Image non identifiée associée à la pratique de Ruth Loïs Feukoua et Serge Olivier Fokoua. Ces deux artistes seront au Lieu, centre en art actuel, en octobre 2011. Source: Le Lieu, centre en art actuel

(Communiqué) Québec, 26 septembre 2011 – Le Lieu, centre en art actuel vous propose de découvrir l’installation écologique Destination verte des artistes camerounais Ruth Loïs Feukoua et Serge Olivier Fokoua.

DESTINATION VERTE
Ruth Loïs Feukoua &
Serge Olivier Fokoua (Cameroun)
DU 14 OCTOBRE AU 6 NOVEMBRE 2011
VERNISSAGE LE VENDREDI 14 OCTOBRE À 19 H

Destination verte est un projet artistique faisant la promotion de l’environnement, une invitation, une sensibilisation, un appel à contribution pour sauver notre planète. Pendant leur séjour à Québec, Feukoua et Fokoua sillonneront les recoins de verdure de la région pour y sélectionner des petites plantes vertes et sauvages. Ils étudieront leur spécificité, leur originalité et leur capacité d’adaptation.

Tout en les portant du sol à la galerie, ils les apprivoiseront en les installant dans des assiettes où elles continueront de vivre. Ces assiettes seront ensuite déposées sur des socles avec fourchette et couteau de table : « le repas est servi, passez à table ! » Manger naturel, manger bio, est capital et essentiel pour la santé physique et morale de l’humain.

La mal bouffe n’a pas de frontières. La planète est menacée, la pollution nous envahit en raison de l’action de l’homme qui par ignorance ou encore par égoïsme perd peu à peu ces bonnes habitudes… Destination verte est une sensibilisation, un cri d’alarme sur le caractère sacré et précieux de la vie.

Ruth Loïs Feukoua est née en 1976 à Yaoundé, au Cameroun. Plasticienne, elle a présenté son travail au Cameroun, au Japon et en Allemagne.

Serge Olivier Fokoua est né en 1976 à Douala, au Cameroun. Il vit aujourd’hui à Yaoundé où il travaille comme artiste plasticien. Il est président du collectif Les Palettes du Kamer et directeur du Festival RAVY (Rencontres d’arts visuels de Yaoundé). Depuis 2000, il a présenté son travail en performance et en installation lors de plusieurs expositions au Cameroun, en Afrique du Sud, au Japon, en France et en Allemagne. Pour Fokoua : « Tout dans la vie est quête de la simplicité ».

Actif à Québec depuis 1982, Le Lieu, centre en art actuel est engagé dans des activités sédentaires à Québec ainsi que dans des opérations nomades, activités et projets au Québec comme à l’étranger. Le caractère multidisciplinaire du centre fait côtoyer installation, performance, manoeuvre, art action, art audio, poésie sonore, vidéo et autres explorations des paramètres de l’expressivité artistique.

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Oeuvre non identifiée de Jean-Marc Mathieu-Lajoie présentée au Lieu, centre en art actuel, dans le cadre de l'exposition Mater Dolorosa. Photographie: Roger Côté. Source: Le lieu, centre en art actuel.

(Communiqué) Québec, 7 septembre 2011 –

Jean-Marc Mathieu-Lajoie
MATER DOLOROSA
DU 9 SEPTEMBRE AU 2 OCTOBRE 2011
VERNISSAGE VENDREDI 9 SEPTEMBRE À 19 H

Le Lieu, centre en art actuel vous propose de découvrir les plus récentes recherches de l’artiste québécois Jean-Marc Mathieu-Lajoie.

La statuaire et le décor religieux ont profondément marqué l’enfance et l’imaginaire de Jean-Marc Mathieu-Lajoie. L’artiste récupère ses statues et les réintègre selon un système d’installation faisant appel à l’imaginaire collectif et aux références culturelles et traditionnelles québécoises. Il traite à sa façon de la spiritualité dans le monde actuel, mais aussi d’un patrimoine et d’une mémoire qui tend à s’effacer. (Vincent Giguère)

Né en 1950, Jean-Marc Mathieu-Lajoie vit et travaille à Québec. Il expose pour une toute première fois à l’Université Laval en 1972. En 1973, il présente Le jardin intemporel au Musée du Québec. Après trente ans d’absence, en 2003, l’exposition Casse-tête, présentée à l’OEil de Poisson dans le cadre de la Manif d’art 2, connaît un vif succès. Deux ans plus tard, le Musée d’art contemporain de Montréal l’invite à l’occasion de l’exposition collective L’envers des apparences aux côtés d’une dizaine d’artistes canadiens. En 2007, il participe à l’exposition De quoi sont les images faites chez Vidéochroniques à la Friche Belle de mai de Marseille. En 2008, il propose La Chute des Anges à la Galerie des arts visuels de l’Université Laval s’inscrivant dans un vaste corpus d’oeuvres découlant d’un processus obsessif de collection et de détournement d’objets à caractère religieux. La même année, il sera de l’exposition collective Vue sur Québec dans le cadre de la Biennale de Liverpool, en Angleterre, de même que C’est arrivé près de chez vous au Musée national des beaux-arts du Québec. En 2011, il participe à l’exposition Anges : rayonnement à travers les arts à la Villa Bagatelle à Québec. Jean-Marc Mathieu-Lajoie est représenté par la Galerie Lilian Rodriguez.

Actif à Québec depuis 1982, Le Lieu, centre en art actuel est engagé dans des activités sédentaires à Québec ainsi que dans des opérations nomades, activités et projets au Québec comme à l’étranger. Le caractère multidisciplinaire du centre fait côtoyer installation, performance, manoeuvre, art action, art audio, poésie sonore, vidéo et autres explorations des paramètres de l’expressivité artistique.

Le Lieu, centre en art actuel
345, rue du Pont, Québec (Québec) G1K 6M4
Tél. : 418-529-9680
Télec. : 418-529-6933
communications@inter-lelieu.org
www.inter-lelieu.org

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Les sept membres du jury ont désigné le consortium André Du Bois / Côté Leahy Cardas pour réaliser leur proposition Attracteurs dans le cadre du concours. Le jury a également attribué deux mentions, la première à l’équipe Pelletier de Fontenay & Doyon-Rivest pour Explosion et la seconde à l’équipe S.L.A.P.5 pour La forêt de Lucioles.

Disposition des attracteurs dans le quartier Saint-Roch. Source iconographique: Ville de Québec.

« Nous dévoilons aujourd’hui une proposition fascinante, créée grâce aux talents des artistes, des architectes et des designers. Le quartier Saint-Roch constitue un lieu phare de la création artistique et le jury a su choisir un projet qui s’intègre à l’espace urbain, tout en concrétisant une volonté commune définie lors de Québec horizon culture, soit de créer Saint-Roch technoculture, a déclaré la ministre de la Culture, des Communications et de la Condition féminine, Mme Christine St-Pierre.

« Le projet choisi par le jury est novateur et intriguant. Il s’intègre harmonieusement au quartier tout en affirmant son caractère techno. J’ai bien hâte de voir les premiers Attracteurs et de vivre l’expérience de leur présence dans le paysage urbain », a ajouté Mme Julie Lemieux, conseillère municipale, membre du comité exécutif et responsable des dossiers culturels.

Disposition des attracteurs dans le quartier Saint-Roch. Source iconographique: ville de Québec.

La proposition Attracteurs
Composé d’une cinquantaine de sculptures coulées en bronze qui sont formées de 2, 3 ou 4 individus et disposées à des endroits différents dans le quartier Saint-Roch, ce parcours d’œuvres d’art public est une sorte de confidence au passant. À son approche, elles détectent sa présence ce qui provoque une vibration et un son léger et diffus perceptible seulement par les personnes à proximité de la sculpture. Fait à souligner, les attracteurs ne seront pas tous semblables puisque la technique utilisée permet de varier leur dimension et les composantes.

Le jury a apprécié la grande cohérence conceptuelle tant sur le plan artistique que technologique de ce projet. L’intégration dans le quartier et la possibilité de cohabitation harmonieuse avec d’autres œuvres d’art public ont été reconnues par le jury comme une force pour ce projet. Enfin, l’implantation dans le quartier de ces structures à la fois troublantes et poétiques lui donne une signature particulière et transforme son image correspondant ainsi à l’esprit du concours.

L’exposition des projets
Le projet du lauréat et celui des quatre finalistes seront présentés au public lors d’une exposition qui se déroulera à la fin du mois de juin.

Rappelons que ce projet a fait l’objet d’un engagement lors de Québec horizon culture et qu’il bénéficie d’un financement à la hauteur de 1,2 M$ provenant de l’Entente de développement culturel intervenue entre la Ville de Québec et le ministère de la Culture, des Communications et de la Condition féminine. Québec horizon culture est né d’une volonté commune des gens d’affaires, du milieu culturel et de la classe politique de faire de la culture un des moteurs du développement économique de la capitale nationale.

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Mme Esther Trépanier devant Autodafé (2005-2011), de Louise Viger. Cintres de bois, fil de métal, fil de nylon, bois, teinture, vernis acrylique mat, bande sonore. Texte et voix de Denise Desautels: Autodafé extrait de l'Oeil au ralenti, éditions du Noroît, 2007. MNBAQ. Oeuvre en cours d'acquisition. Photo: MNBAQ, Idra Labrie. © Louise Viger / SODRAC (Montréal) 2011

(Communiqué) Québec, 7 avril 2011 – À la veille de quitter la direction du MNBAQ, Esther Trépanier tenait à remercier le public du Québec. À son entrée en fonction en 2008, elle avait initié une campagne de dons auprès de la clientèle du Musée visant à recueillir des fonds pour l’acquisition d’une oeuvre d’art.

Grâce aux contributions accumulées, une oeuvre magistrale de Louise Viger, intitulée Autodafé, fait son entrée dans la collection du Musée. « Je tiens à remercier tous ceux et celles qui, par leurs dons généreux et par leur participation aux activités culturelles, donnent vie à notre institution. », souligne Esther Trépanier.

L’oeuvre est déjà présentée dans la rotonde du rez-de-chaussée du pavillon Gérard-Morisset, une aire publique accessible à tous gratuitement. « L’installation, de préciser madame Trépanier, se présente comme une monumentale robe à traine composée, non pas de tissu soyeux, mais de cintres en bois. En y regardant de plus près, on peut voir dans cette accumulation ordonnée de bois, un bucher où l’on brulait les sorcières, les livres ou les oeuvres interdites. »

Au centre de l’oeuvre une colonne diffuse la voix vibrante de la poétesse Denise Desautels (Prix du Québec, Athanase-David 2009), qui récite le texte donnant son titre à l’oeuvre. Il y est question d’une mère qui a brûlé toutes les lettres que lui avait envoyées sa fille. « Autodafé d’une violence personnelle mais qui rejoint une expérience universelle par l’allusion qu’elle fait à la contrainte et à la négation de l’autre. » ajoute Esther Trépanier.

Le premier geste d’Esther Trépanier aura été de souligner l’apport des femmes artistes québécoises au XXe siècle. Sa dernière contribution aura été de favoriser l’acquisition d’une oeuvre d’art qui célèbre la collaboration de deux créatrices d’aujourd’hui. C’est boucler la boucle de la plus belle des façons.

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Vincent Robitaille propose «Moines de Gouttières ou Ma Maculée Conception» à l'Oeil de poisson dès le 1er avril 2011. Source iconographique: L'Oeil de poisson - Étienne Boucher / CABAL Communications

(Communiqué) Québec, 22 mars 2011 –

Vincent Robitaille
Moines de Gouttières ou Ma Maculée Conception

L’Oeil de poisson
Petite galerie
Vernissage : 1er avril dès 20 h
Accompagné d’un lancement de roman
Vendredi 1 avril 2011 au
Dimanche 1 mai 2011

Alliant éléments naturels et résidus urbains, mariant sa poésie « indigène » aux réalités contemporaines, Vincent Robitaille crée des univers foisonnants qui tranchent avec les espaces (de vie ou d’art) habituels. Ceux-ci engagent, par ailleurs, des efforts colossaux d’entreposage, de transport et d’installation. Ses « collections lourdes » de bois tordu, de métaux et de plantes posent la question du nomadisme comme pratique artistique et font participer plusieurs acteurs à leur monstration.

Comptant sur des éléments familiers et chaleureux (musique, fauteuils, fougères, lampes, aquariums), Robitaille a su développertoute une série de légendes d’objets, sinon d’anecdotes visuelles. Dans ces compositions temporaires, l’habitable n’est jamais loin et propose un arrêt sur notre ravageuse rapidité.

Le cowboy en racines tordues sera-t-il à genoux, sur un prie-dieu avec pédale de break, soutenant de ses bras maigres les fragments flottants d’une voiture, proposés en tant que lustres délicats? – Vincent Robitaille

L’artiste procèdera également au lancement, à l’occasion du vernissage,de son premier roman édité à compte d’auteur : Je t’aime comme je suis.

DEC en sciences, technique photographique, Baccalauréat enarts plastiques, Vincent Robitaille s’est vu mériter, à la suite de son baccalauréat, la Bourse René-Richard ainsi que le Prix Tomber dans l’OEil. Ce jeune artiste intimiste partage son temps entre l’installation, la route, la poésie et les histoires qu’il rend souvent compliquées. Questionnant l’opportunité d’être tripolaire, il ne croit pas exagéré de considérer son propre bois, malgré les témoignages positifs, comme une feinte mémorielle assemblée parfois dans le but de dissimuler quelque chose, ou quelqu’un.

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Stéphane Gilot propose «Séjour bister» à l'Oeil de poisson dès le 1er avril 2011. Source iconographique: L'Oeil de poisson / CABAL communications

(Communiqué) Québec, 22 mars 2011 –

Stéphane Gilot
Séjour bistre

L’Oeil de poisson
Grande galerie et entrée vidéo
Vernissage : 1er avril dès 20 h
Rencontre avec l’artiste dès 19 h 30

Vendredi 1 avril 2011 au
Dimanche 1 mai 2011

« Séjour bistre » est une installation englobante qui conditionne notre présence et nous plonge dans une architecture de soustraction : il s’agit d’unedépression de surface plutôt que d’une structure érigée. Le dispositif se présente comme la calcification d’un potentiel dont l’utilité reste floue. Il nous convie à jouer un rôle dans un récit plus large, indéfini et offre une réponse à l’appel de Samuel Beckett : « La seule recherche féconde est excavatoire, une immersion, une contraction de l’esprit, une descente. »

Lors du vernissage, Sarah Wendt, artiste de la performance, danseuse et musicienne, séjournera dans la fosse. Une vidéo de sa performance sera par la suite diffusée dans l’entrée vidéo pour la durée de l’exposition.

Je suis dans une fosse, une sorte de petite arène. Je ne sais pas depuis quand ni pourquoi j’y suis. Il y a trois orifices qui percent le mur courbe. Moins que des réduits vraiment. Dans l’un je dors. Je mange et je bois dans le second. Je m’y libère également. Je souffle dans le dernier. Lorsque je m’applique, le séjour sonne comme un cor français large comme une demeure. [...] Parfois une silhouette émerge du couloir situé dans la courbe la plus serrée de l’ovale. L’ai-je mentionné ? Je vis désormais dans un trou ovale, pas même une pièce, juste un séjour ovale et bistre. – Stéphane Gilot

Originaire de Belgique, Stéphane Gilot est basé à Montréal depuis 1996.Il propose des installations architecturales où la vidéo et la performancejouent un rôle central, ainsi que des dessins, des aquarelles, des maquettes.Les interventions sont souvent conçues d’après contexte ettransforment l’espace en tenant compte de son aspect architectural, idéologiquetout en interrogeant le terrain métaphorique de l’art et de ses publics.On a pu voir son travail au Canada, en Belgique, en France, aux États-Unis, aux Pays-Bas, en Allemagne, en Espagne, en Angleterre, en Finlande,en Serbie autant qu’au Brésil. L’artiste détient une Maîtrise en arts visuelset médiatiques de l’Université du Québec à Montréal.

Stéphane Gilot tient à remercier Caroline Boileau et l’équipe de L’Oeil dePoisson.

Projets récents de l’artiste : www.wooloo/stephanegilot

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Jonathan Villeneuve, Mouvement de masse (détail), 2010. Source iconographique: La Chambre blanche / Alexis Bellavance / © Jonathan Villeneuve

(Communiqué) Québec, 10 mars 2011 – De manière exceptionnelle, LA CHAMBRE BLANCHE accueillera en galerie une exposition plutôt qu’une résidence. En effet, l’artiste montréalais Jonathan Villeneuve présentera au public, du 17 mars au 17 avril 2011, deux installations électromécaniques mettant en oeuvre une poétique du mouvement.

Jonathan Villeneuve
Le long de la 20 en passant par la 15
Exposition: du 17 mars au 17 avril 2011
Vernissage: le jeudi 17 mars 2011 à 17h
Détails: jonathan-villeneuve.com

« Mon travail récent est conçu à partir de matériaux utilitaires et familiers qui évoquent l’architecture du quotidien » affirme l’artiste. « J’assemble et mets en mouvement ces différents éléments de façon à en extraire le potentiel poétique et narratif. Mes oeuvres impliquent physiquement le spectateur par leur échelle et leur mouvement et renvoient à une expérience personnelle et incarnée de l’architecture en tant qu’environnement construit. » poursuit-il.

Dans Faire la vague (2009), Jonathan Villeneuve utilise des matériaux de construction pour créer un rideau de bois qui, malgré sa rigidité, ondule en douceur, comme entraîné par le vent. Sonore et monumentale, cette oeuvre évoque la grandeur d’un orgue tout en se rapportant à des éléments familiers, notamment dans sa construction.

Avec Mouvement de masse (2010), l’action du vent est également simulée, mais cette fois grâce à des végétaux qui s’agitent nonchalamment sur un même axe. Dans les installations de Jonathan Villeneuve, les dispositifs mécaniques s’offrent à la vue et invitent à la contemplation, tant par leur forme que par leur fonction. À la fois simples dans leurs tâches et complexes dans leur fonctionnement, ses oeuvres frayent avec le paradoxe en leurs qualités de machines poétiques.

Jonathan Villeneuve détient un baccalauréat en art visuel et médiatique de l’UQAM depuis 2005 et une maîtrise en Arts de l’Université Concordia à Montréal, complétée en 2009. Ses principaux champs de création sont la sculpture, l’installation et les nouveaux médias. Son travail a été présenté au Canada et en Europe. Il est membre du collectif Perte de Signal depuis 2005. Il vit et travaille à Montréal.

L’artiste remercie Pavitra Wickramasinghe, Jason Cook, Sofian Audry, Samuel St-Aubin, Maskull Lasserre, Alexis Bellavance et Robin Dupuis.

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Caroline Gagné propose Cargo à l'Oeil de poisson dans le cadre du Mois Multi 2011. Source iconographique: L'oeil de poisson / Cabal Communications

(Communiqué) Québec, 16 février 2011 –
vernissage le jeudi 17 février de 18 h à 21 h
(591, rue De Saint-Vallier Est)
visite libre du 18 février au 2 mars
du lundi au vendredi de 12 h à 18 h
les samedis et dimanches de 12 h à 17 h

Entrée libre

Illuminations – Installation visuelle
John Oswald (Canada)
Hall de Méduse / Le Cercle / La Cuisine
3 février au 2 mars selon les heures d’ouverture des lieux

John Oswald, connu pour ses fameux plunderphonics – une forme d’appropriation de l’enregistrement studio avec des découpes et de la surimposition –, nous livre une réflexion sur l’image à travers le regroupement de cinq œuvres qui oscillent entre la photographie et le cinéma. Illuminations regroupent plusieurs pièces. Pour chacune de ces pièces, l’artiste fabrique un jeu de mise en mouvement de l’image d’une grande efficacité : il aligne des yeux de multiples visages qui se surimposent avec une rare lenteur, propose une relecture d’une œuvre de Stan Brakhage sur un minuscule IMAX, ou encore, transforme une séquence d’images macro en une séquence visuelle d’une belle étrangeté. Oswald nous livre donc en images, toute cette force de création qu’on lui reconnaît dans le domaine des sons.
Site Internet : www.pfony.com

Lixiviat – Installation vidéo
Robin Dupuis (Montréal)
Galerie de la Bande Vidéo (620, Côte d’Abraham)
3 février au 2 mars

Robin Dupuis aborde la construction de structures narratives à l’aide d’images et de sons générés et filtrés par des systèmes informatiques de conception artisanale. Il intervient sur le support numérique, transforme le langage de l’image en mouvement et joue avec l’univers sonore dans le but de proposer une expérience contemplative. Les images abstraites et les sons inouïs qu’il réussit à créer amènent le spectateur à « percevoir » de façon plus intuitive, à la manière de ce qu’Henri Chomette nommait un cinéma pur.

La Chorale – Installation vidéo et sonore
Jean-François Côté (Québec)
studio d’Essai, Coopérative Méduse (591, rue De St-Vallier Est)
17 février au 2 mars

Sur quatre écrans, Jean-François Côté tisse une toile humaine qui oscille entre la fiction et le documentaire. En alternance entre des plans larges et des plans rapprochés, les images d’une chorale de gens âgés et d’une chorale de jeunes chanteurs forment un dialogue intergénérationnel qui évoque le rapport entre l’individu et la masse. La performance offerte par la chorale est un poème de Mao intitulé Snow, publié en 1936, qui fait référence à des moments charnières de la culture sociale et de l’histoire de la Chine. En se déplaçant dans l’espace, le spectateur, muni d’écouteurs sans fil dotés d’un système de positionnement, peut modifier à sa guise le déroulement du montage audio et vidéo, morcelant ainsi cette œuvre comme s’il dialoguait à son tour avec le fil de l’Histoire.

225 Prepared DC-Motors, Filler Wire 1.0mm et
124 Prepared DC-Motors, Cardboard Boxe – Installations sonores
Zimoun (Suisse)
salle Multi, Coopérative Méduse (591, rue De St-Vallier Est)
17 février au 2 mars

Les sculptures cinétiques et sonores de Zimoun, intitulées 225 Prepared DC-Motors, Filler Wire 1.0mm et 124 Prepared DC-Motors, Cardboard Boxes, sont composées d’objets motorisés et assemblés pour extraire la « résonance brute » de la matière. D’une esthétique épurée et d’une grande simplicité structurelle, ces deux installations nous révèlent les aspects tant artificiels qu’organiques du monde industriel. Empreintes de poésie, ces séries de mécanismes s’activent à un rythme à la fois « métronomique » et effréné : elles émettent un bruit musical constant qui, sous l’effet de la multiplication, atteint une grande complexité sonore. Le travail de Zimoun transforme et fait vivre l’espace par des sons qui deviennent en quelque sorte les unités vivantes d’un récit tapageur!
Site Internet : www.zimoun.ch

Just Noticeable Difference – Installation immersive
Chris Salter (Montréal)
studio d’Essai, Coopérative Méduse (591, rue De St-Vallier Est)
17 février au 2 mars

Tout comme au cinéma, le spectateur est invité à s’installer dans le noir. À la différence qu’ici, il est couché seul dans une salle obscure, complètement isolé, pour y vivre une aventure multisensorielle. À travers cette œuvre, Chris Salter explore le phénomène de la perception croisée, basé sur une théorie des sensations développée par le psychologue allemand Gustav Fechner. L’installation est composée d’une série de dispositifs qui produisent des effets tactiles, olfactifs, audio et visuels en réponse à la présence du visiteur. L’un des dispositifs, intégré au plancher, est composé d’actionneurs « vibrotactiles » sur lesquels les participants se couchent. Le système transmet alors une série de stimulus de différentes intensités, passant de ce qui est à peine perceptible à ce qui est aisément détectable. Une expérience sensorielle totale!

Cycloïd-E – Installation sonore et cinétique
Cod.Act (Suisse) Michel et André Décosterd
salle Multi, Coopérative Méduse (591, rue De St-Vallier Est)
17 février au 2 mars

Les frères Décosterd ont associé leurs compétences – l’un est musicien, compositeur et plasticien du son, et l’autre est architecte et plasticien – pour créer cette œuvre à la fois objet-spectacle et sculpture sonore cinétique. Intitulé Cycloïd-E le dispositif d’une envergure de 11 mètres trace dans l’espace un flux sonore hypnotique. Les tubes métalliques, équipés de sources sonores et d’instruments de mesure capables de les faire résonner en fonction de leur rotation, produisent une danse mécanique aux trajectoires imprévisibles. L’œuvre est née d’un désir d’approcher des mécanismes produisant des mouvements ondulatoires visibles et de les mettre en relation avec le développement d’ondes sonores. Une œuvre cinétique et polyphonique possédant une force d’attraction indéniable…
Site Internet : www.codact.ch

Cargo – Installation sonore
Caroline Gagné (Québec)
Grande Galerie de l’Œil de Poisson (580, Côte d’Abraham)
du 17 février au 20 mars

Pour la création de cette installation sonore, Caroline Gagné a fait une traversée à bord d’un cargo, équipée d’outils numériques de captation sonore et vidéo. Au fil de sa trajectoire entre Charleston (États-Unis) et Anvers (Belgique), l’artiste a saisi la couleur du temps, les différents bruits ambiants du navire ainsi que les transbordements portuaires. En plongeant dans l’atmosphère de cette traversée Transatlantique, le visiteur se retrouve au cœur de plusieurs strates sonores à travers lesquelles se dessine un paysage fait de textures, de nuances et de mouvements sonores délicats qui évoquent l’envergure du voyage et l’étendue colossale de l’océan.
Site Internet : http://lenomdelachose.org/avatar

Site Internet : www.moismulti.org

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Source: Le Lieu, centre en art actuel

(Communiqué) Québec, le 16 décembre 2010 – Le Lieu, centre en art actuel ouvre sa saison d’hiver 2011 en accueillant pour la première fois le prolifique et corrosif duo Cooke-Sasseville. Pour l’occasion, ils ne tentent rien de moins que la réconciliation de la séduction et du dégoût, de l’art et du rat. Mystérieux, n’est-ce pas? Alléchant aussi!

Cooke-Sasseville
Le penseur en chocolat
DU 14 JANVIER AU 13 FÉVRIER 2011
VERNISSAGE LE 14 JANVIER À 20 H

Pour arriver à ses fins, le duo a conçu une sculpture monumentale, de facture très accessible et d’envergure muséale. Paradoxalement, cet objet qui devrait être complètement inoffensif transmet un mal dont le seul antidote valable reste encore le rire.

Il faut bien dire que Cooke-Sasseville ont fait du malaise un de leurs matériaux de prédilection. Ils jouent de l’inconfort comme d’autres d’un Stradivarius et sont devenus, avec le temps, des virtuoses du « sarcasme polyphonique ».

L’oeuvre, dont l’aspect extérieur exact est un secret aussi bien gardé que la recette d’une certaine friandise chocolatée, se situe en droit-fil avec la production iconoclaste des deux artistes. Sans pour autant former une série, cette pièce s’ajoute au joyeux bestiaire que le duo a débuté lors de la plus récente Manif d’art.

Jean-François Cooke et Pierre Sasseville vivent et travaillent à Québec. Depuis 2000, ils oeuvrent conjointement sous le nom Cooke-Sasseville. Leurs installations ont été présentées dans plusieurs événements majeurs au Québec ainsi qu’à l’étranger. En 2008, ils ont, entre autres, pris part à l’exposition Rien ne se perd, rien ne se crée, tout se transforme, la Triennale québécoise présentée au Musée d’art contemporain de Montréal, à l’exposition Québec Gold réunissant le travail d’une vingtaine d’artistes québécois à Reims en France ainsi qu’à l’exposition C’est arrivé près de chez vous. L’art actuel à Québec présentée au Musée national des beaux-arts du Québec. Le duo Cooke- Sasseville s’est vu décerner de nombreux prix et bourses au Québec comme au Canada. On compte de leurs oeuvres dans des collections institutionnelles, muséales et privées. Ils ont de nombreuses oeuvres d’art publiques à leur crédit dont deux qui sont encore en cours de réalisation. Ils sont représentés par la galerie Art Mûr.

Actif à Québec depuis 1982, Le Lieu, centre en art actuel est engagé dans des activités sédentaires à Québec ainsi que dans des opérations nomades, activités et projets au Québec comme à l’étranger. Le caractère multidisciplinaire du centre fait côtoyer installation, performance, manoeuvre, art action, art audio, poésie sonore, vidéo et autres explorations des paramètres de l’expressivité artistique.

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(Communiqué) Québec, le 1er novembre 2010 – La leçon d’anatomie est à la fois un tableau célèbre de Rembrandt (1632), artiste hollandais bien connu, et un point de départ pour l’exposition présentée par Owen Wandering à la Brûlerie St-Roch du 7 novembre 2010 au 7 janvier 2011.

Neuf portraits individuels, reprenant les poses du tableau de maître, viennent peupler les murs de votre café préféré et, dans chaque cas, les personnages sont abordés d’une façon différente.

Conçus spécifiquement pour cet endroit particulier, les panneaux de contreplaqué installés cherchent le juste milieu entre la sculpture, la peinture et le dessin; entre l’utilisation de la couleur et son absence; et entre l’expérience artistique inédite et le petit quotidien.

Owen Wandering termine présentement son Baccalauréat en arts plastiques à l’Université Laval. L’an dernier, il s’est mérité le prix Meilleur exposition en tant que membre du Collectif des proprios lors du Gala de la vie étudiante de l’Université Laval pour « 4½ à découvrir : au Carrefour des Générations ». L’artiste tient à remercier les employés et l’administration de la Brûlerie St-Roch d’avoir accueilli ce projet et pour y avoir participé en tant que modèles.

Les heures d’ouverture de la Brulerie et de l’exposition sont de 6 h 30 à 23 h, du dimanche au mercredi, et de 6 h 30 à 24 h, les jeudis, vendredis et samedis.

Le vernissage aura lieu le dimanche 7 novembre 2010, de 14 h à 17 h.

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(Communiqué) Québec, le 16 novembre 2010 –

NOROÎT DANS L’HIPPOCAMPE
de MYRIAM LAMBERT
OEuvre d’art médiatique in situ
Dans le choeur de l’église St-Dominique
175, Gande-Allée Ouest à Québec
Du 12 au 22 novembre 2010 – de 12H30 à 19H
(exposition fermée lors des messes – 16H à 17H)

“Mes espaces sont fragiles : le temps va les user, va les détruire : rien ne ressemblera plus à ce qui était, mes souvenirs me trahiront, l’oubli s’infiltrera dans ma mémoire, je regarderai sans les reconnaître quelques photos jaunies aux bords tout cassés.” – Georges Perec, Espèces d’espace

Pourquoi vous sentez-vous Québécois? La famille, le climat, les cours d’eau, le territoire, la nourriture, la religion et ses moeurs…Myriam Lambert porte un regard particulier sur le Québec en tant que lieu porteur de mémoire et constituant d’importants repères culturels.

Noroît dans l’hippocampe est une métaphore de la mémoire visuelle et sonore québécoise. Diffusée dans un espace qui a marqué l’identité de la province, soit l’église, cette oeuvre propose une autre manière de voir l’histoire des Québécois, leur identité. Avec cette oeuvre, l’artiste recontextualise plusieurs documents originaux ou tirés d’archives retravaillés. Des projections d’images sur des pales d’éoliennes en mouvement et des sons triturés mettent en perspective des expériences populaires qui ont marquées l’identité. À la fois poétique et critique, cette oeuvre vous transportera dans le temps, mais ce temps n’est-t-il pas en partie encore actuel?

Myriam Lambert est présentement à la maîtrise en arts visuels à l’Université Laval. Depuis 2003, elle explore principalement les thèmes de la mémoire, du lieu et de l’identité par le biais de la photographie et de l’installation médiatique. Ses oeuvres découlant de résidences d’artistes ont notamment été présentées à AVATAR, à LA CHAMBRE BLANCHE, dans le cadre de LA MANIF D’ART et à L’ÉCART, LIEU D’ART ACTUEL. Lors des fêtes du 400e de Québec, les centres d’artistes REGART et WAGON ART ITINÉRANT présentaient douze de ses oeuvres photographiques sur le pont supérieur des deux traversiers qui relient Québec et Lévis. Myriam Lambert vit et travaille à Québec.

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Cette exposition est rendue possible grâce à la participation financière du Conseil des Arts du Canada et du programme Première Ovation de la Ville de Québec. Cette oeuvre a été réalisée dans le cadre de résidences d’artistes à Avatar et aux Productions Recto-Verso.

Photographies tirées des Archives Nationales, des Archives de la Ville de Québec et des Archives de la famille Lambert et Proulx.

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Crédit photographique: Galerie des arts visuels de l'Université Laval

(Communiqué) Québec, le 9 novembre 2010 – Menlo Park regroupe un corpus d’oeuvres élaborées dans le cadre d’une réflexion commune autour de la figure emblématique de Thomas Alva Edison (1847-1931).

Dans son laboratoire-usine de Menlo Park, Edison mit au point un grand nombre d’inventions qui ont défini notre modernité, à la rencontre de l’art, de la science et de l’industrie. On pense notamment à l’ampoule électrique, au téléphone (à partir des travaux de Bell), au phonographe et à l’un des premiers appareils de visualisation cinématographique, le kinétoscope.

Olivier Asselin, Suzanne Leblanc et David Tomas ont revisité cette histoire en portant leur attention moins sur les inventions réalisées que sur le laboratoire comme lieu d’émergence des possibles et creuset de l’histoire à venir. Une démarche unique cherchant à esquisser une histoire alternative des sciences et des technologies.

Menlo Park. Trois machines uchroniques
Olivier Asselin, Suzanne Leblanc et David Tomas
du 18 novembre au 19 décembre 2010
vernissage jeudi le 18 novembre à 17h

Olivier Asselin enseigne au Département d’histoire de l’art et d’études cinématographiques de l’Université de Montréal. Il co-dirige en 2010: Precarious Visualities: New Perspectives on Identification in Contemporary Art and Visual Culture, avec Johanne Lamoureux et Christine Ross (McGill-Queen’s University Press) et L’Âge électrique, avec Andrea Oberhuber et Silvestra Mariniello (Presses de l’Université d’Ottawa). Il dirige l’équipe de recherche-création Menlo Park et fait partie de Médiatopias, un groupe de recherche sur les technologies de localisation dans l’art contemporain (dir. Christine Ross, Université Mc Gill). Il a réalisé plusieurs longs métrages: La liberté d’une statue, Le siège de l’âme, Maîtres Anciens, La fin de la voix, The Last Days of Paris et Un capitalisme sentimental.

Suzanne Leblanc enseigne à l’École des arts visuels de l’Université Laval. Après des études en philosophie analytique du langage, elle entreprend un doctorat en arts visuels et médiatiques portant sur les modalités de théorisation propres au domaine artistique. Ses oeuvres vidéographiques et webographiques furent présentées notamment à AxeNéo7, SKOL, Daïmon et dans le cadre de l’exposition De Fougue et de passion (1997) au Musée d’art contemporain de Montréal. Elle collabore à divers ouvrages : L’imprimé numérique en art contemporain (Éditions Le Sabord, Trois-Rivières) et Penser, dessiner, construire : Wittgenstein et l’architecture (Éditions de l’éclat, Paris). La maison à penser de P. (Éditions La Peuplade), un roman philosophique, est paru en 2010.

David Tomas enseigne à l’École des arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal. Artiste et anthropologue, ses oeuvres interviennent à l’interface de l’histoire et de l’anthropologie des médias et entre les cultures et transcultures des technologies de l’image. Son travail a été largement diffusé au Canada, aux États-Unis et en Europe. Il est l’auteur de: Transcultural Space and Transcultural Beings; Beyond the Image Machine: A History of Visual Technologies; A Blinding Flash of Light: Photography Between Disciplines and Media; et DUCTION (en collaboration avec Michèle Thériault) un ouvrage expérimental qui explore le processus traductionnel par rapport au dessin photonumérique.

Cette exposition satellite de l’événement Vidéastes recherchés, est rendue possible grâce à une subvention d’équipe en recherche-création du Fonds québécois de recherche sur la société et la culture.

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Montage de l'installation de bgl au Centre de Design de l'UQÀM. Crédit photographique: UQÀM.

(Communiqué) Montréal, le 29 octobre 2010 – Le Centre de design de l’UQAM présente l’exposition Cultiver son jardin / Minding the Garden [Phase 2], une installation majeure conçue par le collectif d’artistes de Québec BGL. Cette œuvre vivante met en scène les thèmes abordés lors du Festival international de jardins aux Jardins de Métis. L’exposition permettra à un vaste public, n’ayant jamais pu se rendre à Métis, de palper et sentir l’univers du jardin dans le décor insolite d’une salle d’exposition devenue laboratoire de création.

Vernissage : mercredi 10 novembre 2010, à 18 heures
Date : 11 novembre 2010 au 16 janvier 2011

Cultiver son jardin / Minding the Garden [Phase 2]
Il s’agit de la deuxième collaboration du Centre de design avec le Festival international de jardins aux Jardins de Métis. Sous le commissariat d’Emmanuelle Vieira, Cultiver son jardin / Minding the Garden [Phase 2] souligne l’omniprésence de la nature sous toutes ses formes dans notre quotidien et propose une réflexion autour des problématiques variées reliées à l’architecture paysagère. Elle permettra au public de découvrir le côté expérimental abordé par les concepteurs de jardins et architectes de paysage.

C’est en se promenant dans les rues de Montréal que les membres du collectif BGL ont découvert la matière première pour la réalisation de leur concept : la flore ornant la ville durant la saison estivale dans les jardinières et les pots retrouvés dans les rues, source abondante de matière et de matériaux. Cette intervention percutante dévoilera toute la beauté cachée de cette végétation remise en scène dans un environnement qui ne correspond en rien à leur milieu d’origine.

Derrière l’apparente simplicité de cette exposition se cache un défi d’envergure relevé par BGL : concevoir une œuvre qui transpose l’univers du jardin et du paysage en intérieur, évoquer la magie des installations conçues pour le Festival international de jardins à Métis, et éveiller les sens des visiteurs sans nécessairement récréer ces univers éphémères. Le public pourra contempler le contraste existant entre ces vestiges d’un été terminé et l’environnement à l’intérieur dans lequel ils seront exposés. Cette exposition amène le public à réfléchir sur la nature des liens indélébiles qui unissent l’être humain et l’environnement dans lequel il évolue.

BGL
Le collectif BGL, composé des artistes Jasmin Bilodeau, Sébastien Giguère et Nicolas Laverdière, est reconnu pour la pertinence et l’engagement de leurs créations. Le collectif a été invité par le Centre pour créer une œuvre majeure, véritable signature de l’exposition. Leur pratique est expérimentale, leurs œuvres sont immersives et invitent la participation des spectateurs.

Autres activités

Colloque international Cultiver son jardin / Minding the Garden
Dates : les 13, 14 et 15 janvier 2011
À cette occasion, plusieurs experts locaux et internationaux se réuniront pour approfondir la réflexion sur les thèmes des paysages, de l’environnement-ville et du design. Comment concevoir un nouveau type d’environnement de nos jours? Faut-il envisager un rapport plus étroit entre un habitat urbain et des infrastructures écologiques? Une transition d’infrastructures mécaniques (égouts, système de purification des eaux, etc.) à des systèmes plus naturels est-elle possible?

Ce colloque est organisé en collaboration avec Roberto Zancan, professeur à l’École de design de l’UQAM et Emmanuelle Vieira, commissaire de l’exposition et du Festival international de jardins aux Jardins de Métis.

Visites guidées
Dates : tous les vendredis, de midi à 18 heures
En français, sauf sur demande spéciale (réservation requise)

Plus de photos hautes résolutions sont disponibles au http://gallery.me.com/glabrecque .

Adresse et heures d’ouverture
Centre de design de l’UQAM
1440, rue Sanguinet (angle Sainte-Catherine Est)
Montréal (métro Berri-UQAM)
Du mercredi au dimanche, de midi à 18 heures
Entrée libre

Renseignements
Tél. : 514 987-3395
www.centrededesign.uqam.ca

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Cette première décennie, c’est une centaine d’auteurs (sans compter le Printemps des poètes que nous avons créé!) invités à participer à une quarantaine de productions; ce sont de grands noms de la littérature québécoise que nous avons fait sortir de leur boudoir pour les amener sur la scène : André Roy, Élise Turcotte, Nicole Brossard et Martine Audet en sont quelques exemples.

Pour souligner cet anniversaire, Rhizome organise une série d’activités rétrospectives. Les 12 et 13 octobres, les festivités sont lancées avec la reprise de deux des séries qui ont fait le succès de Rhizome : Syllepses, cabaret poésie + performances sonores et visuelles, ainsi que Phonèmes, lectures et interventions électroacoustiques.

Deux autres activités rétrospectives sont inscrites à la programmation de QUÉBEC EN TOUTES LETTRES. Il s’agit de Les passeurs avec Nicole Brossard et Louis Jolicoeur (20 octobre à 20h, Studio P) et Atomes, performances numériques de poésie (23 octobre à 19h30, salle Multi de Méduse).

Et la cerise sur le gâteau? Une version installation interactive de notre hommage à Claude Gauvreau, Des suzes de brakchita! Présenté au studio de Rhizome du 12 au 23 octobre, de 9h à 17h.

Syllepses
POÉSIE + PERFORMANCES SONORES
LE 12 OCTOBRE, 20H, STUDIO P

Rétrospective de la série Phonèmes
MISES EN SCÈNE AUDIO DE TEXTES LITTÉRAIRES
LES 13 ET 20 OCTOBRE AU STUDIO P

Atomes
UNE SÉRIE DE PERFORMANCES MÉDIATIQUES DE POÉSIE,
LE 23 OCTOBRE À LA SALLE MULTI DE MÉDUSE

Des Suzes de Brakchita 2.0
INSTALLATION HOMMAGE À GAUVREAU
PRÉSENTÉ AU STUDIO DE RHIZOME DU 12 AU 23 OCTOBRE

Le détail de la programmation rétrospective est disponible à l’adresse : www.productionsrhizome.org

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David Spriggs, Stratachrome (détail), 2010, installation. Photo: Galerie de l'UQÀM

J’étais en déplacement à Montréal au début de cette semaine et j’ai eu l’occasion de passer par la Galerie de l’UQÀM. J’ai jeté un coup d’oeil sur l’installation Stratachrome de David Spriggs.

Il faut s’imaginer de gigantesques feuilles d’acétate transparent, placées les unes à la suite des autres tout en laissant un espace d’une dizaine de centimètres entre elles.

Des fractions d’images s’y superposent, ce qui crée à la fois un effet de profondeur et du flou. Mon oeil avec de la difficulté à m’attacher à un point précis des images créées – et pourtant, j’arrivais à reconnaître ce que l’artiste voulait proposer.

Ajoutez à cela une réflexion sur le vert des trucages vidéos et que voilà une installation intéressante!

À voir à la Galerie de l’UQAM – si vous passez par Montréal – jusqu’au 9 octobre 2010. [en savoir plus]

Vue de l'entrée de l'Aréna municipal de Baie Saint-Paul où se déroule le Symposium

Le Symposium de Baie-Saint-Paul bat son plein présentement dans Charlevoix. C’est par une belle journée que je suis allé pointer le bout de mon nez dans l’aréna municipal pour voir le développement de la création telle que déployée par les artistes. J’étais un peu appréhensif lors du trajet. C’est aux environs de Saint-Tite-des-Caps que j’ai compris l’origine de mon malaise.

Le thème de cette année est L’union fait la force. Selon ce que j’avais compris, le commissaire invité Stefan St-Laurent avait décidé de mettre l’accent sur «les arts et métiers des artisans d’antan». Les conférences offertes tout au long du mois d’août avaient pour thème la reliure d’art, le tapis crocheté et la courtepointe. *Soupir* Comment parler du problème que j’entrevoyais au Symposium sans passer pour un snob de l’Art qui crache sur les métiers d’art?

Près du sommet du Massif de la Petite-Rivière-Saint-François, j’avais trouvé la solution. Ce qui m’agaçait, ce n’était pas tant que les métiers d’art se revendiquent de l’Art. L’excellent travail du Centre MATERIA à Québec rend cette limite floue pour quiconque fréquente sa galerie, tout comme les broderies exceptionnelles de Micheline Beauchemin présentées au Musée national des beaux-arts de Québec tout récemment.

Non, ce qui m’énervait dans l’accent mis sur les arts et métiers traditionnels, c’était cette façon de dire que Baie-Saint-Paul ne pouvait être que traditionnelle et que ses citoyens ne pouvaient pas accueillir des oeuvres d’art contemporain à la fine pointe du développement.

Lors de mon entrevue avec Jacques Saint-Gelais Tremblay, directeur du Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul et directeur du Symposium, j’avais particulièrement apprécié son grand respect pour ses concitoyens qui ne fréquentent pas nécessairement le MoMA à chaque saison [si vous ne savez pas ce que MoMA signifie, vous faites partie de cette clientèle]. Pour lui, les éditions successives du Symposium permettaient de développer le goût des résidants de Charlevoix pour les pratiques artistiques les plus actuelles.

C’est dans ce sens qu’une lecture de la région en mettant l’accent sur la tradition me posait problème. En descendant la côte vers la ville, je me suis que je me laisserais guider par les choix du commissaire. Je n’ai pas été déçu.

Ce que j’ai compris en entrant dans l’aréna, c’est que le Symposium était fidèle à lui-même. Les artistes créent sous les yeux des visiteurs durant tout le mois d’août. Les installations sont à l’honneur, comme la sculpture et, un peu, la peinture.

La démarche du commissaire se base sur les techniques développées par les artisans qui partent de la matière pour arriver à l’objet fini. Ce geste artisan est mis à l’honneur chez les artistes. C’est peut-être la raison pour laquelle l’origine des matériaux joue un rôle important dans l’événement cette année.

Ainsi, la famille Bomford a récupéré une barque pour l’intégrer à son installation. Des panneaux de tôle ondulée ont aussi été réutilisés pour former des motifs de colonnes à cannelures. Le photographe Benoît Aquin parcourt les rues de la ville pour en saisir les images. Jean-Robert Drouillard a modifié son projet de sculpture, intégrant un crâne d’ours noir plutôt qu’un crâne de taureau tel qu’initialement proposé. Bakery Group crée une oeuvre à partir du bois local.

Vue de l'installation en bois de Bakery Group (centre), avec les sculptures de Jean-Robert Drouillard (gauche) et l'installation de Geneviève et Matthieu (droite)

Vue partielle de l'installation de Cédric, Jim et Nathan Bomford

Sonny Assu s'inspire de son passé autochtone pour créer des tambours qui rappellent l'histoire de son peuple

Nicolas Galanin s'est numérisé et découpé en tranches fines pour recréer son portrait. À voir sur place!

Le collectif montréalais Seripop monte des centaines de sérigraphies sur une installation. Le résultat promet d'être spectaculaire.

L'artiste de Québec Jean-Robert Drouillard pose près de sa sculpture. Il poursuit son exploration du thème de la famille. Au moment de mon passage, il était en train de brûler sa sculpture en bois, sur laquelle il va adjoindre le crâne d'un ours. Métamorphose? Costume? Caricature? Radiographie? Le plaisir réside dans l'ambiguïté de son geste.

Par rapport aux deux années précédentes [2008, 2009], j’ai été surpris par la taille des oeuvres. Quelques installations sont imposantes.

Aussi, l’accent mis sur le geste artisan a une conséquence inattendue : les marteaux, scies et autres appareils se font entendre assez fortement. Le visiteur a vraiment l’impression de pénétrer dans l’atelier des artistes. Ça soude, ça transforme, ça crée. Les matériaux sont présents et on les sent. L’aspect technique du métier d’artiste est palpable.

En un sens, il me semble que le pari du commissaire est en train d’être relevé. En mettant l’accent sur le geste artisanal, les artistes questionnent la frontière de l’art. Peut-être s’agit-il d’un juste retour vers les mains? Si l’art est une cosa mentale, «une chose mentale» comme disait Léonard, il semble important de signaler qu’en 2010, il s’agit aussi d’une cosa manuale. À une époque où les moyens technologiques facilitent la création, le retour du geste de l’artiste paraît plus apprécié que jamais.

C’est le coeur partagé entre le bonheur et la tristesse que je suis reparti vers Québec. D’un côté, le consommateur d’art contemporain en moi a été rassasié. De l’autre, la dynamique même du Symposium consiste à voir les oeuvres se créer au fil des jours. Ils sont chanceux les résidents de Baie-Saint-Paul puisqu’ils peuvent suivre l’évolution des oeuvres petit à petit.

Sur un plan plus personnel, mes salutations à Catherine Baril, étudiante en histoire de l’art à l’Université Laval qui faisait un excellent travail d’animation, ainsi qu’à Paryse Martin, artiste et professeure à l’École des arts visuels que j’ai croisée et qui est toujours aussi passionnée.

Le Symposium se déroule à Baie-Saint-Paul jusqu’à la fin du mois d’août. Faith Ringgold sera présente lors de la dernière fin de semaine. Ateliers, conférences et concerts musicaux sont aussi au programme. Tous les détails sont disponibles sur le site du Symposium.

(Communiqué de presse) Québec, le 22 avril 2010 – Du 1er mai au 13 juin 2010, LA CHAMBRE BLANCHE et la Manif d’art 5 présentent l’exposition The missing monument for Washington DC par Iván Navarro.

Transformant du matériel d’éclairage en composantes sculpturales, son travail, sensible à la désinformation et aux dictatures, constitue une critique du social et du politique.

Dans le cadre de la Manif d’art 5 ayant pour titre Catastrophe? Quelle catastrophe!, l’artiste chilien explorera le côté sombre de la lumière en abordant l’échec politique des dix-sept années de dictature d’Augusto Pinochet au Chili; un règne de torture, de meurtres et de disparitions des opposants à ce régime autoritaire.

Dans l’installation vidéo The missing monument for Washington DC, Iván Navarro fait référence à l’auteur-compositeur-interprète folk Victor Jara. Activiste politique chilien, ce dernier a été torturé et tué en septembre 1973 par l’armée de Pinochet.

Deux hommes, pieds nus et habits sombres, apparaissent dans un espace vide, les têtes dissimulées dans des sacs. L’un est à quatre pattes, alors que l’autre se tient debout sur le premier, récitant le poème de Jara « Estadio Chile » [Stade Chili], s’accompagnant à la guitare acoustique. À cette vidéo s’ajoute une figure humaine accroupie faite de tubes fluorescents sur laquelle une pile de feuilles repose sur son « dos ». Ces feuilles, offertes aux spectateurs, présentent au recto une image tirée de la vidéo et au verso le poème de Jara.

Ensemble, ces pièces parlent du travail dispersif de la catastrophe, levant le voile sur l’horreur d’une répression.

Iván Navarro est né à Santiago, Chili, en 1972, et vit à New York depuis 1996. Son travail a été montré partout à travers l’Amérique latine, les États-Unis, l’Europe et l’Australie dans des institutions telles que le Whitney Museum à Altria, New York; Hirshhorn Museum ans Sculpture Garden, Washington, DC; MOCA Miami; Witte de With, Rotterdam; Prague Biennale 2, Prague; Adelaide Festival, Adelaide, Australia; Museo Nacional de Arte, Lima; Centro Cultural Matucana 100, Santiago. Son travail se retrouve également dans plusieurs collections internationales incluant la Saatchi Collection, London; Margulies Collection, Miami; Virginia Museum of Fine Arts, Richmond; et le Fonds National d’Art Contemporain, Paris. Il a aussi représenté son pays d’origine à la dernière Biennale de Venise.

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Loup gris, l'intervention de Folie/Culture présentée dans le cadre de la Manif d'art 5

(Communiqué de presse) Québec, le 22 avril 2010 – Folie/Culture crie au loup. Un immense toutou en forme de LOUP GRIS sera suspendu au-dessus de l’édifice du Théâtre de la Bordée, au coin des rues Notre-Dame-des-Anges et Dorchester, menaçant passants et curieux d’une catastrophe possible.

LOUP GRIS
Du 29 avril au 2 mai 2010
Derrière le Théâtre de la Bordée
(à l’angle des rues Notre-Dame-des-Anges et Dorchester)

- INTERVENTION -
1er mai 2010 à 15 h dans le cadre
du vernissage itinérant de la MANIF D’ART 5 dont le thème est la catastrophe.

L’image du loup hante la psyché collective et cristallise des peurs profondément ancrées en chacun de nous. Dès l’enfance, le loup mangeur d’hommes représente LE danger qui se cache derrière chaque arbre de la forêt. « L’homme est un loup pour l’homme », et toute rencontre peut dissimuler une tragédie ou pire encore l’homme peut être un loup pour lui-même. L’âme humaine quant à elle, se charge de générer des peurs, réelles ou irrationnelles, qui renvoient aux craintes lointaines du loup des contes pour enfants.

Les apprentis sorciers, banquiers, boursiers, boursicoteurs capitalistes, courtiers, économistes, fraudeurs patentés et voleurs légalisés sont autant d’incarnations modernes du loup et n’ont qu’à bien se tenir.

Le LOUP GRIS cache en ses entrailles quelques surprises. Aura lieu une mise à mort symbolique de toutes nos peurs, collectives et intimes, qui se déroulera lors du vernissage itinérant de la Manif d’art 5, le 1er mai 2010 dès 15 h.

La force symbolique de ce projet réside, paradoxalement, dans la menace de la catastrophe imminente ainsi que dans sa résolution ludique.

Folie/Culture est un organisme à but non lucratif qui présente depuis 1984 des activités artistiques et sociales de sensibilisation dans le domaine de la santé mentale.

Une idée originale du comité de programmation de Folie/Culture : Benoît Côté, Céline Marcotte, Éric Martin, Catherine Plaisance, Charles Rice, Alain-Martin Richard et Émilie Roi.

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Dans le cadre de l’émission La Démarche du 1er avril 2010, j’ai diffusé une entrevue réalisée avec Blaise Carrier Chouinard et Amélie Laurence Fortin. Durant cet entretien, les artistes ont discuté du travail à quatre mains autour de leur installation Chuchotement primal qui est proposée chez au Lieu, centre en art actuel, jusqu’au 18 avril 2010.

Écouter l’entretien avec Blaise Carrier Chouinard et Amélie Laurence Fortin [environ 12 min]

Ne manquez pas La Démarche, tous les jeudis à 17h00 sur les ondes de CKIA 88,3 FM ! On peut aussi l’écouter en direct sur Internet par le biais du site ckiafm.org.

Bienvenue 24h, Je dors avec mon portefeuille, mes clefs et toutes mes affaires Hugo Nadeau (Québec) / Récipiendaire du prix Tomber dans l’OEil 2009

(Critique d’exposition) – La première chose qui frappe en arrivant aux galeries de L’Œil de poisson, ce sont ces dizaines – voire centaines – de bandes blanches qui tombent du plafond. Elles sont suspendues tout au long du couloir qui longe la Côte d’Abraham. Dans l’escalier qui mène aux locaux de CKIA-FM, elles vont jusqu’au sol, jusqu’aux marches. Il faut les pousser pour se glisser dans le couloir.

La seconde chose qui surprend, c’est la fragilité de ces bandes. Alors qu’au premier coup d’oeil elles ressemblent à ces stores verticaux qui habillent de nombreuses fenêtres, au toucher on s’aperçoit qu’il s’agit de bandes de papier fragiles. Et si elles touchent le sol à une extrémité du couloir, devant l’entrée des galeries elles dirigent le regard vers le haut.

C’est à ce moment qu’on remarque qu’un trou a été percé dans le mur de la petite galerie. À environ deux mètres de hauteur, on aperçoit une urne. Pourquoi cet objet? Difficile de comprendre le concept.

Tiens, une autre partie de l’installation nous attend à l’extérieur de la salle, une tablette vitrée avec des champignons. Décidémment, les objets les plus disparates nous attendent dans cette oeuvre.

Ce n’est qu’en entrant dans la Petite Galerie que l’ensemble révèle sa cohérence. Ce qu’on remarque en premier, c’est cette pile de napperons en papier de mauvaise qualité sur lesquels est écrit le mot «Bienvenue», ces napperons associés de si près aux restaurants bon marché qui sont ouverts toute la journée sans interruption. Puis, le regard est attiré vers le gros caisson au centre, et les lambeaux qui tombent du ciel, et ces tablettes remplies de croustilles, et, et, et…

Si je devais qualifier en un mot Bienvenue 24h, Je dors avec mon portefeuille, mes clefs et toutes mes affaires d’Hugo Nadeau, je choisirais le terme densité.

L’artiste a choisi de construire sa propre chambre funéraire à la manière des anciens Égyptiens. Le caisson en bois, au centre, représente son sarcophage. Je n’ai pas grand mérite à décoder l’oeuvre en ce sens: il y est inscrit «Hugo Nadeau 1».

Tout autour se retrouvent ses attributs. Hugo Nadeau 1 nous présente ses idées sur le temps, comme nous l’indique son livre funéraire. Dans cet excellent ajout au projet se retrouve la génèse de l’installation: plans préparatoires, esquisses, échantillons, etc. Sur une tablette sont alignés des cafés et leurs variantes. Un langage fabuleux, à la façon des hiéroglyphes, fait le lien avec les banderoles écrites qui tombent du plafond. Déjà mentionnées, les croustilles s’offrent comme une part importante de l’alimentation d’Hugo Nadeau 1.

Dans un cageot percé à même le mur de la galerie, au ras du sol, se retrouve un cageot à pommes de terre, avec les tubercules et quelques champignons. Tiens, n’y avait-il pas des champignons semblables à l’extérieur de la galerie? Les liens à tisser entre les diverses parties de l’oeuvre sont denses et se révèlent au fil de son exploration.

On le voit, Hugo Nadeau 1 est capable de produire des oeuvres riches de sens lorsqu’on lui en donne les moyens. Récipiendaire du prix Tomber dans l’oeil (attribué à un/e finissant/e de l’École des arts visuels de l’Université Laval) et d’une bourse Première Ovation, il a pu laisser son imagination se débrider dans ce projet.

On sent l’artiste qui cherche son langage, sa place au soleil. On sent que l’espace de la galerie est trop petit, qu’il veut faire éclater les frontières et sortir des espaces confinés. Est-ce la raison de sa mise en sarcophage? Est-ce la raison de ces trous percés dans les murs de la galerie? Est-ce la raison de l’envahissement du couloir? L’avenir nous le dira.

On sent l’investissement dans l’oeuvre, l’importance de la création, le désir de partager ses pensées avec tout son talent. On sent le plaisir des matériaux variés et chaleureux. On sent l’exploration formelle. Ça frôle parfois l’hermétisme sans jamais y sombrer totalement.

Au bout du compte, j’ai bien aimé Hugo Nadeau 1. Je suis déjà curieux de voir Hugo Nadeau 2.

Informations pratiques

• Bienvenue 24h, Je dors avec mon portefeuille, mes clefs et toutes mes affaires d’Hugo Nadeau est présenté à l’Œil de poisson jusqu’au 25 avril 2010
• L’entrée est libre
• Un bref rappel de l’exposition est disponible sur le blogue
• Une entrevue avec l’artiste a été diffusée le 25 mars 2010 sur les ondes de CKIA-FM

Écouter l’entretien avec Hugo Nadeau [environ 10 min]

Ne manquez pas La Démarche, tous les jeudis à 17h00 sur les ondes de CKIA 88,3 FM ! On peut aussi l’écouter en direct sur Internet par le biais du site ckiafm.org.

Système 0.48b, de Pierre-Olivier Fréchet-Martin

La Galerie des arts visuels de l’Université Laval se drape de noir ces jours-ci pour présenter l’installation Système 0.48b de Pierre-Olivier Fréchet-Martin. La vitre de la porte d’entrée de la galerie est recouverte d’un drap noir et une affiche nous indique l’entrée. Une fois dans la salle, les lumières sont tamisées et un espace est créé sur notre gauche par des draps suspendus du plafond. Une flèche nous marque le chemin à emprunter.

Avant de pénétrer cet espace artificiel, une petite télévision diffuse une vidéo d’images du ciel. On aperçoit des nuages qui se déplacent, lentement. La résolution de ces images est faible et la pixelisation importante. Bon, me dis-je, quel est l’intérêt?

Délaissant la vidéo, je décide de traverser les draps noirs suspendus pour entrer dans la pièce ainsi créée. Je ne sais pas ce qui m’attend de l’autre côté.

L’installation est composée de dizaines d’ampoules suspendues du plafond. Les globes sont dénudés. Les fils électriques au bout desquels elles pendent varient en longueur. Parfois, je peux marcher sous les ampoules, d’autres fois elles s’allongent du plafond jusqu’à ma cheville.

La lumière émise par les ampoules semble obéir à son propre rythme. Des coins de la pièce s’illuminent peu à peu tandis que d’autres se plongent dans l’obscurité.

Je cherche à comprendre la clé animant l’ensemble. Est-ce que les ampoules réagissent à ma présence? Je me déplace près d’une ampoule et, durant un instant fugace, je vois la lumière. C’est cela, me dis-je. Je suis dans une installation où le corps du spectateur anime l’ensemble. C’est brillant.

Je continue à me mouvoir dans l’espace, tentant d’interagir avec la création qui se déploie tout autour de moi. Tiens, les lumières ne fonctionnent plus sur mon passage. Plutôt, c’est ce coin lointain, là-bas, qui se met à briller avec une intensité difficile à manquer.

Je m’immobilise, un peu frustré. Finalement, il semble que la clé de lecture que je me suis donnée ne soit pas la bonne. Sans bouger, sans rien faire, les ampoules continuent à s’animer, au rythme d’une mélodie qui m’échappe. Dans ces cas-là, l’expérience m’apprend que je suis mieux d’ouvrir les canaux émotifs et de mettre le cerveau en sourdine. Je laisse le rythme m’envahir. C’est bien, c’est sympa.

En sortant de la pièce drapée, je jette un nouveau regard sur la vidéo. Non, décidément, je ne vois pas le lien.

Ce n’est qu’en parlant avec le personnel de la Galerie et en lisant le communiqué de presse que je comprends le rapport entre ces deux parties de l’installation.

L’image pixelisée des nuages anime les lumières de l’installation. À chaque ampoule correspond un pixel de cette vidéo diffusée dans les tons de gris. Il existe 48 pixels, d’où le titre de l’installation. Plus le pixel s’approche du blanc, plus la lumière diffusée par l’ampoule est forte. Le mouvement de la lumière correspond ainsi au mouvement des nuages.

Selon moi, le lien entre les deux parties de l’installation n’est pas assez évident. Si l’idée de départ est ingénieuse et porteuse de sens (des images vidéo – donc de la lumière – matérialisées à l’aide d’ampoules – de la lumière également), sa communication au public m’apparaît déficiente pour en apprécier toute la richesse. Soyez donc averti/avertie si vous passez par la Galerie des arts visuels: ce n’est pas votre présence qui anime l’installation! Malgré cette lacune, il ne faut pas hésiter à se plonger dans l’environnement créé par l’artiste qui est immersif et poétique.

Système 0.48b de Pierre-Olivier Fréchet-Martin est présenté à la Galerie des arts visuels de l’Université Laval jusqu’au 21 mars 2010. L’entrée est libre.

Photographie: Michel Boulanger

(Communiqué de presse) Québec, le 15 février 2010 – Le travail de Michel Boulanger s’effectue à travers une série d’expérimentations picturales, graphiques et vidéographiques qui sont autant de réflexions à propos de la formation des images et du rôle que tiennent ces dernières dans notre définition de la réalité.

Grande galerie
Champ Témoin | Michel Boulanger (Montréal)

Visitez les sites de l’artiste :
www.michelboulanger.ca et www.grupmuv.ca

Bien que le dessin en constitue le point central, la démarche multidisciplinaire de Boulanger rassemble aussi des travaux en peinture et en cinéma d’animation. Au fil des ans s’est construite une oeuvre faite de compositions complexes où le motif du paysage y est privilégié en tant que construction du réel et lieu par excellence des représentations mentales que l’on se fait de la nature. Dans sa production récente, il exploite le fait qu’un objet modélisé en 3D demeure à tout jamais manipulable et transformable.

L’exposition Champ Témoin se décline en deux chapitres à travers deux séquences d’images animées distinctes et projetées en simultanée sur deux écrans dans l’espace de la Grande Galerie.

Le chapitre intitulé Fuir présente une poursuite nocturne à travers un champ de maïs où une succession de boucles animées propose de légères différences à chaque recommencement. Le début et la fin de ce plan unique sont parfaitement identiques, de telle sorte qu’on ne puisse en localiser la jointure.

La seconde projection fait contrepoint à la première en montrant un porc bondissant de plus en plus haut et qui revient progressivement au sol jusqu’à l’inertie. Ici aussi le mouvement est perpétuel, mais dans un mouvement de va-et-vient. Les deux projections, tout en offrant un fort contraste formel, se recoupent à travers la problématique de la territorialité dans le domaine agricole, en s’intéressant plus spécifiquement aux liens entretenus entre la culture du maïs et l’élevage du porc.

Michel Boulanger a participé à de nombreuses expositions au Canada et à l’étranger, notamment aux Royaumes Unis, en France, en Espagne, aux États-Unis et au Mexique. En 2003-04, son travail faisait l’objet d’une exposition solo au Musée d’art contemporain de Montréal.

Détenteur d’une maîtrise en Arts plastiques à l’Université du Québec à Montréal en 1992, ses oeuvres picturales, graphiques et en cinéma d’animation font partie de plusieurs collections publiques et privées dont la Banque d’oeuvres d’art du Conseil des Arts du Canada, le Musée d’art contemporain de Montréal, le Musée des Beaux-Arts de Montréal, la Banque de Prêt d’oeuvres d’art du Musée national des beaux-arts du Québec, la Banque Nationale et la Peau de l’ours. Michel Boulanger a aussi participé au programme d’intégration d’oeuvres d’art à l’architecture. Membre fondateur de la galerie B-312, il est aujourd’hui professeur à l’École des arts visuels et médiatiques de l‘Université du Québec à Montréal.

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MIRKO SABATINI
CANE
12 février au 7 mars 2010
Vernissage le 12 février à 20 h

L’installation est composée de quatre anneaux de chaîne (un total d’environ 500 pieds) qui sont entraînés dans un parcours d’obstacles fait de jeux d’équilibre précaire. Dans son mouvement, la chaîne provoque des accidents qui créent une longue suite d’événements sonores. Le résultat est un paysage insaisissable, délicat et fragile.

En s’appuyant sur un processus d’apprentissage intuitif, les expérimentations sonores et visuelles de Mirko Sabatini se définissent par une approche personnelle issue d’un langage unique et poétique. Elles se construisent avec une appropriation directe de la technologie, un outil privilégié par l’artiste pour faire émerger l’essentiel de sa création.

Mirko Sabatini vit et travaille entre Bologne et Montréal. Musicien et artiste multidisciplinaire, il a présenté ses projets en France à l’École des beaux arts d’Annecy, en Italie au centre 2BO et au festival Angelica de même qu’au Teatro della Val d’Oca et à Montréal à la Galerie B-312. Il a aussi exposé avec Jean-Pierre Gauthier via la formation Duo Travagliando au Canada et aux États-Unis. Plus récemment, il présentait l’installation sonore intitulée Artificial Stupidity au Musée de la musique de Bologne en Italie.

Actif à Québec depuis 1982, Le Lieu, centre en art actuel est engagé dans des activités sédentaires à Québec ainsi que dans des opérations nomades, activités et projets au Québec comme à l’étranger. Le caractère multidisciplinaire du centre fait côtoyer installation, performance, manœuvre, art action, art audio, poésie sonore, vidéo et autres explorations des paramètres de l’expressivité artistique. Depuis sa fondation, Le Lieu a toujours inclus à sa programmation des activités in situ et hors les murs ainsi que des opérations proches de ce que l’on admet aujourd’hui comme des pratiques interdisciplinaires, des manœuvres ou de l’esthétique relationnelle.

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