sont entrés en collision cette semaine. Un photographe a été expulsé du San Francisco Museum of Modern Art pour utilisation illégale de sa caméra. J’ai toujours trouvé surprenant cette gêne nord-américaine des musées face aux photographes, le milieu de l’art s’étant développé grâce à la copie. 

* Le musée Guggenheim de Bilbao (partie basque de l’Espagne) a perdu des millions à cause des taux de change fluctuants.